WikiDer > Модернизм

Пабло Пикассо, Les Demoiselles d'Avignon (1907). Этот протокубист Работа считается основополагающим влиянием на последующие тенденции в модернистской живописи.

Фрэнк Ллойд Райт, Музей Соломона Гуггенхайма 1946–1959 ^[1]

Модернизм это оба философское движение и движение искусства возникшие в результате широких преобразований в Западное общество в конце 19 - начале 20 вв. Движение отражало стремление к созданию новых форм искусства, философии и социальной организации, которые отражали недавно возникшие индустриальный мир, включая такие функции, как урбанизация, новые технологии и война. Художники пытались отойти от традиционных форм искусства, которые считали устаревшими или устаревшими. Поэт Эзра ПаундПостановление 1934 года "Сделайте это новым!" был пробным камнем подхода движения.

Модернистские инновации включены абстрактное искусство, то поток сознания Роман, монтаж кино, атональный и двенадцатитонный музыка и дивизионист картина. Модернизм открыто отверг идеологию реализм^[а][2][3] и использовали произведения прошлого, наняв повторение, включение, переписывание, перепросмотр, редакция и пародия.^[b][c][4] Модернизм также отверг определенность Просвещение мышление, и многие модернисты также отвергли религиозные убеждения.^[5][d] Примечательной чертой модернизма является самосознание касательно художественных и социальных традиций, которые часто приводили к экспериментам с формой, наряду с использованием техник, которые привлекали внимание к процессам и материалам, используемым при создании произведений искусства.^[7]

В то время как некоторые ученые считают, что модернизм продолжается в 21 веке, другие считают, что он эволюционирует в поздний модернизм или же высокий модернизм.^[8] Постмодернизм является отходом от модернизма и отвергает его основные предположения.^[9][10][11]

Определение

Некоторые комментаторы определяют модернизм как способ мышления - одну или несколько философски определенных характеристик, таких как самосознание или самоотнесение, которые пронизывают все новинки в искусствах и дисциплинах.^[12] Чаще, особенно на Западе, встречаются те, кто рассматривает это как социально прогрессивную тенденцию мысли, которая подтверждает способность людей создавать, улучшать и изменять свою окружающую среду с помощью практических экспериментов, научных знаний или технологий.^[e] С этой точки зрения модернизм поощрял пересмотр всех аспектов существования, от коммерции до философии, с целью найти то, что «сдерживает». прогресси заменяя его новыми способами достижения той же цели. Другие фокусируются на модернизме как на эстетическом самоанализе. Это облегчает рассмотрение конкретных реакций на использование технологий во время Первой мировой войны, а также антитехнологических и нигилистических аспектов работ различных мыслителей и художников, охватывающих период от Фридрих Ницше (1844–1900) по Сэмюэл Беккет (1906–1989).^{[14][15][16][17][18]}

В соответствии с Роджер Гриффин, модернизм можно определить в максималистском видении как широкую культурную, социальную или политическую инициативу, поддерживаемую идеалом «темпоральности нового». Гриффин пишет, что модернизм стремился восстановить "чувство возвышенного порядка и цели в современном мире, тем самым противодействуя (воспринимаемой) эрозии всеобъемлющего"номос"Или" священный навес "под фрагментарным и секуляризирующим влиянием современности." Следовательно, явления, очевидно не связанные друг с другом, такие как "Экспрессионизм, Футуризм, витализм, Теософия, психоанализ, нудизм, евгеника, утопический Градостроительство и архитектура, современный танец, большевизм, органический национализм - и даже культ самопожертвования, который поддерживал гекатомба Первой мировой войны - раскрыть общую причину и психологическую матрицу в борьбе с (воспринимаемым) упадком ». Все они воплощают стремление получить доступ к« сверхличному опыту реальности », в котором люди верили, что могут преодолеть свою собственную смертность. , и, в конце концов, они перестали быть жертвами истории, а стали ее создателями.^[19]

Ранняя история

Происхождение

Эжен Делакруас Свобода, ведущая народ, 1830, а Романтичный произведение искусства

По словам одного критика, модернизм развился из Романтизмвосстание против последствий Индустриальная революция и буржуазный ценности: «Основной мотив модернизма, Графф утверждает, что это критика буржуазного общественного строя XIX века и его мировоззрения [...] модернистами, несущими факел романтизма ».^[а][2][3] Пока Дж. М. В. Тернер (1775–1851), один из величайших художников-пейзажистов XIX века, был членом Романтическое движение, как «пионер в изучении света, цвета и атмосферы», он «предвосхитил Французские импрессионисты«и, следовательно, модернизм» в разрушении общепринятых формул представления; [хотя] в отличие от них, он считал, что его работы всегда должны выражать важные исторические, мифологические, литературные или другие повествовательные темы ».^[21]

А Реалист портрет Отто фон Бисмарк. Модернисты осудили реализм.

