WikiDer > Викторианская живопись

Victorian painting
Частный вид на Королевскую академию (1883) по Уильям Пауэлл Фрит[A]

Викторианская живопись относится к отличительным стилям живописи в объединенное Королевство во время правления Королева Виктория (1837–1901). Раннее правление Виктории характеризовалось быстрым промышленным развитием и социальными и политическими изменениями, которые сделали Соединенное Королевство одной из самых могущественных и передовых стран в мире. В живописи в первые годы ее правления преобладали Королевская Академия Художеств и по теории его первого президента, Джошуа Рейнольдс. Рейнольдс и академия находились под сильным влиянием Итальянский ренессанс художник Рафаэль, и считали, что роль художника состоит в том, чтобы сделать предмет своей работы как можно более благородным и идеализированным. Этот подход оказался успешным для художников в доиндустриальный период, когда главными предметами художественных заказов были портреты благородство и военно-исторические сцены. К моменту вступления Виктории на престол такой подход стал считаться устаревшим. Подъем богатых средний класс изменил рынок искусства, и поколение, выросшее в индустриальную эпоху, верило в важность точности и внимания к деталям, а также в то, что роль искусства заключается в отражении мира, а не в его идеализации.

В конце 1840-х - начале 1850-х годов группа молодых студентов-художников сформировала Братство прерафаэлитов как реакция на преподавание Королевской академии. Их работы были основаны на максимально точной живописи с натуры, когда это было возможно, и при рисовании воображаемых сцен, чтобы они отображали сцену как можно ближе, как это могло бы появиться, а не искажать предмет картины, чтобы он выглядел благородным. Они также считали, что роль художника - преподавать моральные уроки, и выбирали предметы, которые зрители того времени могли бы понять как рассказы о морали. Они были особенно очарованы недавними научными достижениями, которые, казалось, опровергли библейская хронология, поскольку они связаны с вниманием ученых к деталям и готовностью бросить вызов своим существующим убеждениям. Хотя Братство прерафаэлитов просуществовало относительно недолго, их идеи оказали большое влияние.

В Франко-прусская война 1870 г. привел к появлению ряда влиятельных французских Импрессионист художники переезжают в Лондон, принося с собой новые стили живописи. В то же время тяжелая экономическая депрессия и растущее распространение механизации сделали британские города все более неприятным местом для жизни, и художники отказались от акцента на отражение реальности. Новое поколение художников и писателей, известных как эстетическое движение чувствовал, что преобладание покупок произведений искусства малообразованным средним классом и упор прерафаэлитов на отражение реальности уродливого мира ведут к снижению качества живописи. Эстетическое движение сконцентрировалось на создании произведений, изображающих красоту и благородные поступки, как отвлечение от неприятностей действительности. Поскольку качество жизни в Британии продолжало ухудшаться, многие художники обращались к рисованию сцен из доиндустриального прошлого, в то время как многие художники эстетического движения, независимо от своих религиозных убеждений, рисовали религиозное искусство, поскольку это давало им повод рисовать идеализированные сцены и портреты и игнорирование уродства и неопределенности действительности.

Викторианская эпоха закончилась в 1901 году, когда многие из самых выдающихся викторианских художников уже умерли. В начале 20 века викторианские взгляды и искусство стали чрезвычайно непопулярными. В модернист движение, которое стало доминировать в британском искусстве, было заимствовано из европейских традиций и имело мало общего с британскими произведениями 19 века. Поскольку викторианские художники, как правило, были крайне враждебно настроены по отношению к этим европейским традициям, в первой половине 20-го века их высмеивали или игнорировали модернистские художники и критики. В 1960-х годах некоторые работы прерафаэлитов снова вошли в моду среди элементов Контркультура 1960-х, которые считали их предшественниками тенденций 1960-х годов. Серия выставок 1960-х и 1970-х годов еще больше восстановила их репутацию, а крупная выставка работ прерафаэлитов в 1984 году стала одной из самых коммерчески успешных выставок в мире. Галерея Тейтистория. В то время как искусство прерафаэлитов снова стало популярным, живопись в викторианском стиле, не относящаяся к прерафаэлитам, в целом остается немодной, а отсутствие каких-либо значительных коллекций в Соединенных Штатах ограничивает более широкие знания о ней.

Задний план

Первое мая 1851 года. от Франц Ксавер Винтерхальтер был призван символизировать возраст. Винтерхальтер рисовал в манере, предложенной Джошуа Рейнольдс и на основе стиля Рафаэль, в котором художник сознательно идеализирует сюжет произведения.[2] На картине изображено 82-летие со дня рождения Артур Уэлсли, первый герцог Веллингтон (родился 1 мая 1769 г.), военные победы которого, как считалось, обеспечили стабильность и процветание Соединенного Королевства, и который в качестве премьер-министра присутствовал на открытие Ливерпульско-Манчестерской железной дороги, в это время считается одним из ключевых поворотных моментов промышленной революции. Веллингтон дарит своему крестнику шкатулку Принц Артур, седьмой ребенок Виктории и Альберта (родился 1 мая 1850 г.), в свой первый день рождения и получает букет цветов от Артура в ответ.[B] Альберта отвлекает от этой сцены восход солнца над Хрустальный дворец и Большая выставка, организованный Альбертом, который открылся 1 мая 1851 года и символизировал силу британских технологий и инноваций, а также веру в то, что технологии приведут к великому будущему.[4]

