WikiDer > Эдвин Дикинсон

Эдвин Уолтер Дикинсон (11 октября 1891 - 2 декабря 1978) был американским художником и рисовальщиком, наиболее известным психологически заряженными автопортретами, быстро рисовавшими пейзажи, которые он называл премьерные переворотыи большие, навязчиво загадочные картины с фигурами и объектами, нарисованными на основе наблюдений, в которые он вложил все свое время и усилия. Его рисунки также вызывают всеобщее восхищение и стали предметом первой опубликованной книги о его работах.^[1] Менее известны его премьерный переворот портреты и обнаженные тела, его картины среднего размера, созданные полностью из воображения или с включением элементов одного из его рисунков, или сделанные на основе наблюдений в течение нескольких дней или недель, включая натюрморты, портреты других людей, как заказные, так и нет, и обнаженные тела.

Его стиль живописи, который избегал деталей в пользу пристального внимания к отношениям между массами цвета, находился под сильным влиянием примера его учителя. Чарльз В. Хоторн. Странные сопоставления и озадачивающие намеки на повествование в его больших сочинениях сравнивают с Сюрреализм, и его премьерные перевороты часто прибегают к абстракции, но Дикинсон сопротивлялся отождествлению с каким-либо движением в искусстве.

История

Ранняя жизнь и художественное обучение

Дикинсон родился и вырос в Seneca Falls, Нью-Йорк, в Finger Lakes площадь; его семья переехала в Буффало в 1897 году. Смерть его матери от туберкулеза в 1903 году, самоубийство в 1913 году его старшего брата Берджесса, повторный брак его отца в 1914 году с гораздо более молодой женщиной, а также смерть близкого друга в бою. все это упоминалось как влияние на темы его более поздних работ.^[2] В детстве Дикинсон предполагал, что станет министром, как и его отец, но предложение брата о карьере во флоте ему больше понравилось. Дважды провалив вступительные экзамены в Военно-морскую академию США,^[3] в 1911 г. он поступил в Лига студентов-художников, где учился Уильям Меррит Чейз. Летом 1912 и 1913 годов он останавливался в Провинстауне, штат Массачусетс, где учился с Чарльз В. Хоторн, и продолжал там круглый год с 1913 по лето 1916, работая помощником Хоторна в 1914 году.^[3] С конца лета 1916 года до конца года Дикинсон вместе с другим художником исследовал возможности гравюры в Провинстауне. Росс Моффетт, и предпринял дальнейшие попытки в 1920-х и 30-х годах, но чувствовал, что его время лучше проводить за рисованием.^[4]

Хоторн, который сам был учеником Чейза и увековечил некоторые из его идей, оказал сильное влияние на методы и идеи рисования Дикинсона, многие из которых он сохранил в своем более позднем обучении.^[5] Дикинсона Автопортрет 1914 г.^[6] это то, что ученики Хоторна назвали "тупицей",^[7] фигура с подсветкой, построенная из цветных пятен, движущихся наружу от центра, а не заполняющих контуры. Хоторн заставлял своих учеников пользоваться мастихином и даже пальцами, «как будто живопись была только что изобретена».^[8] и предотвращение попыток рисования деталей вместо установления отношений между «пятнами» (то есть пятнами) цвета. В Хоторне Дикинсон научился искать неожиданное и рисовать без формул.^[9] прищуриться, чтобы определить ценностные отношения,^[10] и верить, что картина будет лучше, если ее бросить, когда вдохновение угаснет, сколько бы ни было сделано.^[11] Использование Дикинсоном идей Хоторна в его обучении было описано одним из его бывших учеников, Фрэнсис Каннингем.^[12]

Первая мировая война и путешествие по Европе

Дикинсон преподавал живопись в Буффало и работал телеграфистом в Нью-Йорке до своей военно-морской службы с конца 1917 по 1919 год.^[13] Война прервала планы Дикинсона поехать в Европу со своим близким другом и коллегой-художником Гербертом Гросбеком, и пока Дикинсон служил на флоте у побережья Новой Англии, Герберт отправился в Европу в качестве солдата и умер там. Аргоннский лес в одном из последних сражений войны. Его смерть, казалось, пробудила боль Дикинсона по поводу более ранних потерь его матери и брата и повлияла на последующие картины. В период с декабря 1919 по июль 1920 года последовала поездка в Париж для изучения искусства, финансируемая за счет подарка от вдовы Гросбека и родителей страховки, выплаченной после его смерти.^[14] Дикинсон совершил побочную поездку, чтобы навестить его могила в северной Франции, а затем в Испании; две картины Эль Греко в Толедо он объявил лучшее, что он когда-либо видел, восхищение, которое сохранялось на протяжении всей его жизни.^[15] Тема одного из них была особенно значима для Дикинсона, недавно посетившего могилу Гросбека. Похороны графа Оргаза.

Годы борьбы

Раннее признание получили несколько работ Дикинсона (в первую очередь Интерьер, которая была выставлена ​​в галерее Коркоран в Вашингтоне в 1916 году и трех других крупных выставках, а также Старый Бен и миссис Маркс, 1916, который был показан в Нью-Йорке в 1917 году и в Люксембургском музее в Париже в 1919 году, где его увидел Дикинсон)^[16] не продолжился после его возвращения из Европы. Несмотря на финансовую поддержку покровительницы Эстер Хойт Сойер, Дикинсон изо всех сил пытался заработать на своей работе достаточно, чтобы жить.^[17] Он достиг дна в 1924 году после того, как закончились наследство от его матери и немного денег от отца.^[18] Он не смог продать Юбилей, Главная картина, на которой он работал непрерывно в течение тринадцати месяцев, и два введено в эксплуатации портретов, один из его прославленного дяди, Чарльз Эванс Хьюз, и один из Чарльз Д. Уолкотт, нарисованные во время восьминедельного пребывания в Вашингтоне в прошлом году, были отклонены.^[19] Продажа еще одной крупной картины (Виолончелист, 1920–21) другу, заплатив 500 долларов в рассрочку, этого было недостаточно, чтобы позволить ему продолжить карьеру художника. Кризис разрешился в июле 1924 года, когда муж Эстер договорился платить Дикинсону ежемесячную зарплату в обмен на право выбирать картины, эквивалентные его стоимости.^[20] Эта договоренность продолжалась двадцать один год и закончилась только тогда, когда Дикинсон обеспечил постоянную преподавательскую работу в Лиге студентов-художников и Cooper Union в 1945 году.^[21]

В 1928 году Дикинсон женился на Фрэнсис «Пэт» Фоули, вскоре после завершения Охотники за ископаемыми, картина высотой 8 футов (2,4 м), над которой он провел 192 сеанса и которая приобрела значительную известность, когда была выставлена ​​на выставке. Carnegie International 1928 года, потому что он был повешен боком, ошибка, увековеченная на последующих выставках в 1929 году в Пенсильванской академии изящных искусств (где ошибка была обнаружена до открытия)^[22] и в Нью-Йорке в Национальной академии дизайна, где он вызвал еще больший резонанс, получив приз за свое дезориентированное состояние.)^[23]

Эстер Сойер организовала продажу работ Дикинсон, особенно рисунков, портретов и пейзажей, своим богатым друзьям.^[24] а в 1927 году она и ее муж купили важную картину Дикинсона. Юбилей, 1920–21, и передал в дар Художественная галерея Олбрайт-Нокс.^[25] В 1930-е годы Дикинсон уделял больше времени своим пейзажам, потому что их было легче создавать и продавать, чем его более крупные работы, которые ему было труднее выставлять на крупных выставках.^[26] В письме к Эстер в 1933 году он написал, что надеется жить пейзажами, которые пишет.^[27] В феврале 1934 года его пригласили участвовать в первой программе для художников эпохи депрессии - полугодовой программе. Проект общественных произведений искусства, который предлагал ему еженедельную оплату и выставку картины в Вашингтоне в мае. Он закончил работу вовремя, переработав заброшенную картину, нарисованную небольшой группой на основе воображения на любимую тему, полярные исследования,^[28] и изменив его название на Мель бриг.^[29] Основные картины этого периода были Лесной пейзаж, 1929–1935, которую Эстер купила и передала Корнельскому университету, и Композиция с натюрморт, 1933–1937, которую Сойеры подарили Музею современного искусства в 1952 году.

