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Opera seria

EIN Drama pro Musik (ebenfalls Drama in der Musik; Hinweis: Drama auf/von Musik) ist der am häufigsten verwendete Begriff für jede Oper seit dem Aufkommen des Operngenres im 17. Claudio Monteverdic^[1] bis in die 70er-80er Jahre des 18. Jahrhunderts unter Wolfgang Amadeus Mozart. Heutzutage ist es normalerweise ein Opernserie (italienisch: ernste Oper), ein Name, der jedoch in der Zeit selbst kaum verwendet wurde, aber heute gebräuchlich für die Art der heroischen Oper ist, die in Neapel, Rom, Venedig und Wien Gestalt annahm und sich ab dem späten 17. verschiedene Stilelemente. Das Thema der Oper stammt oft aus dem griechisch-römischen Mythologie oder Geschichte.

Claudio Monteverdic

Wolfgang Amadeus Mozart

Ursprung

Opernserie (ernste Oper) – als Gegenteil der komischen Oper, die Oper buffa oder Drama giocoso – war in erster Linie eine Belustigung des Gerichts. Sein Inhalt musste mit der Philosophie des Hofes übereinstimmen und moralische Werte in allegorischen Rahmen zeigen. Viele der in der Oper verwendeten Geschichten hatten ein tragisches Ende und passten im 18. Jahrhundert nicht mehr in das geordnete ethische System, das propagiert werden musste: Die Welt war gerecht und gut und gutes Benehmen wurde belohnt. Das leto fino, das Happy End - nicht das Ergebnis eines göttlichen Eingreifens (wie im 17. Jahrhundert oft üblich), sondern weil in einem rationalen erleuchtet Zeit musste sich die Tugend durchsetzen – war gefragt. Die Hauptfiguren waren mit moralischen Dilemmata konfrontiert, oft einem Konflikt zwischen persönlichen Emotionen und öffentlichen Pflichten, in denen sie letztendlich die richtigen Entscheidungen trafen.

Man überlegt L'Orfeo von Claudio Monteverdic als erste richtige Oper, aber damals hieß sie a favola in musica. Die Aufführung wurde 1607 während der Karnevalstage am Hof von uraufgeführt Francesco Gonzaga im mantu. Nach einer musikalischen Eröffnung tritt der Erzähler vor und singt:

Ich bin die Musik, die mit süßen Klängen

jedes betroffene Herz kann sich beruhigen

und selbst die eisigste Seele in edlem Zorn

oder kann Liebe entzünden

Dieser Text ist ein Aussage. Monteverdi glaubte, dass Musik Emotionen lenken kann.

Struktur

Die Geschichte selbst wird in der Rezitative, die sich in einem normalen Gesprächstempo bewegen und bei denen die musikalische Begleitung die Kadenzen gewöhnlicher Gespräche und Dialoge nur leicht hervorhebt; die leichte, punktierte Begleitung sorgt dafür, dass die Worte klar verständlich bleiben. In jedem Rezitativeblock geht die Geschichte weiter und es werden weitere Informationen enthüllt, die einen oder mehrere Charaktere betreffen.
Der Höhepunkt jeder Szene ist der Arie, in dem die Handlung, wie sie in den Rezitativen erzählt wird, kurz „eingefroren“ wird, gestoppt. Einer der Charaktere der Oper drückt in der Arie seine Gefühle in Bezug auf die gerade in den Rezitativen skizzierte Situation aus. Er oder sie kann dies im Allgemeinen tun, aber auch gezielt auf einen der anderen Charaktere. Nachdem die Arie gesagt war, was zu sagen war, war nichts mehr hinzuzufügen: Die Person verlässt die Bühne (daher auch: Ausgangsarie)

Die meisten Arien sind da capo Arien, bei denen der erste Teil der Arie wiederholt wird (da capo: zum Kopf, der Anfang). Den Sängern wurde die Möglichkeit gegeben, improvisiert oder auf andere Weise aufzutreten Dekorationen in der Wiederholung, damit sie ihre technischen Fähigkeiten zeigen und zeigen können, wie sie damit den Worten zusätzliche Ausdruckskraft verleihen können. Spätere Komponisten verwendeten Tal Segno Arien, bei denen die Wiederholung nach einem Zeichen in der Partitur beginnt (dal segno: zum Zeichen), wodurch die Dauer der Arie verkürzt wird.

Zusätzlich zu da capo Arien gibt es kürzere Arien oder Cavatines und in der Regel ein oder zwei orchesterbegleitete Rezitative zu dramatischen Höhepunkten für die Hauptfiguren.