Когда 18-летний Александрина Виктория унаследовал трон Соединенное Королевство Великобритании и Ирландии в качестве королевы Виктории в 1837 году в стране царил непрерывный мир с момента окончательной победы над Наполеон в 1815 г.[4] В 1832 г. Представление Закона о народе (широко известный как Закон о реформе) и его эквиваленты в Шотландии и Ирландии отменили многие коррупционные практики британской политической системы, предоставив стране стабильное и относительно представительное правительство.[5] В Индустриальная революция шло, и в 1838 г. Лондон и Бирмингем железная дорога открылись, соединив промышленный север Англии с городами и портами юга;[6] к 1850 году было проложено более 6 200 миль (10 000 км) железных дорог, и преобразование Британии в индустриальную сверхдержаву было завершено.[7] Предполагаемый триумф технологий, прогресса и мирной торговли отмечался в 1851 году. Большая выставка, организованный мужем Виктории Альберт, который привлекал более 40 000 посетителей в день, чтобы посмотреть более 100 000 экспонатов, посвященных производству, сельскому хозяйству и машиностроению.[8]

В то время как в экономике Великобритании традиционно доминировала землевладельческая аристократия из сельской местности, промышленная революция и политические реформы значительно снизили их влияние и создали быстро развивающийся средний класс торговцев, производителей и инженеров в Лондоне и промышленных городах севера.[9] Вновь богатые обычно стремились продемонстрировать свое богатство посредством демонстрации искусства,[10] и достаточно богат, чтобы платить высокие цены за произведения искусства, но в целом мало интересовался старые мастера, отдавая предпочтение современным работам местных художников.[9] В 1844 г. художественные союзы юридический, который заказывал работы известных художников, оплачивая их посредством лотереи, в которой готовые работы становились призом; это не только открыло вход в мир искусства для людей, которые, возможно, не могли позволить себе купить значительную картину, но и стимулировало рост рынка для отпечатки.[11]

Рейнольдс и Королевская академия

Британская живопись находилась под сильным влиянием Джошуа Рейнольдс (1723–1792), первый президент Королевская Академия Художеств, которые считали, что цель искусства состоит в том, чтобы «представить и представить свои предметы в поэтической манере, не ограничиваясь простым фактом», и что художники должны стремиться подражать Итальянский ренессанс художник Рафаэль чтобы их предметы казались настолько близкими к совершенству, насколько это возможно.[12]

Чарльз Диккенс от Даниэль Маклиз (1839 г.). Сосредоточение Диккенса на отражении реальности современной жизни оказало большое влияние на британских художников.

К моменту вступления Виктории на престол Королевская академия доминировала в британском искусстве, проводя ежегодные Летняя выставка Королевской академии важнейшее событие в мире искусства.[13] Королевская академия также контролировала престижные художественные школы Королевской академии, которые преподавали с очень узким акцентом на утвержденных методах.[13] Живопись в стиле Рафаэля оказалась коммерчески успешной для художников, обслуживающих дворянство, в первую очередь интересовавшихся семейным портретом, военными сценами и сценами из истории, религии и классической мифологии, но ко времени вступления Виктории на престол все начиналось.[9] В разрушение палат парламента в конце 1834 года и последующие конкурсы по отбору художников для украшения его замены резко подчеркнули нехватку компетентных британских художников, способных рисовать исторические и литературные темы.[14] которые в то время считались самой важной формой живописи.[10][C] С 1841 г. новый и очень влиятельный сатирический журнал Удар все чаще высмеивал Королевскую академию и современных британских художников.[15]

Джон Раскиносновополагающий Современные художники, первый том которого был опубликован в 1843 году, утверждал, что цель искусства - представлять мир и позволять зрителю формировать собственное мнение о предмете, а не идеализировать его.[2] Раскин считал, что только максимально точно изображая природу, художник может отразить божественные качества в природном мире.[15] Подрастающее поколение молодых художников, которые первыми выросли в индустриальную эпоху, когда точное представление технических деталей считалось достоинством и необходимостью, согласилось с этой точкой зрения.[2] В 1837 г. Чарльз Диккенс начал публиковать романы, пытаясь отразить реальность проблем современности, а не прошлое или идеализированное настоящее; его сочинения вызывали восхищение у многих подрастающих художников.[13]

В 1837 г. художник Ричард Дадд и группа друзей сформировалась Клика, группа художников, отвергающих академические традиции исторической тематики и портретной живописи в пользу популистских жанровая картина.[16] Хотя большинство клики вернулось в Королевскую академию в 1840-х годах,[16] После заключения Дадда в тюрьму после убийства его отца в 1843 году они были первой группой значительных художников, бросивших вызов позициям Королевской академии.[13]

Дж. М. В. Тернер

Основная статья: Дж. М. В. Тернер
Боевой Темер
Дождь, пар и скорость
Тернера Боевой Темер (1839) и Дождь, пар и скорость (1844 г.) описал ранние этапы промышленной революции.

На момент присоединения Виктории самым значительным из ныне живущих британских художников был Дж. М. В. Тернер. Тернер сделал себе имя в конце 18 века серией хорошо известных пейзажных акварелей и выставил свою первую картину маслом в 1796 году.[17] Будучи верным союзником Королевской академии на протяжении всей своей жизни, он был избран полным Королевский академик в 1802 году в возрасте 27 лет.[17] В 1837 году он ушел со своего поста профессора перспективы в Королевской академии, а в 1840 году впервые встретился с Джоном Раскином. Первый том Рескина Современные художники был защитой Тернера, утверждая, что величие Тернера развилось вопреки, а не благодаря влиянию Рейнольдса и последующему желанию идеализировать сюжеты его картин.[2]

К 1840-м годам Тернер вышел из моды. Несмотря на то, что Раскин защищает свою работу как «полную стенограмму всей системы природы»,[15] Тернер (который к 1845 году стал старейшим академиком и заместителем президента Королевской академии[18]) был замечен молодыми художниками, чтобы олицетворять напыщенность и своеволие и быть продуктом более раннего, Романтичный период, оторванный от современной эпохи.[2]

Братство прерафаэлитов

Основная статья: Братство прерафаэлитов
Милле Офелия (1851–2) иллюстрирует внимание PRB к деталям. Все цветы, упомянутые в соответствующая сцена от Гамлет точно проиллюстрированы.