Вторая поездка в Европу с семьей последовала в 1937–1938 годах, где он рисовал пейзажи на юге и севере Франции и посетил Рим, Флоренцию и Венецию, пока опасения по поводу Гитлера не прервали его пребывание.^[30] Еще находясь за границей, Дикинсон провел свою первую персональную выставку в Нью-Йорке в галерее Пасседуа. Он включал Виолончелист, Охотники за ископаемыми, Лесной пейзаж, Мель бриг, недавно завершенный Композиция с натюрморт (выставляется под оригинальным названием, Фигуры и натюрморт), пятнадцать пейзажей, присланных из Франции, и пятнадцать других картин.^[31] Он был хорошо освещен искусствоведами и получил в целом положительный отклик. Через год после возвращения семьи Дикинсон купил дом на Кейп-Код в Уэллфлите, где они останавливались, когда не преподавали в Нью-Йорке.

Период с 1943 по 1958 год.

С 1936 по 1942 год Дикинсон ежегодно выставлялся в галерее Пасседуа в Нью-Йорке. Это стало возможным, потому что он не писал больших, отнимающих много времени работ между тем временем, когда он прекратил работу над Композиция с натюрморт в 1937 г. и начал работу над Руины в Дафне 1 января 1943 года. Отношения прекратились, потому что Дикинсон, все еще изо всех сил пытавшийся прокормить свою семью, не получал достаточного дохода от продаж и нуждался в поиске «зарабатывающей работы».^[32] В 1944 году он перевез семью в Нью-Йорк, полагая, что это поможет ему получить преподавательскую работу, но в течение первого года ему пришлось довольствоваться коммерческой работой, включая рисунки для французского журнала, которые были отклонены.^[33] и копия фотографии Рузвельта, Черчилля и Чан Кай-Ши.^[34] Но Пэт нашла работу в Hewitt School это продолжалось до ее выхода на пенсию в 1966 году,^[35] а в 1945 году Эдвина наняли преподавать в трех школах, и он начал период преподавания, который длился до его выхода на пенсию, также в 1966 году.^[36] Другой причиной разрыва связи с Пасседуа было то, что ему нужно было время для работы над новой картиной. Руины в Дафне, на которой он продолжал писать с периодическими перерывами и упадками энтузиазма до 1953 года, в общей сложности 447 сеансов (около 1341 часа).^[37] Донор куплен Руины в Дафне и передал в Художественный музей Метрополитен в 1955 году. Музей американского искусства Уитни куплен Охотники за ископаемыми в 1958 г., а в 1988 г. Музей М. Х. де Янга куплен Виолончелист, последняя крупная картина Дикинсона, попавшая в музей (и вместе с Руины в Дафне, одна из немногих картин Дикинсона, обычно представляемых широкой публике). В 1948 году он был избран в Национальная академия дизайна в качестве ассоциированного члена, а в 1950 году стал полноправным академиком.

Спустя годы

Дикинсон оставался активным учителем до 1960-х годов, к тому времени его картина резко упала после удаления туберкулезного легкого в 1959 году и возросших требований, предъявляемых его растущей репутацией. Они включали участие в многочисленных индивидуальных и групповых выставках, наиболее важными из которых были большие ретроспективы его работ в Бостоне в 1959 году.^[38] еще один в Нью-Йорке в 1961 году^[39] который включал 157 работ и был рецензирован тринадцатью критиками,^[40] за которым последовала выставка его работ, организованная Музеем современного искусства, которая посетила двенадцать площадок в одиннадцати штатах,^[41] еще одна ретроспектива в Музее американского искусства Уитни в 1965 году, охваченная девятью критиками,^[42] и включение в американскую выставку на 34-м Венецианская биеннале, где он был признанным художником.^[43] Затем последовали различные награды, награды, интервью и просьбы о лекциях.^[44] Нет никаких свидетельств того, что он рисовал после 1963 года. К 1970 году у него появились симптомы, указывающие на Болезнь Альцгеймера и умер в Провинстауне 2 декабря 1978 года.^[45]

Его искусство характеризовало, интерпретировало и оценивало

Искусство Дикинсона, всегда основанное на представление, сравнивали с Сюрреализм, но сходство поверхностное.^[46] Его чувствительность и эмоциональные связи ближе к Романтизм и Символизм, и он был включен в Музей современного искусства 1943 выставка Романтическая живопись в Америке.^[47] Но Дикинсон в целом избегал объединяться в какое-либо художественное движение, что способствовало его некоторой маргинализации, и он категорически отказывался принимать какую-либо сторону в спорах между традиционными живописцами-репрезентациями и авангардистами Нью-Йоркской школы, обе группы которых уважали ему.^[48] Тенденция его больших работ к монохромности, а также темнота многих из них также вызвали недоумение и неодобрение некоторых наблюдателей.^[49] Другая жалоба заключалась в том, что странные сопоставления и образы в этих работах намекают на лежащие в основе повествования или ситуации, но их цель неясна, и Дикинсон обычно избегал объяснений, за исключением описания процедур, технических проблем и формальных проблем.^[50] Даже когда он упоминал основной предмет или тему картины или идентифицировал на ней фигуры или предметы, он действовал озадаченно по поводу некоторых ее деталей.^[51] Но если некоторых наблюдателей разочаровал и оттолкнул неуловимый характер содержания больших картин^[52] другие были тронуты ими и пытались объяснить силу, которую они испытывали.^[53] Среди критиков, директоров музеев и художников часто высказывается мнение, что Дикинсон заслуживает большего признания,^[54] заставил одного критика назвать его «возможно, самым известным, малоизвестным художником Америки».^[55]

Известные художники, которые учились у Дикинсона, включают Леннарт Андерсон,^[56] Фрэнсис Каннингем,^[57] и Денвер Линдли.^[57]

Произведения искусства

Конкурентные красавицы

Самая ранняя из того, что Джон Дрисколл называет «главными символическими картинами Дикинсона», Конкурентные красавицы, 1915 г., напоминает Школа Ашкана картины, такие как Джорджа Беллоуса Обитатели скал в переполненном человечестве, роящемся в космосе.^[58] Но в картине Дикинсона многие детали не доведены до конца, и изогнутые линии освобождаются от описательных обязанностей своей собственной ритмической жизнью, особенно левый контур белой юбки на переднем плане, который продолжается вверх в брюках швейцара, стоящего по стойке смирно. и в радикально неполной фигуре, стоящей перед фортепиано на левом переднем плане. Фортепиано, необъяснимое во внешней сцене, используемое виолончелистом для настройки своего инструмента, похоже, означает молчаливое одобрение совета Хоторна: «Настоящая живопись подобна настоящей музыке, правильные тона и цвета расположены рядом друг с другом; литературное и сентиментальное. факторы ничего не добавляют к его реальной стоимости ".^[59] Преднамеренность этой ссылки подтверждается тем фактом, что Хоторн сам был виолончелистом.^[60] Тем не менее, уже в странном наборе сюжетов картины, включая то, что он задумал как мертвую лошадь,^[61] Дикинсон принимает заявление Хоторна, выражая идею, которая была широко принята в тот период:^[62] как разрешение саботировать связность повествования путем включения образов, которые не позволяют наблюдателю объяснить их присутствие, практика, которую он продолжал во многих своих более крупных студийных картинах.^[63]