Die meisten Opernserie haben, spät in der Arbeit, ein Duett für die Hauptfiguren in der Oper; dabei verabschieden sich die Hauptfiguren ein letztes Mal oder man singt von der Freude, sich endlich gefunden zu haben. Weitere Ensemblestücke sind ungewöhnlich, aber oft gibt es einen Schlusschor, der den Sieg des Guten über das Böse mit einer Moral für die Hauptfiguren feiert.

Erfüllungsort

Logen im Theater La Fenice in Venedig

Opern wurden in den Häusern des Adels aufgeführt, das heißt in ihren Palästen (die Opern von opera Haydn wurden nie außerhalb von Esterhaza, der Burg der Esterházys, aufgeführt). Aber es gab bald, und zwar im 17. Jahrhundert, Operntheater. Die Opernhäuser waren gesellschaftliche Treffpunkte. Die Logen, abgeschirmte Räume mit Blick auf die Bühne, aber mit ausreichendem Sichtschutz, wurden von den wohlhabenden Familien der Umgebung gekauft oder gemietet. Die prominentesten Familien hatten im ersten Stock Logen, die Klavier edel, mit zentral gegenüber der Bühne die große Loge des Monarchen oder Prinzen; je höher man saß, desto geringer war die soziale Stellung der Familie.

Die meisten Aufführungen wurden besucht, auch Wiederholungen. Das bedeutete nicht, dass man von einem Auftritt mit konzentrierter Aufmerksamkeit erwartet wurde, besonders wenn kleinere Sänger auf der Bühne sangen; die Leute gingen frei ein und aus, sowohl aus der Loge als auch aus dem Theater, und unterhielten sich, aßen, spielten oder spielten Karten.

Gedruckte Exemplare der Libretto verkauft (zweisprachig, wenn die Oper nicht in der Landessprache war), damit die Leute die Geschichte verfolgen konnten; auch die Theaterbeleuchtung mit einzelnen Kerzen an den Sitzplätzen hat dies ermöglicht.^[2]

Libretto

Es war die Aufgabe des Textdichter die richtige Balance zwischen den Hauptrollen zu finden, damit den Sängern jeweils die Anzahl der Arien zugeteilt wurde, die ihren Interessen entsprach:

vier oder fünf für die Primadonna und der fein uomo (das wichtigste Kastrat, oft mit der Reichweite von a Mezzosopran);
drei oder vier für die zweite donna und Seconda uomo;
ungefähr vier für die Tenor (der selten einen heroischen Charakter spielte, aber normalerweise ein älterer Mann, manchmal ein König)
ein oder zwei für die Vertrauten, Generäle und dergleichen (oft Mezzosopranistinnen und Bass). Oft wurden die Arien direkt nach der Pause vor sie gestellt, wo sie vom verspäteten Publikum oder dem Abschluss des Abendessens mit einem Sorbet leicht übersehen werden konnten Arie di Sorbet)

Pietro Metastasio mit dem Kastraten Farinelli

Das Als erstes galt traditionell als wichtigster Sänger und war daher der bestbezahlte; das Primadonna bekam ungefähr die Hälfte des Gehalts der Als erstesDie Arien, insbesondere die der Hauptsänger, mussten unterschiedlichsten Empfindungen gerecht werden, damit die Sänger ihre Stimmqualität in unterschiedlichen Ausdruckssituationen zeigen konnten. Komponisten verwendeten verschiedene Mittel, um dies zu erleichtern. Da war also die Vergleichs-Arie (die Arie mit einem Vergleich), in der die Figur Parallelen zwischen ihrer Situation und der eines Vogels im Käfig oder ohne Käfig, eines Schiffes, das bei einem Sturm auf die Wellen geworfen wird, oder eines Gebirgsbaches, in dem man sich befindet, gezogen hat mitgetragen.

Pietro Metastasi (1698-1782) war der Textdichter par excellence der Operas seria. Er schrieb zahlreiche erfolgreiche Libretti, darunter für Antonio Caldarac, Leonardo Vinci und Johann Adolf Hass. Einige davon wurden auch von anderen Komponisten wiederholt.Mozart de Handel haben Opern zu Metastasios Libretti geschrieben.

Im Laufe der zweiten Hälfte des 18. Jahrhunderts gab es Verschiebungen in diesen Schemata. Niccolò Jommelli und Tommaso Traetta spielte andere Arten von Arien, Ensembles, Chören und Instrumentalstücken programmatische Musik im. Ebenfalls Christoph Willibald Glucks Opern zeigen die Reformen, die in der Oper vorgenommen wurden.