В 1848 году трое молодых учеников художественных школ Королевской академии,[19] Уильям Холман Хант, Джон Эверетт Милле и Данте Габриэль Россетти, сформировал Братство прерафаэлитов (PRB). PRB отверг идеи Джошуа Рейнольдса и придерживался философии, основанной на работе с природой с максимально возможной точностью, и когда необходимо было рисовать из воображения, чтобы попытаться показать событие так, как оно, скорее всего, произошло бы, а не в таким образом, который выглядел бы наиболее привлекательным или благородным.[20]

PRB черпали вдохновение из научных выставок и считали, что этот научный подход сам по себе является инструментом морального блага.[20] Тщательно проработанные детали и внимание к точности показали, что в их картины вложены тяжелый труд и самоотверженность, и, таким образом, продемонстрировали достоинства работы в отличие от «вольного, безответственного обращения» с техниками старых мастеров или «вызывающей праздности». из Импрессионизм.[21] Кроме того, они считали долгом художника выбирать предметы, иллюстрирующие те или иные уроки морали.[21] Ранние работы PRB были отмечены включением цветов, которые хорошо соответствовали их назначению. Цветы можно было использовать практически в любой сцене, их можно было использовать для передачи сообщений в популярных тогда язык цветов, а точная их иллюстрация свидетельствует о приверженности художника научной точности.[21]

Пегуэлл-Бэй, Кент - воспоминания о 5 октября 1858 г. показывает Комета Донати как видно из Pegwell Bay, традиционно считается местом проникновения христианства в Англию и прибытие первых англосаксонских поселенцев в Британию. Его чрезвычайное внимание к деталям и использование символики, нарисованной с научной точностью, характерны для живописи прерафаэлитов.[22]

Викторианская эпоха характеризовалась быстрым научным прогрессом и быстрым изменением отношения к религии, поскольку успехи в геологии, астрономии и химии опровергли ее. библейская хронология. PRB сочла эти достижения увлекательными, поскольку они основывались на внимании к деталям и готовности бросить вызов существующим убеждениям на основе наблюдаемых фактов. Основатель PRB Уильям Холман Хант совершил революцию в английском религиозном искусстве, посетив Святая Земля и изучение археологических свидетельств, а также одежды и внешнего вида местных жителей, чтобы как можно точнее изобразить библейские сцены.[23]

К 1854 году PRB распалась как организация, но их стиль продолжал доминировать в британской живописи.[19] Выставка работ прерафаэлитов в 1855 Парижская всемирная выставка был хорошо принят.[24] 1857 г. Выставка художественных сокровищ в Манчестере, где наряду с 2000 работами европейских мастеров были представлены работы современных художников, посетило 1 300 000 посетителей, что еще больше повысило осведомленность о современных стилях живописи.[24] В 1856 г. коллекционер произведений искусства. Джон Шипшэнкс представил народу свою коллекцию современной живописи, которая вместе с экспонатами Большой выставки составила Южный Кенсингтонский музей в июне 1857 г. (позже разделен на Музей Виктории и Альберта изобразительного искусства и Музей науки техники и технологии производства).[24]

В то время живопись оставалась областью, в которой преобладали мужчины-художники. В 1859 году всем королевским академикам была разослана петиция 38 художников-женщин с просьбой открыть Академию для женщин.[25] Позже в том же году Лаура Херфорд представил в Академию квалификационный рисунок, подписанный просто «А. Л. Херфорд»; когда Академия приняла его, в 1860 году она стала первой студенткой.[26][D] В Школа изящных искусств Слейда, основанная в 1871 году, активно набирала студенток.[25]

Любовь, похоть и красота

Венера Вертикордия привел к краху отношений между Данте Габриэлем Россетти и Джоном Раскином.

В 1860-х годах движение прерафаэлитов раскололось, и некоторые из его приверженцев отказались от строгого реализма в пользу поэзии и привлекательности. В частности, в случае Россетти это, как правило, воплощалось в картинах женщин.[27] Как и в случае со многими другими художниками и писателями того времени, по мере того, как его религиозная вера угасала, Россетти все чаще рассматривал любовь как самый важный предмет.[28]

Этот шаг к изображению эффектов любви стал явным в Венера Вертикордия («Венера, вращающая сердца»), написанная Россетти в середине 1860-х годов.[28][E] Название и тема взяты из Джон Лемприерс Bibliotheca Classica, и относится к молитве к Венера чтобы отвратить сердца римских женщин от распутства и похоти и вернуться к скромности и добродетели.[30] Окружающая Венеру, розы представляют любовь, жимолость олицетворяет похоть, а птица олицетворяет краткость человеческой жизни. Она держит Золотое яблоко раздора и стрела Амура, считается ссылкой на Троянская война и разрушительная любовь.[31]

Джон Рескин очень не любил картину. Хотя сейчас считается, что его неприязнь к картине была вызвана неприязнью к изображению обнаженной женской формы,[32] он утверждал, что его проблемы с картиной были связаны с изображением цветов, и писал Россетти, чтобы сообщить ему, что «они были прекрасны для меня своим реализмом; ужасны - я не могу использовать другое слово - своей грубостью: демонстрируя огромную силу, показывая определенные условия отсутствия сантиментов, которые лежат в основе всего, что вы делаете сейчас ».[33] Враждебность Рескина к картине привела к ссоре между Рескином и Россетти, и Россетти отошел от прерафаэлитских взглядов в сторону новой доктрины искусство ради искусства изложено Алджернон Чарльз Суинберн.[34][35]

Живопись животных

Ландсир Монарх Глена (1851) олицетворяет анималистическую живопись 19 века.