Дрисколл отметил, что запись художника на обратной стороне старой фотографии картины - «Ссылка: Ласкадо Херн и шведская подруга» - относится к писателю Лафкадио Хирну и утверждает, что это дает ключ к символическому содержанию картины.^[64] Уорд обнаружил несколько записей в журналах Дикинсона, в которых шведская подруга идентифицирована как Эли Мёрлинг, однокурсница, изучающая искусство, с которой иногда обедал Дикинсон, которая восхищалась трудами Хирна и, как следует из его записи от 3 марта 1966 года, отправила ему записку после смерти Берджесса, возможно цитируя Хирна.^[65] Уорд предполагает, что название картины может относиться к эссе Хирна «Прекрасные женщины и темные женщины», в котором он противопоставляет «красоту друидини и дочери викинга» темноглазой красоте испанских женщин. Израиль и Индия.^[66] На картине Дикинсона пара светлокожих девушек в центре играет против пары латинян, что наводит на мысль о португальских женщинах из Провинстауна смешанной расы, вдалеке еще одна пара женщин в белых платьях, одна рыжая, а другая темнокожая. и четвертая пара, менее отчетливая, слева от них с опущенными головами, которые Уорд считает японцами.^[65]

Интерьер

В Интерьер, 1916, самая амбициозная и успешная картина Дикинсона на данный момент, он снова показывает влияние Хоторна, особенно в его использовании «взгляда Хоторна», в котором глаза смотрят на зрителя, но кажутся несфокусированными, как будто во сне.^[67] и в чаше, расположенной на видном месте, в соответствии с советом Хоторна красить белый фарфор.^[68] Но комбинация изображений не поддается пониманию как связное натуралистическое описание, с шестью фигурами, упакованными вместе в плотную вертикальную массу, наверху которой стоит человек в зеленой маске, кричащий на кошку, которую он держит, - действие, противоречащее интроспективному настроению человека. другие фигуры, которые, несмотря на свою близость, кажутся эмоционально оторванными друг от друга. Название картины не имеет отношения к обстановке, но, как отмечает Дрисколл, почти наверняка взято из названия пьесы Мориса Метерлинка, поставленной в Нью-Йорке в 1915 году, и относится, как и его, к внутренним чувствам символы.^[69] Дрисколл замечает, что в пьесе Метеринка говорится о самоубийстве, и общее название поддерживает точку зрения, что картина Дикинсона о смерти его брата представлена ​​гитаристом, а также кричащей фигурой позади него, которая воплощает внутренние сомнения и неуверенность Берджесса.^[70] Уорд предполагает, что это исследование психологических состояний могло быть связано с Эдвард Мунк и Ибсен, чью пьесу «Призраки» он прочитал где-то между 1913 и 1915 годами и вполне мог быть связан с самоубийством своего брата.^[71]

Внутреннее озеро

Несмотря на то что Внутреннее озеро«1919» - самая мрачная картина, которую когда-либо рисовал Дикинсон, она, кажется, изображает счастливую группу женщин, детей и мужчин - четверо в матросской форме - на закате. Но причудливый инцидент, разбросанный по картине, компенсируется частично объединенной группой или стопкой из трех женщин справа от центра картины, устройство, похожее на расположение и эффект фигур на картинке. Интерьер и тот, который создает такое же преследующее присутствие, хотя и встроен в контекст, требующий большего внимания. Он написал ее через два месяца после увольнения из флота в конце войны в семейном коттедже в Шелдрейке, на озере Каюга, где, согласно дневниковой записи, сделанной после визита в отпуск в 1918 году, он «хорошо провел время».^[72] Нравиться Конкурентные красавицы, он был написан полностью из воображения.

Дрисколл не включил его в число основных символических картин, и ему уделялось мало внимания, пока О'Коннор и Уорд независимо друг от друга не идентифицировали его как обладающего символическими характеристиками.^[73] Уорд указывает на контрастирующих женщин: одна в светлой одежде приветствует зрителя на сцене, вторая - в черном, отворачиваясь налево. Он видит в этой паре мать Дикинсона как живую, так и мертвую, что приводит к сцене, присутствующей и запомненной.^[74] За ярко освещенной женщиной видна третья женщина, которая видна в правом профиле, но ее контуры, оттенки и ценности так близко соответствуют окружающему контексту, что она, кажется, исчезает и может указывать на дематериализованную ауру матери Дикинсона, скорее ощущаемую в окружающей среде. чем непосредственно заметил. Воспоминания о матери пробудили бы его возвращение домой.^[75] К 1922 году появились свидетельства того, что Дикинсон заинтересовался Марсель Пруст, вероятно, в Париже в 1920 году.^[76] Хотя идеи Пруста должны были повлиять на мышление Дикинсона в его более поздних работах, его первоначальный энтузиазм, вероятно, был вызван тем, что он распознал идеи в исследованиях памяти французского писателя, которые уже играли важную роль в его собственных работах.

Юбилей

Название Юбилей, 1920–21, наводит на мысль о событии, как и жесты старика и мужчины с протянутой рукой на вершине пирамиды, образованной тремя основными фигурами картины. Но, как в Интерьер, плотно упакованные фигуры не замечают друг друга, и жесты не способствуют единому повествованию. Только молодая сидящая женщина знает о зрителе. Точно так же предметы, натянутые на нижнюю часть картины, не имеют повествовательной цели. Подрывая любое связное повествование, Дикинсон позволяет наблюдателю испытать картину с точки зрения ее настроения и формального взаимодействия, а также намека на воспоминания, вызванные заголовком (юбилеи были важны для Дикинсона, который добросовестно отмечал в своих журналах годовщины рождений и смертей. родственников, дорогих друзей и людей, которыми он очень восхищался, в том числе Бетховен, Бах, и Пруст), а также сражения Гражданской войны и другие крупные события).

Мрачная мрачность картины наводит на мысль о годовщине смерти Дрисколла, который считал, что она была задумана как памятник Герберту Гросбеку, вторая годовщина смерти которого наступила всего через три недели после того, как Дикинсон начал картину, - в его собственный день рождения.^[77] Он считает, что содержание картины могло быть окрашено, если не вдохновлено стихотворением Томаса Харди «Годовщина», в котором годовщины объявляются «самыми грустными днями в году».^[78] и Милтона "Lycidas", стихотворение, которое Дикинсон запомнил об этом времени и часто цитирует.^[79] Предметом Милтона была смерть многообещающего молодого друга, как и брат Дикинсона Берджесс, и страх умереть до того, как работа будет сделана, что Дрисколл определяет также как основной смысл картины Дикинсона.^[14] Наличие нот на полу и струнных инструментов - скрипка, которую мужчина держит в правой руке за головой старика, и скрипка или альт (на обоих из них играл Дикинсон), которые держат за головой в левой руке стоящего. человек - снова предполагают, что Дикинсон чувствовал эквивалент игры форм музыкальным ритмам и гармониям. На инструментах не играют; внушение музыки в картине выражается через визуальную игру формы.