Die Musik

Auf der Grundlage des Librettos erstellte der Komponist eine Schlüsselstruktur für die Arien. Antonio Salieric hat in seinen Memoiren das kompositorische Vorgehen eines Komponisten des 18. Jahrhunderts beschrieben. Die Hauptarie der Heldin war in Es-Dur geschrieben, die Liebesduette in A und die gemeinsamen Arien mussten im Verhältnis zueinander stehen, das ihrer dramatischen Bedeutung entsprach. Die Rezitative sorgten für den Anschluss an die Tonart der nächsten Arie, dann wurden die Chöre und Ensembles geschrieben und die Ouvertüre. Die Ouvertüre und das Finale der Akte wurden normalerweise so geschrieben, dass Trompeten verwendet werden konnte (C, D oder Es) Der nächste Schritt war, in der Aufführungsstadt präsent zu sein und die Musik mit den Sängern durchzugehen, die zuerst am wenigsten bezahlt wurden. Auf die Stimme des Sängers oder Sängers hörend, könnte der Komponist Anpassungen an die Situation vornehmen. Die Sänger probierten ihre Arien aus und konnten je nach Status verlangen, dass Arien bearbeitet, umgeschrieben oder sogar durch Arien anderer Komponisten ersetzt wurden, die das Libretto bereits vertont hatten. Die Oper wurde für diese einzigartige Aufführung oder Reihe von Aufführungen geschrieben. Wiederholungen später bedeuteten oft eine erneute Anpassung.

Literatur

Burney, Charles (1771; trans. 1991), Musikalische Reisen. Chronik des europäischen Musiklebens im 18. Jahrhundert, Baarn/Antwerpen, Anthos/Hadewijch
Sadie, Stanley (2006), Mozart. Die frühen Jahre 1756-1781, New York/London, W.W. Norton & Company
Wolff, Hellmuth Christian (1975), Italienische Oper vom späteren Monteverdi bis Scarlattic, im Oper und Kirchenmusik 1630-1750, New Oxford History of Music (Anthony Lewis und Nigel Fortune, Hrsg.), London, Oxford University Press
Wolff, Hellmuth Christian (1975), Italienische Oper 1700-1750, im Oper und Kirchenmusik 1630-1750, New Oxford History of Music (Anthony Lewis und Nigel Fortune, Hrsg.), London, Oxford University Press

Quellen, Anmerkungen und/oder Verweise

↑Für seine erste Oper sowie das Werk, das als erste Oper der Musikgeschichte gilt, L'Orfeo, Monteverdi benutzte den Namen Favola in musica (Märchen zu Musik)
↑Burney beschreibt die Oper von Mailand, die Milaan Teatro-Region Ducal wo u.a. Mozarts mitridat 1770 uraufgeführt: „Die Bühne ist sehr geräumig und schön. Zu beiden Seiten befinden sich fünf Logenreihen, von denen jede Reihe Platz für 100 Personen bietet. Auf einer breiten Galerie befinden sich Räume mit Feuerstellen und allerlei Einrichtungen zum Erfrischen und Spielen Gegenüber der Bühne befindet sich eine sehr geräumige Loge, die nur dem Herzog von Modena, dem Gouverneur von Mailand, und seiner Tochter, der Prinzessin, vorbehalten war während des Singens einiger Arien und eines Duetts, das das ganze Publikum begeisterte. Nach dem Duett gab es lauten Applaus, bis die Opernsänger wieder alleine begannen, denn solcher Applaus ist hier ein Zeichen dafür, dass man eine Wiederholung eines Favoriten wünscht Arie"

[1] Für seine erste Oper sowie das Werk, das als erste Oper der Musikgeschichte gilt, L'Orfeo, Monteverdi benutzte den Namen Favola in musica (Märchen zu Musik)

[2] Burney beschreibt die Oper von Mailand, die Milaan Teatro-Region Ducal wo u.a. Mozarts mitridat 1770 uraufgeführt: „Die Bühne ist sehr geräumig und schön. Zu beiden Seiten befinden sich fünf Logenreihen, von denen jede Reihe Platz für 100 Personen bietet. Auf einer breiten Galerie befinden sich Räume mit Feuerstellen und allerlei Einrichtungen zum Erfrischen und Spielen Gegenüber der Bühne befindet sich eine sehr geräumige Loge, die nur dem Herzog von Modena, dem Gouverneur von Mailand, und seiner Tochter, der Prinzessin, vorbehalten war während des Singens einiger Arien und eines Duetts, das das ganze Publikum begeisterte. Nach dem Duett gab es lauten Applaus, bis die Opernsänger wieder alleine begannen, denn solcher Applaus ist hier ein Zeichen dafür, dass man eine Wiederholung eines Favoriten wünscht Arie"

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