Со времен Джордж Стаббс (1724–1806 гг.), Великобритания имела сильную традицию живопись животных, область, завоевавшая уважение благодаря Джеймс Уордрусские высококлассные рисунки животных начала 19 века.[36] Селективное разведение домашнего скота, особенно собак, стало очень популярным, что привело к появлению прибыльного рынка рисунков и картин животных, получивших призы.[36] В начале 19 века Шотландское нагорье пережили резкий рост популярности среди богатых британцев, особенно из-за возможностей, которые они предлагали для охота.[36] В частности, один художник, Эдвин Ландсир (1802–1873) воспользовался возможностью, предоставленной бумом шотландских путешествий, впервые посетив Шотландию в 1824 году и возвращаясь каждый год, чтобы охотиться, стрелять, ловить рыбу и рисовать.[37]

Фрэнсис Баррос Голос его хозяина (1898–1900) был отклонен Королевской академией, но был продан Граммофонная Компания. Остается логотипом преемника Граммофона. HMV Retail Ltd.[38]

Ландсир стал хорошо известен своими картинами, изображающими пейзажи, людей и особенно дикую природу Шотландии, настолько, что его картины, наряду с романами Сэр Вальтер Скотт, стал основным средством, с помощью которого люди в остальной части Соединенного Королевства пришли к фотографии Шотландии.[39][F] Его работы пользовались таким высоким спросом, что права на гравировку (право на изготовление печатных копий произведения) обычно продавались по крайней мере в три или четыре раза выше продажной стоимости каждой работы, и его работа редко продавалась. менее чем за 1000 фунтов стерлингов.[36] В 1840 году Ландсир перенес приступ психического заболевания и всю оставшуюся жизнь страдал от алкоголизма и психических заболеваний, хотя продолжал успешно работать.[41] В последующие годы он стал наиболее известен как создатель бронзовых львов у основания Колонна Нельсона, открыт в 1867 году.[41]

Ландсир и другие художники-анималисты, такие как Британский Ривьер также прославился сентиментальными изображениями собак. Ландсир Главный скорбящий старый пастырьс изображением овчарки, сидящей у гроба, особенно хорошо оценил Джон Раскин, который описал его как «трогательное стихотворение на холсте, которое, несомненно, заставило многих отважных людей« сыграть женщину », двигаясь это до слез ».[39] Многие художники того времени были заядлыми охотниками и считали само собой разумеющимся, что природа жестока по своей природе и что умение принимать эту жестокость было признаком мужества.[42] В этом контексте собаки, демонстрирующие эмоции, были очень популярной темой во время стремительного упадка религиозной веры, предполагая возможность существования в природе благородства, превосходящего жестокость и жестокость. будет жить как движущая сила.[43]

Эстетическое движение

Основная статья: Эстетическое движение
Аврора Триумфанс (1886) по Эвелин Де Морган представляет собой победу света над тьмой. Как и многие другие люди того времени, Де Морган потеряла христианскую веру, но сохранила глубокое чувство духовности.[44] Эта картина долгие годы ложно приписывалась Эдварду Бёрн-Джонсу, и на ней стоит его поддельная подпись.[45]

В 1870-х гг. Долгая депрессия разрушили экономику и уверенность Британии, и дух прогресса, символизируемый Великой выставкой, начал угасать до такой степени, что в 1904 году Г. К. Честертон описал Хрустальный дворец как «храм забытого вероисповедания».[46] Некоторые восходящие художники, такие как Джордж Фредерик Уоттс жаловался, что растущий механизм повседневной жизни и важность материального процветания для все более доминирующего среднего класса Великобритании делают современную жизнь все более бездушной.[47] В Франко-прусская война 1870 года вызвал большое количество французских художников, таких как Клод Моне и Камиль Писсарро переехать в Лондон, привнеся с собой новые стили живописи.[48] Искусствовед Уолтер Патерс Ренессанс, опубликованная в 1873 году, вызвала негативную реакцию против прерафаэлитизма, утверждая, что единственный достойный способ вести свою жизнь - это погоня за удовольствиями и любовь к искусству и красоте ради них самих.[49]

Ноктюрн в черном и золотом - Падающая ракета и другие эстетический картины были спорным отходом от прежних английских традиций.

На этом фоне появилось новое поколение художников, таких как Фредерик Лейтон и Джеймс Эбботт Макнил Уистлер отошедшие от традиций повествования и морализаторства, живописные работы были созданы для эстетической привлекательности, а не для их повествования или сюжета.[49] Уистлер осудил одержимость прерафаэлитов точностью и реализмом, жалуясь, что их аудитория выработала «привычку не смотреть. в картина, но через Это".[50] Прерафаэлиты и их оставшиеся сторонники энергично протестовали против этого нового стиля искусства.[50] как и Королевская академия, ведущая Сэр Куттс Линдси создать Галерея Гросвенор в 1877 году, чтобы показать работы художников, которых не заметила Королевская академия.[51]

Дела достигли апогея в 1877 году, когда Джон Раскин посетил выставку Уистлера Ноктюрн картины в галерее Гросвенор. Он написал о картине Ноктюрн в черном и золотом - Падающая ракета, что Уистлер "просил двести гинеи за то, что бросил горшок с краской в ​​лицо публике ». Уистлер подал в суд за клевету, дело дошло до судов в 1878 году.[52] Судья по делу вызвала смех в суде, когда, сославшись на Ноктюрн: Синий и золотой - Старый мост Баттерси, он спросил Уистлера: «Какая часть изображения представляет собой мост?»; дело закончилось тем, что Уистлер присудил символическую компенсацию в размере одного фартинг,[53] издержки судебного разбирательства, приведшие его к банкротству.[51]