О'Коннор видит главную тему, относящуюся к повторному браку его отца с гораздо более молодой женщиной после смерти его матери, в символических картинах с 1920 по 1928 год и в одной, начатой ​​в следующем году. Он интерпретирует старика в Юбилей, Две фигуры II, Виолончелист, и Охотники за ископаемыми, и андрогинная женщина в Лесной пейзаж как его престарелый отец, связанный на четырех картинах с молодой женщиной и с виолончелью, заменяющей женщину на пятой.^[80] Основная идея, которую предлагает О'Коннор, заключается в том, что Эдвин, неспособный в своей бедности жениться до 1928 года, завидует счастью своего отца и видит в нем соперника, символически упокоенного в Охотники за ископаемыми от его собственной новой любви и брака менее чем через два месяца после окончания работы над картиной.^[81] О'Коннор утверждает, что психологическое решение, которое обнаружил Дикинсон, Охотники за ископаемыми он не может достичь в Лесной пейзаж потому что символические отсылки в нем «относятся к старым эдиповым состояниям, когда-то достаточно могущественным, чтобы объединить картину, но теперь рассеяны его собственной новой и плодотворной жизнью».^[82]

Две фигуры II

Та же модель позировала мужчине в Юбилей и Две фигуры II(1921–1923), снова в сопровождении молодой женщины, которая здесь более похожа на манекена из-за ее гладких волос и черт лица, а также взгляда Хоторна. И снова близость фигур, теперь сгруппированных в правой части изображения, обостряет ощущение их психологического разделения друг от друга, которое создает их исключение из поля зрения взгляда партнера. Уорд предполагает, что это отсутствие взаимодействия, разница в возрасте, расположение женщины позади мужчины и сбоку от изображения в сочетании с контрастом между цветным изображением мужчины и монохромным изображением женщины могут означать, что она является изображением. воспоминания о любви, возможно, вызванной запахом розы, напоминающим запах той розы, которую она когда-то держала (трудно различимый стебель соединяет ее с ее рукой). Точно так же сильно освещенная голова старика в Юбилей и расположение других фигур позади него может указывать на то, что это люди, которых вспоминали из его прошлого, как их помнят. Если да, то разница в возрасте может быть из-за вспоминаемой молодости. Когда Дикинсону было семьдесят, он записал в своем дневнике, что в юности ему снилась мать.^[83]

Полярные картинки

Между 1924 и 1926 годами Дикинсон написал четыре картины (одна сейчас утеряна), выросшие из его пристального интереса к полярным исследованиям. Его участие в этой теме началось с чтения книги «Исследователь Арктики». Дональд Б. Макмиллан книга Четыре года на белом севере. Макмиллан был уроженцем Провинстауна, и Дикинсон хорошо его знал. По крайней мере, в двух картинах чувство меланхолической усталости, очевидное в его более крупных картинах, исчезло, его сменило связное повествование или сцена, основанная не на воспоминаниях, а на волнении приключений. Однако на одной из картин Чтение Библии на борту Тегетхоффа, 1925–26, Уорд считает, что эти образы более личные. Он видит подвыпившие, призрачные фигуры, вовлеченные в манихейскую борьбу между тьмой и светом, сосредоточенную на читателе Библии, которого он отождествлял с отцом Дикинсона, пресвитерианским священником, который проводил ежедневные чтения Библии дома.^[84] Он предполагает, что ступни, выступающие из длинной, изогнутой, цилиндрической, темной формы, спускающейся над ними, могут представлять его мать, которая вот-вот будет охвачена смертью.^[85]

Виолончелист

Четвертая картина Дикинсона, которую Дрисколл назвал главной и символической, Виолончелист, 1924–1926, больше всего на эту дату приходилось писать работы. Опять же, доминирующая фигура - старик, якобы играющий на виолончели в комнате, заваленной предметами и видимой сверху, так что пространство уходит к горизонту намного выше верхней части картины. Постепенное опрокидывание и закрытие пространства можно наблюдать в последовательности работ, ведущих к этой, стратегии, параллельной модернист тенденции к живописной абстракции, сопровождающиеся пространственным уплощением.Тем не менее, фигура и объекты на этой картинке не теряют своего объема или тактильного присутствия как объекты. Музыка из квартета Бетховена на переднем плане и два клавишных инструмента справа снова предлагают уравнение живописи и музыки, хотя повествовательная последовательность картины подорвана, объекты расположены не для использования, а для создания визуальных ритмов и гармоний.^[86]

Дрисколл рассматривает картину как дань уважения Бетховену, композитору Дикинсону, который почитал больше всех остальных.^[87] и через него его брату Берджессу, пианисту и композитору, которого его сокурсники в Йельском университете прозвали «Бетховен».^[88]

Девушка на теннисном корте

Картина среднего размера, созданная воображением, с нехарактерным общим использованием относительно насыщенного цвета, Девушка на теннисном корте, 1926, мало обсуждался в письменной форме. На нем изображена молодая женщина, которая смело шагает вперед сквозь пятна тени, которые падают на ее тело и, кажется, угрожают ей снизу. Поза аналогична позе Ника Самофракийская (с перевернутыми ногами), который он видел в Лувр шестью годами ранее и сделал рисунок.^[89] В 1949 году Дикинсон попытался включить Nike в свой Руины в Дафне (но заменил его на фрагмент колонны) и купил репродукцию скульптуры. Уорд отмечает, что Дикинсон сначала описывает картинку, которую он начинает, как «Композицию Тенниса Шелдрейка».^[90] и считает, что вдохновением для создания картины мог быть его взгляд на девушку в этом месте, движущуюся в позе, которая напомнила ему о древней Нике.^[90]

Охотники за ископаемыми

«Охотники за ископаемыми», 1926–28, содержит самые явные ссылки на корни Дикинсона и его близких. Название относится к окаменелостям, которые Дикинсон искал в детстве в Шелдрейке.^[91] и снова во время посещения летом 1926 г. перед началом работы над картиной. Дикинсон вполне мог задумать картину как средство «спасения» своего брата Берджесса с помощью искусства: изображена посмертная маска Бетховена, но с открытыми глазами, в отличие от настоящая посмертная маска. Дикинсон открыл глаза на своей картине и тем самым не только увековечил своего брата, но и вернул ему ту жизнь, которую он помнил.

Адлер видит старика, держащего палку (символическую кисть) у точильного камня, как выражение «труда» художника по рождению чего-то вечного »,^[92] и ссылка на охоту за окаменелостями, относящаяся к желанию оставить после себя останки, которые переживут смерть. Сам Дикинсон признал, что желание сделать что-то столь же долговечное, как работы старых мастеров, проявилось в размере работы (при высоте 96,5 дюймов это была самая большая картина, которую он написал).^[93]

Воздушный шар Андре (Глен)

Уорд - единственный писатель, опубликовавший интерпретацию Воздушный шар Андре, 1929–1930.^[94] Картина любопытная, начатая во время его медового месяца в коттедже Дикинсона в Уэллфлите, но в то же время чрезвычайно опасная для рисования счастливого жениха. Не очевидно, какие изменения Дикинсон внес в картину за те семнадцать месяцев, которые он над ней работал, но это продолжительное время - на пять месяцев дольше, чем ему потребовалось, чтобы нарисовать Юбилей, несмотря на то, что его размер всего 30¼ × 25 3/16 дюймов - указывает на важность, которую он придавал этому, - и на то, как он боролся, чтобы довести его до своего удовлетворения. Первоначально названный Глен, он был переименован в честь тела и дневника шведского полярного исследователя Саломон Август Андре был найден в 1930 году, но не раньше 1933 года, когда он все еще называл картину по ее первоначальному названию и идентифицировал ее как «[т] она с воздушным шаром наверху».^[95] Присутствие воздушного шара на картине с первоначальным названием Дикинсон объясняет как относящееся к воспоминаниям о восхождении на воздушном шаре из своего детства, очевидно, пробужденным его пребыванием со своей новой невестой в семейном коттедже. Уорд указывает, что местность соответствует региону и не имеет ничего общего с арктической средой, где погибла группа Андре, и картина была переименована без перекраски.^[95] Он сравнивает это с другой картиной восхождения воздушного шара, Finger Lakes, 1940, и контрастирует мягкое, романтическое настроение и стиль этой картины с угрожающим характером более ранней работы, с тенями, которые, кажется, поднимаются с земли, и дико раскачивающейся гондолой воздушного шара. Уорд интерпретирует характер Глен как результат конфликта между его неполным трауром по матери и любовью к невесте, который он может разрешить в более поздней картине.