В эстетическое движение, как стали известны Патер и его преемники, становились все более влиятельными; его отстаивали Уистлер и Оскар Уальд и до своей смерти в 1883 году бывшим прерафаэлитом Данте Габриэлем Россетти и был популяризирован среди публики благодаря успешным Гилберт и Салливан комическая опера Терпение.[51] Движение рассматривало рост среднего класса покупателей произведений искусства в Бирмингеме и Манчестере, достаточно богатых, чтобы покупать произведения искусства, но недостаточно образованных, чтобы демонстрировать хороший вкус, что привело к снижению качества британского искусства.[54] В сочетании с этим они чувствовали, что, поскольку индустриализация и капитализм делали мир все более непривлекательным, акцент художников-прерафаэлитов и тех, на кого они влияли, на как можно более точное отражение реальности, сам по себе приводил к потере красоты в искусстве.[47] Следовательно, художники эстетического направления видели задачу художника как отвлечение от уродства реальности для своих зрителей, читателей и слушателей.[47] и попыток выделить и подчеркнуть красоту мира и благородство добрых дел, даже если сам художник уже не верил в такие вещи.[55][Г] Избрание в 1878 году Фредерика Лейтона президентом Королевской академии в какой-то мере помогло залечить брешь в британском художественном мире, поскольку Лейтон стремился обеспечить, чтобы Летняя выставка была открыта для молодых художников и художников, работающих в новых стилях.[51]

Эдвард Бёрн-Джонс защищал пустые выражения скорбящих в Последний сон Артура в Авалоне (1881–98), говоря, что «немного больше выражения, и они не будут ни царицами, ни загадками, ни символами».[57]

Художники эстетического направления гордились своей отстраненностью от реальности, работали в мастерских и редко общались с публикой.[54] Точно так же персонажи их картин редко занимались какой-либо деятельностью; человеческие фигуры обычно стоят, сидят или лежат, как правило, с пустым выражением лица.[57]

Классическое возрождение

В течение столетия сочетание механизации, экономического спада, политического хаоса и религиозной веры делало Британию все более неприятным местом для жизни, и население все чаще обращалось к доиндустриальным временам как Золотой век. В рамках этой тенденции художников привлекали доиндустриальные предметы и техники, а покупателей произведений искусства особенно привлекали художники, которые могли установить связь между сегодняшним днем ​​и этими идеализированными временами, такими как Средний возраст, которые рассматривались как период, когда зарождались ключевые институты современной Британии и которые были популяризированы в общественном сознании благодаря романам сэра Вальтера Скотта.[55]

Розы Гелиогабала (1888) Лоуренса Альма-Тадема показывает Императора Гелиогабал (годы правления 218–222) душили гостей лепестками роз,[58] и был частью основной тенденции к рисовать исторические сцены.[55]

На этом фоне возникла большая мода на картины средневековой тематики, особенно Легенда о короле Артуре и религиозные темы. Многие из наиболее заметных художников того периода, особенно представители эстетического движения, предпочли работать над такими темами, несмотря на отсутствие у них религиозной веры, поскольку это давало законный повод рисовать идеализированные фигуры и сцены и избегать отражения реальности индустриальной Британии. .[59] (Эдвард Бёрн-Джонс, который, несмотря на отсутствие христианской веры, был самым значительным художником религиозных образов того периода, сказал Оскару Уайльду: «Чем более материалистической становится наука, тем больше ангелов я нарисую».[60])[ЧАС] Другие художники рисовали разные периоды идеализированного прошлого; Лоуренс Альма-Тадема нарисованные сцены из Древний Рим,[55] бывший прерафаэлит Джон Эверетт Милле начал рисовать в стиле художников периода, непосредственно предшествовавшего промышленной революции, таких как Джошуа Рейнольдс и Томас Гейнсборо,[55] и Фредерик Лейтон специализируется на идеализированных сценах из Древняя Греция.[63][Я]

Хотя в британской истории раньше была мода на исторические картины, мода конца 19 века была уникальной. В предыдущих пробуждениях, начиная с эпоха Возрождения до конца 18 века древний мир символизировал величие, динамизм и мужественность. Напротив, эстетическое движение и их последователи стремились подражать наиболее пассивным (и в основном женским) произведениям классического мира, таким как Венера Милосская.[65] Художники этого периода подчеркивали пассивность и внутреннюю драматичность, а не динамизм, наблюдаемый в предыдущих работах, изображающих классический мир.[65] Они также, опять же, в отличие от предыдущих классических возрождений, работали в основном в ярких тонах, а не пытались предложить яркий, но мрачный вид классической каменной кладки.[65][J]

Не все члены эстетического движения разделяли негативную реакцию на настоящее в пользу идеализированного прошлого. Уистлер, в частности, резко высказался по поводу этой точки зрения, назвав ее «поднятием бровей в пренебрежении настоящим - этим пафосом по отношению к прошлому».[55]

Французское влияние и рост художественных колоний

Безнадежный рассвет от Фрэнк Брэмли был нарисован в Ньюлин школа, художественная колония в Newlyn, Корнуолл.[66] Жена и мать рыбака вместе плачут над Библией, когда понимают, что он потерялся в море.[67]

Даже среди художников, которые не рисовали картины прошлого, часто сказывалась негативная реакция на современность. В частности, в пейзажной живописи художники обычно отказывались от попыток нарисовать реалистичные изображения видов и вместо этого сосредоточились на эффектах освещения и на захвате элементов доиндустриальной сельской местности, которые, по их мнению, могли быть разрушены.[68][K] Деревенские пейзажи и изображения сельских жителей (особенно фермеров, рыбаков и их семей) стали очень популярной темой как в Великобритании, так и во всей индустриальной Европе.[68] Колонии искусства начал открываться в местах, которые считались особенно живописными, позволяя художникам и студентам работать в сельской местности и встречаться с настоящими сельскими людьми, оставаясь при этом в компании единомышленников.[69] Самой влиятельной из этих колоний была Ньюлин школа на западе Корнуолл, на который сильно повлиял стиль Жюль Бастьен-Лепаж в котором остаются видимыми отдельные мазки, что свидетельствует о грубой простоте идеализированной деревенской жизни.[66] Методы, введенные школой Ньюлин и другими подобными французскими импрессионист стили, такие как Эдгар Дега в свою очередь были подхвачены художниками из других мест страны, такими как Уолтер Сикерт, в то время как Джон Уильям Уотерхаус совмещенные фоны, написанные в стиле Бастьена-Лепажа, с изображениями прерафаэлитов из исторических и классических легенд.[66]

Это распространение французских техник было воспринято предшествующим поколением художников с глубоким скептицизмом. Британские художники исторически гордились тем, что каждый из них обладает отличным и легко узнаваемым стилем, и считали художников, находящихся под французским и французским влиянием, чрезмерно похожими друг на друга по стилю, и, как сказал Джон Эверетт Милле, «довольны тем, что теряют свою идентичность в своем подражании. их французские мастера ».[66] Джордж Фредерик Уоттс считал подъем французского стиля отражением растущей культуры лени в Британии в целом, в то время как Уильяма Холмана Ханта беспокоило отсутствие значимости сюжетов картин.[70] Несмотря на реформы Лейтона в Королевской академии, Летняя выставка оставалась в основном закрытой для этих художников, что привело к основанию в 1886 г. Новый английский арт-клуб как выставочное пространство в Лондоне для художников, испытавших французское влияние.[71] В свою очередь, New English Art Club в 1889 году пережил раскол между художниками, которые рисовали сельскую жизнь и природу, и фракцией во главе с Уолтером Сикертом, которая чувствовала себя более подверженной импрессионизму и экспериментальным техникам.[72]

Наследие

Г. Ф. Уоттса Сеятель систем (1902) предвосхитил модернизм и абстракция которое вскоре смело бы викторианское искусство.[70]

Открытие Галерея Тейт в 1897 г. открыта выставка сахарного торговца Сэр Генри ТейтКоллекция викторианского искусства доказала последний триумф викторианской живописи.[73] Лейтон и Милле умерли годом ранее; Бёрн-Джонс умер в 1898 году, за ним последовали Раскин в 1900 году и сама Виктория в 1901 году.[73]

В 1910-х годах викторианские стили искусства и литературы резко вышли из моды в Великобритании, и к 1915 году слово "Викторианский"стало уничижительным термином.[74] Многие люди обвиняли в вспышке Первая мировая война, который опустошил Великобританию и Европу на наследии Викторианской эпохи, а искусство и литература, связанные с этим периодом, стали крайне непопулярными.[74] Литтон Стрейчис Выдающиеся викторианцы (1918) и Макс Бирбомс Россетти и его окружение (1922), чрезвычайно успешные и влиятельные, принесли пародию на Викторианскую эпоху и художников Виктории в литературный мейнстрим, в то время как все более влиятельные модернизм движение, которое стало доминировать в британском искусстве в 20 веке, черпало вдохновение из Поль Сезанн и мало интересовался британской живописью XIX века.[74][L]

На протяжении 20-го века работы французских импрессионистов и постимпрессионистов 19-го века становились все более ценными и важными. Поскольку прерафаэлиты и члены эстетического движения, которые доминировали между ними в викторианской живописи, объединились в конце 19 века в осуждении французского влияния и кажущейся лени и незначительности импрессионизма и постимпрессионизма, их высмеивали или отвергнутый многими модернистскими художниками и критиками в первой половине 20 века.[70][M]

В 1940-е годы Уильям Гонтс Трагедия прерафаэлитовв сочетании с общим желанием во время войны отмечать достижения британской культуры, привели к возрождению интереса к викторианскому искусству.[76] В 1948 году ряд крупных британских музеев провели мероприятия и выставки, посвященные столетию Братства прерафаэлитов.[76] но модные арт-критики, такие как Виндхэм Льюис высмеивал PRB как претенциозную неуместность.[10]

В 1963 г. Пылающий июнь был оценен всего в 50 фунтов стерлингов.

Крупная выставка 1951–52 в Королевская Академия Художеств, Первые сто лет Королевской академии 1769–1868 гг. познакомил широкую публику с рядом британских произведений XIX века,[76] но общее мнение о викторианском искусстве оставалось низким.[77]

В 1960-х годах некоторые аспекты викторианского искусства стали популярными в Контркультура 1960-х, поскольку прерафаэлитизм, в частности, стал рассматриваться как предшественник Поп-арт и другие современные тенденции.[76] Серия выставок отдельных художников-прерафаэлитов и художников, находившихся под влиянием PRB в 1960-х и 1970-х годах, еще больше укрепила их репутацию, а в 1984 году была проведена крупная выставка в тогдашнем здании. Галерея Тейт (ныне Тейт Британия), демонстрирующая все движение прерафаэлитов, была одной из самых коммерчески успешных выставок в истории галереи.[76]

Непрерафаэлитское викторианское искусство в основном оставалось немодным. В 1963 г. Пылающий июнь, один из самых значимых среди Сэр Фредерик Лейтонпроизведения классицизма поступили в продажу в Лондоне всего по цене 50 фунтов стерлингов (около 1100 фунтов стерлингов в сегодняшнем выражении),[76][78][N] и еще в 1967 году искусствовед Квентин Белл чувствовал себя способным написать, что викторианское искусство «эстетически и поэтому исторически незначительно».[79]Хотя викторианское искусство, не относящееся к прерафаэлитам, в последующие годы пережило небольшое возрождение, оно остается немодным, а отсутствие каких-либо значительных коллекций в Соединенных Штатах сдерживает глобальный интерес к этой теме.[80]