Лесной пейзаж

Борьба за завершение картины, пережитая в Глен продолжено в Лесной пейзаж, 1929–35, на котором он провел почти четыреста сеансов и дважды изменил размеры (шов, прикрепляющий полосу холста слева, виден только слева от плеча перевернутой фигуры; другая полоса, которую он прикрепил вверху, была позже удалили, и правая сторона была сужена на 3¼ дюйма).^[96] Дрисколл считал, что неудовлетворенность Дикинсона картиной, которую он, наконец, закончил для своего покровителя, затрудняет полную интерпретацию. Тот, который он предложил, связывает стоическое принятие натурщицей сложной ситуации после смерти мужа с отрывками из книги Томаса Харди. Лесные жители и его стихотворение «В лесу», в котором Харди изображает природу как вовлеченную в смертельную борьбу.^[97] Дрисколл считает, что Дикинсон отождествляет себя с внутренней силой субъекта перед лицом разочарований и невзгод. Уорд предостерегает от попыток интерпретировать картину с точки зрения биографии натурщика; он отмечает, что другой натурщик изначально позировал сидящей фигуре, и оба работали моделями, которые Дикинсон использовал раньше.^[98]

Уорд отмечает, что эта картина, как и Охотники за ископаемыми, предлагает образы сна с его темнотой, его парящей фигурой и странной, лишенной рта фигурой, стоящей перед зрителем. Уорд предполагает, что женщины без рта, которые появляются на нескольких картинах Дикинсона, могут относиться к его матери, которую он может визуализировать, но не может слышать.^[99] Также поражает контраст между тяжелым пальто на этой фигуре и наготой фигуры справа, которая, за исключением груди и правой верхней части ноги, в значительной степени покрыта дымом от огня, горящего там, где должна была быть ее голова, В отличие от этого, Уорд относится к «пылающей страсти юности и холодному одиночеству старости».^[100] На исходной картине, когда больше холста справа и меньше слева, эти фигуры были бы уравновешены друг с другом, и Уорд считает, что Глен, что картина представляет собой борьбу Дикинсона за то, чтобы примирить траур, который он продолжал делать по своей матери, с любовью, которую он испытывал к своей невесте, конфликт, который способствовал его неспособности закончить картину таким образом, который удовлетворил его даже через почти шесть лет. Он интерпретирует парящую фигуру как мать, какой он ее помнит, с розой, приравненной к груди как символу материнской любви и визуально связанной с чреслами старухи рукоятью плуга, как если бы она прослеживала путь ее воскрешения. .^[101]

Мель бриг (потеря Тегетхоффа)

Согласно картине Уорда Дикинсона для PWAP, Мель бриг, 1934 г., начал жизнь как Потеря Тегетхоффа, третья картина из серии, посвященная тому, как этот корабль бросил на мель в полярных льдах, остановилась примерно после 15 сеансов осенью 1930 года. В окончательной версии лед исчез, и скалы перевернулись, напоминая те, на которых он нарисовал Глен присутствуют. На снимке также изображен скелет вельбота на переднем плане, а также невероятная ласка, попавшая в ловушку (внизу слева), падающие камни (слева), а также свисающие дорожки и ступеньки. Эти детали усиливают представление о ситуации, от которой нет выхода. Биографические события, возможно, повлияли на переживания Дикинсона: в 1933 году у него случился приступ язвы; он испытывал достаточно сильные боли в спине, чтобы носить спину с июня 1931 года до Мель бриг был полным; 1 июля 1934 г. он поступил в больницу для прохождения серии тестов. Тесты были безрезультатными, но дочь Дикинсона считает, что проблема заключалась в депрессии, семейной проблеме, которая привела к смерти его брата.^[102] и, возможно, усугублялся его все еще нерешенной борьбой с Лесной пейзаж, на которую он тогда потратил пять с половиной лет.

Шайло

Летом 1932 года Дикинсон сделал перерыв в живописи «Лесной пейзаж» и начал рисовать на тему гражданской войны. Шайло, 1932–33; пересмотренный 1940, 1963, название уже определено (но не размеры, которые позже были уменьшены с 50 × 40 дюймов до 36 × 32 дюймов). Изначально на картине были две фигуры (художник с отросшей по этому случаю бородой) и Брюс Маккейн, который был показан под одеялом, за исключением головы и туфель, но голова (и туфля, если память Маккейна) исчезла. , видимо, при уменьшении размера картины (хотя оригинальным краем остается только верх).^[103] Как в Ископаемые Охотникиодеяло было введено, по крайней мере, частично для формальной игры его складок и не имеет ничего общего с предметом, особенно кровавым сражением. Картина - первое свидетельство интереса Дикинсона к гражданской войне, предмету, которым интересовался его брат Ховард, как и впоследствии Эдвин. Дикинсон позировал своей голове, лежащей на спине и смотрящей в зеркало над головой. Но тело было раскрашено по образцу мирянина в униформе.

Адлер заметил, что «изображать себя мертвым означает отождествлять себя с мертвым»,^[104] и сравнил голову Дикинсона в Шайло с графом Оргазом на картине Эль Греко. Визуальное сходство невелико, но в 1949 году Дикинсон сказал Элейн де Кунинг: «Когда я увидел захоронение графа Оргаза, я понял, в чем заключаются мои чаяния».^[105] Следовательно, вполне вероятно, что он, возможно, думал об этой картине, планируя картину, имеющую отношение непосредственно к смерти. Уорд предполагает, что Дикинсон, скорее всего, отождествлял себя со смертью своего брата, тело которого он обнаружил, глядя в окно своей квартиры, или со смертью Герберта Гросбека, с которым он пытался вступить в Первую мировую войну. Он отмечает, что на картине указано, что нет. интерес к специфике исторической битвы. Хотя, возможно, Дикинсон был вдохновлен фотографиями мертвых солдат Гражданской войны, которые, возможно, ему показал его брат, превратил свою тему в очень личное заявление о смерти.

Композиция с натюрморт

В ноябре 1933 года Дикинсон решил отложить Лесной пейзаж, которую он не смог привести к удовлетворительному разрешению, и начал новую картину - самую большую, - которой в конце концов дал нейтральное название Композиция с натюрморт, 1933–1937. В 1934 году работа стабильно продвигалась, за исключением периода, над которым работал Дикинсон. Мель бригс последующей госпитализацией и на два месяца в начале 1935 г., когда он закончил работу над Лесной пейзаж по просьбе Эстер. Дикинсон отложил картину в июне 1935 года, после того, как получил известие о том, что его старший брат Ховард был убит в Детройте.^[106] Он мало работал над картиной до мая 1936 года и закончил ее 1 ноября 1937 года.