Сноски

  1. ^ Частный вид высмеивает эстетическое движение конца 19 века. Оскар Уальд рассказывает о своей теории красоты толпе поклонников, в то время как Джон Эверетт Милле и Энтони Троллоп игнорируй его.[1] Фрит специализировался на массовых сценах и литературных иллюстрациях и отвергал прерафаэлитизм и эстетическое движение, два основных художественных направления английской живописи во время правления Виктории, что сделало себя непопулярным среди многих своих современников. Его карьера охватила весь викторианский период, с его первой публичной выставкой в ​​1838 году и последней в 1902 году.[1]
  2. ^ В дневнике Виктории отмечается, что, хотя младенец Артур подарил Веллингтону букет цветов, как показано, подарок Веллингтона принцу на самом деле был золотой чашей, а не гробом.[3]
  3. ^ Для того, чтобы произведение рассматривалось для нового здания Парламента, требовалось, чтобы оно отображало либо историю Англии, либо сцену из произведений Джон Милтон, Уильям Шекспир, или Эдмунд Спенсер.[15]
  4. ^ Херфорд умер в 1870 году в возрасте 39 лет.[26]
  5. ^ Венера Вертикордия был сдан в эксплуатацию в 1863 или 1864 годах. В 1867 году Россетти перекрасил его, заменив первоначальное лицо портретом Алекса Уайлдинг.[29]
  6. ^ Ландсир был вундеркиндом и впервые выставился в Королевской академии в возрасте 13 лет. Он был избран полноправным королевским академиком в возрасте 29 лет.[40]
  7. ^ Г. К. Честертонв своей биографии Уоттса 1904 года попытался описать отношения художников, которые чувствовали себя окруженными уродством, в культуре, в которой религиозные и политические системы были брошены в беспорядок в результате научных и социальных событий. «Позиция того времени [...] была позицией всепоглощающего и сосредоточенного интереса к вещам, которые по их собственной системе были невозможными или непознаваемыми. Мужчины в основном были агностиками: они говорили: «Мы не знаем»; но ни один из них никогда не осмеливался сказать: «Нам все равно». В большинстве эпох восстаний и вопросов скептики кое-что извлекают из своего скептицизма: если человек был верующим в восемнадцатом веке, там были Небеса; если он был неверующим, то был Клуб Адского Огня. Но эти люди сдерживали себя больше, чем отшельники, ради надежды, которая была более чем наполовину безнадежной, и пожертвовали самой надеждой ради свободы, которой они не хотели бы наслаждаться; они были мятежниками без избавления и святыми без награды. Возможно, в них было и было что-то засушливое и излишне помпезное: более новая и веселая философия может пройти перед нами и многое изменить к лучшему; но нам нелегко увидеть более благородную расу людей. И его высшее и резкое отличие от большинства периодов скептицизма, от позднего Возрождения, от Реставрации и от гедонизма нашего времени состояло в том, что, когда кредо рухнуло, а боги, казалось, распались и исчезли, он не исчез. вернемся, как и мы, к вещам еще более прочным и определенным, к искусству и вину, к высоким финансам, эффективности производства и порокам. Он влюбился в абстракции и влюбился в великие и пустынные слова ».[56]
  8. ^ Бёрн-Джонс учился на священника, но вместо этого стал художником, когда потерял веру. Несмотря на недостаток веры, он всю жизнь писал христианские темы и пользовался большим спросом у Англиканская церковь как дизайнер витражей.[61] Он был полностью самоучкой, если не считать нескольких неформальных уроков от Данте Габриэль Россетти в 1856 г.[62]
  9. ^ Лейтон, как и многие другие художники, включая Уистлера и Бёрн-Джонса, находился под сильным влиянием коллекции классической скульптуры в британский музей, особенно Elgin Marbles. Записи показывают, что в течение 1870-х годов количество студентов, рисующих в Британском музее, выросло более чем в пять раз.[64]
  10. ^ Использование яркого цвета для изображения классических сцен было частично вдохновлено недавними археологическими открытиями, которые указывали на то, что классические статуи изначально были раскрашены. Джордж Фредерик Уоттс присутствовал при раскопках руин Мавзолей в Галикарнасе, и видел цвет на уцелевших фрагментах каменной кладки, когда они были раскопаны.[65]
  11. ^ К концу XIX века, когда индустриализация, механизация и глобализация продолжали распространяться, некоторые люди искренне верили в то, что вся густонаселенная Англия станет урбанизированной, а сельская местность разрушится.[68]
  12. ^ Влиятельный искусствовед Клайв Белл заявили, что роль художника должна заключаться в том, чтобы «не выражать чувства о морали и религии, но создавать формы, которые имеют собственное эмоциональное значение», отклоняя искусство прерафаэлитов как «проповедь на чаепитии».[75]
  13. ^ Не все модернисты осуждали викторианскую живопись. Молодой Пабло Пикассо был большим поклонником Бёрн-Джонса.[70]
  14. ^ Пылающий июнь был куплен дилером Джереми Маас, который изо всех сил пытался найти музей, готовый выставить его. В конце концов, Маас продал его пуэрториканскому промышленнику. Луис А. Ферре (позже губернатор Пуэрто-Рико), и теперь он является центральным элементом Museo de Arte de Ponce.[76]