Адлер нашел Композиция с натюрморт особенно трудно интерпретировать, но думал, что это наводит на мысль о «картине конца пути или последней гавани».^[92] Дрисколл распознает водную символику, наводящую на мысль о бедствии и смерти на море в изображениях, и связывает его с кораблекрушениями, произошедшими в Провинстауне, некоторые из которых он был свидетелем.^[107] Уорд предполагает, что Композиция с натюрморт это работа Дикинсона, наиболее явно представленная как мечта посредством комбинации твердых, детализированных форм с переходами, которые плавятся в газообразные вещества или растворяются друг в друге.^[108]

Портреты

Дикинсон писал портреты на протяжении всей своей карьеры, от автопортрета 1914 года до портрета Сюзанны Мосс, который он начал в 1963 году (примечательно, что единственная тщательно очерченная особенность обеих картин - правый глаз,^[109] вспоминая совет Хоторна «остановиться, пока еще правильно, ... как бы мало ... ни было сделано»).^[110] Портреты, написанные им по заказу, обычно не получали одобрения; даже очаровательный портрет детей Эстер Сойер был принят только после того, как он перекрасил «Сестру».^[111] В результате он не пытался совершать многие из них. В 1930 и 1931 годах Эстер поручила Дикинсону нарисовать портреты примерно дюжины людей, все из которых, похоже, были приняты, но ни один из них не был воспроизведен или выставлен, в отличие от того, что он сделал в это время ее дочери как подарок-сюрприз для нее.^[112] Некоторые из портретов, например Барбара Браун, 1926,^[113] и один из его женихов, Портрет Фрэнсиса Фоли,^[114] 1927 г. - много сеансов. Другие, такие как Evangeline, 1942, или Кэрол Клворт, 1959, были выполнены в меньшем количестве сеансов и были остановлены с частями, не полностью очерченными, но в тот момент, когда он считал, что они не улучшатся при дальнейшей работе. Третьи, такие как Марта, 1942, и Ширли, 1945, рассматривались как премьерные перевороты, сделано за один присест.

Дикинсон сказал Кэрол Грубер в 1957-58 годах, что за время своей карьеры он сделал около 28 автопортретов, большинство из которых были потеряны или уничтожены.^[115] Всего одиннадцать автопортретов (в том числе Шайло) известны в настоящее время; Автопортрет [Обнаженный торс], 1941 год, Автопортрет, 1923 (бумага, уголь), Автопортрет в шляпе Гомбурга, 1947 г., известны по фотографиям; автопортрет (La Grippe), написанная в 1916 году во время болезни, сгорела в пожаре; автопортрет 20 × 16 дюймов известен только из дневниковой записи от 19 сентября 1943 г .; другой отмечен в его дневнике как соскребанный, чтобы повторно использовать холст для картины пляжного домика, которую он нарисовал через два дня в пользу архитектурной фантазии, которая в конечном итоге стала Руины в Дафне.^[116] Не существует никаких записей о других, о которых он упомянул, некоторые из которых, возможно, были утеряны, или начинания, которые он соскребли, или он, возможно, преувеличил число. Но даже шестнадцать автопортретов, которые можно обосновать как попытки создания, составляют совокупность работ, сопоставимых с работами художников, известных своими автопортретами, таких как Дюрер, Рембрандт и Ван Гог. Из задокументированных автопортретов девять были написаны в период 1940-43 годов.

Дикинсон думал, что Автопортрет (1941), с французской виллой на заднем плане, черной дымовой трубой, обрамляющей его правое плечо, и темным облаком, охватывающим, но не затемняющим его голову, был его лучшим.^[117] Крик, который он испускает, напоминает крик фигуры в зеленой маске в Интерьер и, кажется, отражает его эмоциональное состояние - менее здоровое и оптимистичное, чем обычно, - как он позже признал.^[118] Финансовая борьба за выживание в сочетании с его беспомощным чувством, что нация втягивается в войну, против которой он решительно выступал, способствовали его эмоциональному состоянию.^[117] Интерес Дикинсона к Гражданской войне определенно наводил на мысль, что униформа в Автопортрет в форме, 1942. Но вступление Соединенных Штатов во Вторую мировую войну менее чем за месяц до начала картины, вероятно, было ее толчком. Уорд видит во взгляде, обращенном к наблюдателю, упрек за то, что он позволил стране скатиться в новую войну, а униформа - как напоминание об ужасных потерях, которые гражданская война нанесла стране. В то же время включение американского флага является заявлением о том, что он является лояльным американцем, а форма - напоминанием о его собственной службе. Его дочь рассказывает, что из-за того, что он был бородат и его видели рисующим и рисующим на пляже, в 1941 году распространились слухи о том, что он был немецким шпионом, составлявшим карту местности, - идея, которая еще не была подавлена ​​в 1943 году, несмотря на обращение в Американский легион. вмешаться от его имени.^[119] Отсутствие оружия примечательно, особенно в свете того факта, что за четыре дня до начала картины он перечислил в своем журнале свою коллекцию из шести армейских винтовок примерно времен Первой мировой войны.^[120] Уорд предполагает, что, поскольку он служил телеграфистом на флоте, горн действует как эквивалентное средство передачи сообщения, в частности, сообщения о его беде как лояльного американца из-за того, что мы втянуты в новую мировую войну.^[121]

В период, когда Дикинсон написал наибольшее количество автопортретов, он также написал Натюрморт с микроскопом, 1941. Малоизвестные или воспроизводимые,^[122] в нем есть жуткое присутствие призрачного автопортрета. Как отмечает Уорд, микроскоп плавает в темном конверте, который по форме и положению приближается к голове Дикинсона, как на портретах, таких как Автопортрет в форме и Автопортрет в серой рубашке, 1943, в то время как более темные области, которые выделяют нижнюю часть изображения, находятся под этой формой, как поддерживающий торс, повернутый вправо.^[123] Микроскоп, купленный в то же время, когда он читал Охотники на микробов,^[124] служит символическими глазами фигуры, а ее ориентация усиливает воспринимаемое вращение головы и плеч фигуры. Темнота, в которой парит микроскоп, также связана с темным прудом, в котором голова Дикинсона находится в Автопортрет с французской виллой, тоже 1941 года, и тьмой его Автопортрет голова 1914 года.

Дикинсона Автопортрет 1949 г. отличается от других тем, что является портретом в профиль, выполненным с помощью двух зеркал. Он был написан для передачи в Национальную академию дизайна в качестве условия его приема в ассоциированные члены, и его характер отражает эту цель.^[125] Уорд предлагает, чтобы Дикинсон представил себя академиком, вид в профиль демонстрирует вневременную сущность человека, с перспективной диаграммой позади него, демонстрирующей владение правилами построения живописного пространства, и его рука, поднятая при создании картины, на которой он появляется (уникально среди его автопортретов).^[126] Но небольшие пятна краски дестабилизируют изображаемые поверхности, как будто предполагая, что воспринимаемый мир находится в непрерывном движении, поскольку разум структурирует меняющиеся восприятия. Автопортрет"1950" - это остаток поясного обнаженного автопортрета, на котором когда-то была ваза, которую он вырезал и подарил Национальной академии дизайна, когда ему предоставили полное членство.^[127] Фронтальная голова, ярко освещенная, частично скрытая черепицей, с открытым ртом, словно говорящим, с расчесанной ветром бородой, нахмуренными бровями и с телом, казалось бы, ограниченным, кажется, подавленная обстоятельствами, не зависящими от него. Никакие события в его жизни не могут быть связаны с выразительным эффектом этой картины, но запись в его дневнике связывает опасное для жизни падение его престарелого отца с опасениями по поводу его собственного меняющегося состояния.^[128] Эти опасения были реализованы в 1953 году, когда Дикинсон провел большую часть лета в больнице, где его прооперировали по поводу абсцесса, за которым последовал приступ с волнообразной лихорадкой. Его жене сделали операцию в январе 1954 года, и через три недели, за три дня до годовщины смерти брата, он начал свою последнюю операцию. Автопортрет.^[129] Как и на портрете 1950 года, его руки кажутся скованными, но вместо сверкающего глаза и зубов в более ранней работе эти отверстия показаны как темные дыры, а на его голову, кажется, давит тяжелый выступ. Образ героической фигуры, терпящей тоску и поражение.

Руины в Дафне

Главная картина Дикинсона 1940-х годов, работа, над которой он работал с 1943 по 1953 год, была Руины в Дафне, вдохновленный римскими руинами, которые произвели на него впечатление во время его визита в Европу. Дикинсон хотел посвятить картину своему брату Берджессу - намерение, которое он вынашивал задолго до начала работы над картиной.^[37] На холсте, покрытом красно-коричневым грунтом, он начал подробный карандашный рисунок в перспективе, который затем смоделировал с помощью трех оттенков красно-коричневой краски. Он был взволнован проблемой, связанной с необходимостью изобретать здания, которые давали ему композиционную свободу, позволяющую ему предаваться сложной игре форм, очень похожей на то, что разрешено чисто абстрактному художнику.

В 1949 г. Элейн де Кунинг написал статью о картине для ARTnews, иллюстрированный фотографиями, демонстрирующими его развитие через различные изменения и трансформации. Эта статья сыграла важную роль в получении более широкого признания Дикинсон. Лишь в начале 1952 года Дикинсон, наконец, начал перекрашивать предварительные красные и розовые тона, в которые он разработал дизайн картины. Работая от центра к краям, он нарисовал только около 30 процентов холста в новом, не совсем сером цвете, когда в 1954 году, когда картину переносили на выставку, ее подхватил порыв ветра, опрокинувший картину. мужчины, которые ее несли и рвали дыру в правом нижнем углу.^[37] Реставратор отремонтировал дыру, но всю картину покрыл толстым слоем лака, что мешало дальнейшей работе.

Саут Веллфлит Инн

Дикинсон работал над одной последней крупной картиной, Саут Веллфлит Инн, 1955–1960. Позднее Дикинсон назвал 1950 год датой начала картины.^[130] но 2 августа 1955 года он написал в своем дневнике: «Началось 44⅝ × 33¼ гостиницы South Wellfleet Inn», указав, как обычно, сначала измерение ширины. На основе чертежа здания, который он сделал в 1939 году до того, как оно сгорело, и премьерный переворот что он нарисовал в 1951 году сцену, которая включала часть картины сцены, со вторым полотном с изображением сцены, видимым на первом изображенном полотне.^[131] Саут Веллфлит Инн развивает эту идею дальше: он изображает трактир, частично скрытый холстом, на котором нарисована серия уменьшающихся холстов и трактиров, рушащихся на себя в бесконечном регрессе, скользящих назад слева и скручивающихся вниз с ускоренной скоростью справа. Примечательно, что включение картины в изображенную сцену запускает цепную реакцию, в которой очевидно объективная графическая запись имеет эффект воссоздания разрушения гостиницы в результате пожара шестнадцатью годами ранее. Было высказано предположение, что изображение на картине также символически воспроизводит смерть его матери и брата, которого он боготворил, который выпрыгнул из окна квартиры Дикинсона на шестом этаже.^[132] Эта идея также подтверждается фотографией «лечебного коттеджа», такого как тот, в котором умерла его мать в санатории для больных туберкулезом на озере Саранак за мрачно-неприступными окнами верхнего этажа, память о котором, возможно, пробудили в гостинице верхние окна.^[133]

Меньшие работы

Примеры очень маленьких премьерный переворот картины существуют со времен студенчества Дикинсона, как в классе натюрморта Чейза, например, Книга, 1911, и из его исследования с Хоторном, таких как Пристань О'Нила, 1913. Но средний размер его картин увеличился в 1920-х и 30-х годах - даже в премьерный переворотs, которые представляют собой гораздо меньшую часть его произведений в 1920-х и начале 1930-х годов - где-то от 20 × 25 дюймов до 30 × 35 дюймов (за исключением его больших студийных картин). Пейзажи такого размера, часто премьерный переворотs, увеличившееся в 1930-х годах, при этом наибольшее количество произведений произошло во Франции в 1937–38 годах, когда он не работал над большой картиной.

Стиль его работ варьируется в зависимости от размера и даты, от самых маленьких до самых ранних. премьерный переворот больше, чтобы тренировать свой глаз и научиться рисовать без предвзятого мнения, как советовал Хоторн, или получить информацию для использования в более крупной работе; над более крупными он работал дольше и доводил до более высокого уровня разрешения. Но это обобщение нарушается, например, в тщательно составленном Скоба переборки, 1913, 12 × 16 дюймов, который, несмотря на раннюю датировку и небольшой размер (чаще всего связанный, как в этой работе, с тяжелым импасто, нанесенным мастихином), кажется полностью разрешенным. Исключением на другом конце диапазона размеров является К миссис Дрисколл, 1928 г., 50 × 40 дюймов, что является премьерный переворот. Импастированные картины 1913–1914 годов, такие как Дом, проспект Моцарта, 1913, и Автопортрет, 1914, с редкими нотами полностью насыщенных оттенков, обязаны учению Хоторна, но бесстрастие, яркие нотки цвета и ощущение срочности исполнения все еще проявляются в таких картинах, как Вид с 46 Pearl Street, 1923, и задняя часть Студия Гарри Кэмпбелла, 1924. Дикинсон продолжал использовать мастихин даже в больших картинах, но постепенно стал больше использовать кисти и более тонкие краски. В 1938 году он написал из Франции, что многие из написанных им тогда картин были написаны «только рукой».^[134] Эта практика продолжилась и в его более поздних картинах. Денвер Линдли, ученик Дикинсона в середине 1950-х годов, сказал: «Его любимым инструментом был мизинец правой руки. Его халат был залит краской с правой стороны, потому что он вытер им палец».^[135]

В конце 1920-х Дикинсон написал несколько более законченных, несколько более крупных пейзажей, таких как Cliffs Longnook, 1927, и Parker's Cliffs, 1929, первый подарок своей сестре Антуанетте (Тиби), а второй - его отцу и его второй жене Луизе (Люти). Но ближе к середине 1930-х годов во всех его работах, в том числе и в рисунках, можно наблюдать размытие краев, смягчение форм и часто большую яркость. Это изменение происходит в работах, которые выполняются быстро и срочно, число которых увеличивается, включая пейзажи и морские объекты, такие как Скалы и вода, La Cride, 1938, и некоторые его портреты, такие как Evangeline, 1942. Но это также можно увидеть на таких рисунках, как Саут Веллфлит Инн, и Розыкак в 1939 году, так и в его более крупных студийных картинах, где размытые области сочетаются с более четкими деталями, как в картине 40 × 50 дюймов. Мель бриг, 1934, и большой Композиция с натюрморт, 1933–37.