использованная литература

Заметки

  1. ^ а б «Уильям Пауэлл Фрит». Оксфордский национальный биографический словарь (онлайн-изд.). Издательство Оксфордского университета. Дои:10.1093 / ссылка: odnb / 33278. (Подписка или Членство в публичной библиотеке Великобритании требуется.)
  2. ^ а б c d е Уорнер 1996, п. 21.
  3. ^ "Первое мая 1851 года Винтерхальтер, Франц Ксавер". Интернет-галерея искусства. Будапешт. Получено 17 февраля 2015.
  4. ^ а б Уорнер 1996, п. 17.
  5. ^ Гарфилд 2002, п. 221.
  6. ^ Гарфилд 2002, п. 217.
  7. ^ Гарфилд 2002, п. 209.
  8. ^ Уорнер 1996, п. 18.
  9. ^ а б c Уорнер 1996, п. 19.
  10. ^ а б c Законопроекты 2001 г., п. 12.
  11. ^ Уорнер 1996, п. 46.
  12. ^ Уорнер 1996, п. 20.
  13. ^ а б c d Уорнер 1996, п. 44.
  14. ^ Законопроекты 2001 г., п. 15.
  15. ^ а б c d Уорнер 1996, п. 45.
  16. ^ а б Законопроекты 2001 г., п. 22.
  17. ^ а б Уорнер 1996, п. 236.
  18. ^ Уорнер 1996, п. 237.
  19. ^ а б Уорнер 1996, п. 47.
  20. ^ а б Уорнер 1996, п. 22.
  21. ^ а б c Уорнер 1996, п. 23.
  22. ^ Уорнер 1996, п. 24.
  23. ^ Уорнер 1996, п. 25.
  24. ^ а б c Уорнер 1996, п. 48.
  25. ^ а б Уорнер 1996, п. 49.
  26. ^ а б «Энн Лаура Херфорд». Оксфордский национальный биографический словарь (онлайн-изд.). Издательство Оксфордского университета. Дои:10.1093 / ссылка: odnb / 69105. (Подписка или Членство в публичной библиотеке Великобритании требуется.)
  27. ^ Законопроекты 2001 г., п. 31.
  28. ^ а б Законопроекты 2001 г., п. 32.
  29. ^ "Венера Вертикордия". Архив Россетти. Получено 27 февраля 2015.
  30. ^ Законопроекты 2001 г., п. 40.
  31. ^ Законопроекты 2001 г., п. 41.
  32. ^ "Сотбис" продаст акварель Данте Габриэля Россетти "Венера Вертикордия"'". Art Daily. 10 октября 2014 г.. Получено 27 февраля 2015.
  33. ^ Prettejohn 1999, п. 28.
  34. ^ Prettejohn 1999, п. 30.
  35. ^ Уорнер 1996, п. 50.
  36. ^ а б c d Законопроекты 2001 г., п. 88.
  37. ^ Уорнер 1996, п. 226.
  38. ^ "Сага о Кусачке". Designboom. 2010 г.. Получено 27 февраля 2015.
  39. ^ а б Законопроекты 2001 г., п. 89.
  40. ^ Законопроекты 2001 г., п. 90.
  41. ^ а б Уорнер 1996, п. 227.
  42. ^ Законопроекты 2001 г., п. 94.
  43. ^ Законопроекты 2001 г., п. 91.
  44. ^ Законопроекты 2001 г., п. 34.
  45. ^ Законопроекты 2001 г., п. 71.
  46. ^ Честертон 1904, п. 10.
  47. ^ а б c Уорнер 1996, п. 30.
  48. ^ Уорнер 1996, п. 51.
  49. ^ а б Уорнер 1996, п. 26.
  50. ^ а б Уорнер 1996, п. 27.
  51. ^ а б c d Уорнер 1996, п. 52.
  52. ^ Штайнер, Венди (январь 1993). «Горшок с краской: эстетика на пробах в Уистлере против Раскина». Искусство в Америке.
  53. ^ Куксон 2006, п. 122.
  54. ^ а б Уорнер 1996, п. 28.
  55. ^ а б c d е ж Уорнер 1996, п. 31.
  56. ^ Честертон 1904, п. 12.
  57. ^ а б Уорнер 1996, п. 29.
  58. ^ «Викторианская одержимость. Коллекция Переса Симона в доме-музее Лейтон: основные моменты выставки». Дом-музей Лейтон. Получено 26 февраля 2015.
  59. ^ Уорнер 1996, п. 32.
  60. ^ Crawford & Des Cars 1998, п. 237.
  61. ^ Уорнер 1996С. 32–33.
  62. ^ Уорнер 1996, п. 219.
  63. ^ Уорнер 1996, п. 34.
  64. ^ Законопроекты 2001 г., п. 16.
  65. ^ а б c d Уорнер 1996, п. 35.
  66. ^ а б c d Уорнер 1996, п. 37.
  67. ^ "Безнадежный рассвет". Тейт. Май 2007 г.. Получено 26 февраля 2015.
  68. ^ а б c Уорнер 1996, п. 36.
  69. ^ Уорнер 1996С. 36–37.
  70. ^ а б c d Уорнер 1996, п. 38.
  71. ^ Уорнер 1996С. 53–54.
  72. ^ Уорнер 1996, п. 54.
  73. ^ а б Уорнер 1996, п. 55.
  74. ^ а б c Уорнер 1996, п. 11.
  75. ^ Колокол 1927С. 109–111.
  76. ^ а б c d е ж г Уорнер 1996, п. 12.
  77. ^ Законопроекты 2001 г., п. 13.
  78. ^ Великобритания Индекс розничных цен показатели инфляции основаны на данных Кларк, Грегори (2017). «Годовой RPI и средний доход в Великобритании с 1209 г. по настоящее время (новая серия)». Оценка. Получено 2 февраля 2020.
  79. ^ Законопроекты 2001 г., п. 36.
  80. ^ Уорнер 1996, п. 13.

Список используемой литературы