Со временем небольшие картины и рисунки Дикинсона стали сближаться по стилю. Премьер-переворот Картины развиваются от ранних работ с формами, построенными толстым импасто, к более поздним, с обычно более тонким использованием краски и более туманными формами, но он продолжил практику построения форм в пятнах краски, а не первых контуров. Напротив, ранние рисунки Дикинсона полагаются на четкие контуры и тонкие нюансы штриховки, чтобы определить четко сформулированные формы, стиль, который приобретает большую экономичность и силу от его исследования в Париже, как видно на Обнаженная (Стоящая обнаженная, бедра и ноги), 1920, и в Эстер Хилл Сойер, 1931, а затем смягчается на рисунках 1930-х годов (Обнаженная # 3, 1936).Чертежи и премьерный переворот Картины этого периода, очевидно настолько отличные от его больших, отнимающих много времени студийных картин, часто разделяют с ними то качество фрейдистской сверхъестественности, которое Айверсон обнаружил в работах Эдварда Хоппера,^[136] качество, которому способствует туманная светимость. Примерами являются премьерные перевороты Вилла в лесу, 1938, Белая лодка, 1941, и рисунок Nude No. 5, Плечо, 1936, а с 1950, Скала, Мыс Поге.

Картины Дикинсона 1940-х годов в среднем значительно меньше, чем в любой период со времен его студенчества, и даже в 1950-х годах большинство из них не превышают 23 × 20 дюймов. Частично это было сделано для того, чтобы их можно было продавать дешевле (и, следовательно, чаще) и их было легче носить с собой в поле, отчасти потому, что он уделял много времени рисованию. Руины в Дафне и преподавания, а в 1950-х годах из-за проблем со здоровьем. В некоторых из его более поздних работ, в частности Руины в Дафне, Саут Веллфлит Инн, 12 × 14½ дюйма Карусельный мост, Париж, 1952, и его Автопортрет В 1949 году Дикинсон проявил больший интерес к перспективной конструкции и тщательному исполнению. Но он все еще писал картины премьерный переворот, включая Через два окна коттеджа, 1948 год, и его живопись, пожалуй, труднее всего воспринимать как нечто, кроме абстрактных форм, Карьер, Ривердейл, 1953.

Примечания

Рекомендации

• Абелл, Мэри Эллен и Хелен Дикинсон Болдуин. Эдвин Дикинсон: Годы Провинстауна, 1912–1937. Каталог выставки, Художественное объединение и музей Провинстауна, 2007.
• Адлер, Элиот. «Наблюдения за Эдвином Дикинсоном». Отредактировано с примечаниями Мэтью Байгелла. Журнал искусств, 56, № 8 (апрель 1982 г.): 124-126.
• Болдуин, Хелен Дикинсон. «Хронология» в Douglas Dreischpoon et al. Эдвин Дикинсон: мечты и реальность. Каталог выставки, Нью-Йорк: Hudson Hills Press совместно с Художественной галереей Олбрайт-Нокс, Буффало, Нью-Йорк, 2002. ISBN 978-1-55595-214-3
• Кармин младший, Э.А., Элиза Э. Рэтбоун, Томас Б. Гесс. Американское искусство середины века: сюжеты художника. Каталог выставки, Национальная художественная галерея, Вашингтон, округ Колумбия, 1978.
• де Кунинг, Элейн. «Эдвин Дикинсон рисует картину», ARTnews 48 нет. 5 (сентябрь 1949 г.): стр. 26–28, 50–51.
• ---------. «Пятнадцать человек современного музея: Дикинсон и Кислер», ARTnews 81, нет. 8

(Октябрь 1982 г.): стр. 20–23; 66-67.

• Дикинсон, Эдвин. Интервью Дороти Секлер, 22 августа 962. Архив американского искусства, Вашингтон, округ Колумбия. Расшифровка аудиозаписи.
• ---------. Журналы за 1916–1971 гг. Не опубликовано. Сиракузский университет, Исследовательская библиотека специальных коллекций Джорджа Арентса. Микрофильм 1916–1962 годов имеется в Архиве американского искусства: катушки D93-96.
• ---------. Письма Эстер Хойт Сойер. Письма Эстер Хойт Сойер, 1916–1945. Архивы американского искусства. Катушка микрофильмов 901.
• Дрейшпун, Дуглас и др. Эдвин Дикинсон: мечты и реальность. Нью-Йорк: Hudson Hills Press, 2002. ISBN 978-1-55595-214-3
• Дрисколл, Джон. "Эдвин Дикинсон: Саут Веллфлит Инн, "в Чарльз Брок, Нэнси Андерсон, с Гарри Купером, Американский модернизм: коллекция Шайна, Каталог выставки. Национальная художественная галерея, 2010, с. 46–51. ISBN 978-0-89468-365-7
• ---------. «Эдвин Уолтер Дикинсон: Иконологическая интерпретация основных символических картин», доктор философии. дисс., Университет штата Пенсильвания, 1985.
• Геске, Норман А. Венеция 34. Фигуративная традиция в современном американском искусстве. 34-я Международная биеннале искусства, Венеция, Италия, 1968. Вашингтон, округ Колумбия: Smithsonian Institution Press, 1968, стр. 43–70.
• Гудрич, Ллойд. Эдвин Дикинсон, Нью-Йорк: Музей американского искусства Уитни, 1966. Каталог выставки.
• --------- Рисунки Эдвина Дикинсона, Нью-Хейвен и Лондон, издательство Йельского университета, 1963.
• Грубер, Кэрол С. «Воспоминания Эдвина Дикинсона», интервью, проведенное с ноября 1957 года по январь 1958 года. Собрание Управления исследований устной истории Колумбийского университета. Доступен на микрофильмах.
• Хоторн, Чарльз В. Хоторн о живописи. отредактированный миссис Чарльз В. Хоторн из студенческих заметок. Перепечатка. Нью-Йорк: Dover Publications, 1960.
• Кахан, Митчелл Д. «Субъективные течения в американской живописи 1930-х годов». Кандидат наук. дисс., Городской университет Нью-Йорка, 1983. Неопубликовано.
• Кух, Кэтрин. Голос художника. Нью-Йорк: Харпер и Роу, 1960.
• Куспит, Дональд. «Американский романтик». Искусство в Америке 71, нет. 2 (февраль 1983 г.): стр. 108–11.
• О'Коннор, Фрэнсис В. «Аллегории пафоса и перспективы в символических картинах и автопортретах Эдвина Дикинсона», в Dreishpoon, и другие. 2002, стр. 51–75.
• Шварц, Сэнфорд. "Нью-Йоркское письмо". Art International, 6, вып. 9 (ноябрь 1972 г., стр. 43–46).
• Шеннон, Джо. Эдвин Дикинсон: Избранные пейзажи. Каталог выставки, Музей Хиршхорна и Сад скульптур, Смитсоновский институт, Вашингтон, округ Колумбия, 1980.
• Соби, Джеймс Тралл. «Романтическая живопись в Америке», у Джеймса Тралла Соби и Дороти Миллер, Романтическая живопись в Америке. Каталог выставки, Нью-Йорк: Музей современного искусства, 1943.
• Тиллим, Сидней. Месяц в обзоре ". Искусство 35, нет. 6 (март 1961 г.): стр. 46–48.
• Уолдман, Дайан, «Дикинсон: реальность отражения». ARTnews 64, № 7 (ноябрь 1965 г.): стр. 28–31; 70.
• Уорд, Джон Л. Эдвин Дикинсон: критическая история его картин. Ньюарк: Университет штата Делавэр, 2003. ISBN 0-87413-783-7

внешняя ссылка

• Коллекция работ в музее Хиршхорна^{[постоянная мертвая ссылка]}
• Результаты аукционов и картины