Доминирующие тенденции промышленного Викторианская Англия примерно с 1850 г. противостояли английские поэты и художники, составлявшие Братство прерафаэлитовиз-за их «противодействия техническим навыкам без вдохновения».^[22](p815) На них повлияли произведения искусствоведа. Джон Раскин (1819–1900), твердо понимавший роль искусства в улучшении жизни городского рабочего класса в быстрорастущих промышленных городах Великобритании.^[22](p816) Искусствовед Клемент Гринберг описывает Братство прерафаэлитов как протомодернистов: «Там прото-модернисты были, среди всех людей, прерафаэлитами (и даже до них, как протопротомодернисты, немецкие Назареи). Прерафаэлиты на самом деле предвещали Мане (1832–1883), с которого определенно начинается модернистская живопись. Они действовали из-за неудовлетворенности живописью, как это практиковалось в их время, считая ее реализм недостаточно правдивым ".^[23] Рационализм также имел противников среди философов Сорен Кьеркегор (1813–55)^[24] и позже Фридрих Ницше (1844–1900), оба из которых оказали значительное влияние на экзистенциализм и нигилизм.^[25](p120)

Однако промышленная революция продолжалась. Влиятельные инновации включали индустриализацию на паровой тяге, и особенно развитие железных дорог, начавшееся в Великобритании в 1830-х годах,^[26] и связанные с этим последующие достижения в области физики, инженерии и архитектуры. Важным инженерным достижением XIX века было Хрустальный дворец, огромный выставочный зал из чугуна и листового стекла, построенный для Большая выставка 1851 года в Лондоне. Стекло и железо использовались в подобном монументальном стиле при строительстве крупных железнодорожных вокзалов в Лондон, Такие как Paddington Station (1854)^[27] и Станция Кингс-Кросс (1852).^[28] Эти технологические достижения привели к созданию более поздних структур, таких как Бруклинский мост (1883 г.) и Эйфелева башня (1889 г.). Последний нарушил все предыдущие ограничения на то, насколько высокими могут быть искусственные объекты. Эти инженерные чудеса коренным образом изменили городскую среду XIX века и повседневную жизнь людей. Само человеческое восприятие времени изменилось с развитием электрический телеграф с 1837 г.,^[29] и принятие стандартное время британскими железнодорожными компаниями с 1845 года и в остальном мире в течение следующих пятидесяти лет.^[30]

Несмотря на продолжающийся технический прогресс, идея о том, что история и цивилизация были прогрессивными по своей природе и что прогресс всегда был хорош, в XIX веке подвергалась все более серьезным нападкам. Возникли аргументы, что ценности художника и общества не просто различны, но что Общество противоречит Прогрессу и не может двигаться вперед в его нынешнем виде. В начале века философ Шопенгауэр (1788–1860) (Мир как воля и представление, 1819) поставил под сомнение прежний оптимизм, и его идеи оказали важное влияние на более поздних мыслителей, включая Ницше.^[24] Двое из самых значительных мыслителей середины XIX века были биологами. Чарльз Дарвин (1809–1882), автор О происхождении видов путем естественного отбора (1859) и политолог Карл Маркс (1818–1883), автор Das Kapital (1867 г.). Теория Дарвина эволюция к естественный отбор подорвал религиозную уверенность и идею уникальности человека. В частности, представление о том, что людьми движут те же побуждения, что и «низшие животные», оказалось трудно совместить с идеей облагораживающей духовности.^[31] Карл Маркс утверждал, что существуют фундаментальные противоречия внутри капиталист система, и что рабочие были совсем не свободны.^[32]

Одилон Редон, Дух-хранитель вод, 1878 г., бумага, уголь, Художественный институт Чикаго

Начало в конце девятнадцатого века

Историки и писатели разных дисциплин предложили разные даты в качестве отправных точек для модернизма. Историк Уильям Эверделл, например, утверждал, что модернизм зародился в 1870-х годах, когда метафорический (или онтологический) непрерывность стала уступать место дискретному с математикой Ричард Дедекинд(1831–1916) Дедекинда вырезать, и Людвиг Больцманн(1844–1906) статистическая термодинамика.^[12] Эверделл также считает, что модернизм в живописи начался в 1885–1886 гг. Сёрас Дивизионизм, "точки", используемые для рисования Воскресный полдень на острове Ла Гранд Жатт. С другой стороны, критик визуального искусства Клемент Гринберг называется Иммануил Кант (1724–1804) «первый настоящий модернист»,^[33] хотя он также писал: «То, что можно смело назвать модернизмом, возникло в середине прошлого века - и скорее локально, во Франции, с Бодлер в литературе и Мане в живописи и, возможно, с ФлоберТоже в прозе. (Модернизм появился спустя некоторое время, причем не так локально. Музыка и архитектура)."^[23] Поэт Бодлер Les Fleurs du mal (Цветы зла) и роман Флобера Мадам Бовари оба были опубликованы в 1857 году.

В искусстве и литературе два важных подхода развивались отдельно во Франции, начиная с 1860-х годов. Первый был Импрессионизм, школа живописи, изначально ориентированная на работу не в мастерской, а на открытом воздухе (на пленэре). Картины импрессионистов продемонстрировали, что люди не видят предметы, а видят сам свет. Школа собрала приверженцев, несмотря на внутренние разногласия среди ведущих практиков, и становилась все более влиятельной. Первоначально отказавшись от участия в самом важном коммерческом шоу того времени, спонсируемый государством Парижский салон, импрессионисты организовывали ежегодные групповые выставки в коммерческих помещениях в 1870-х и 1880-х годах, приурочивая их к официальному Салону. Знаменательным событием 1863 г. Salon des Refusés, сделано Император Наполеон III выставить все картины, отклоненные Парижским салоном. Хотя большинство из них были выполнены в стандартных стилях, но работы художников более низкого уровня Мане привлек огромное внимание и открыл коммерческие двери для движения. Вторая французская школа была Символизм, которые историки литературы видят начиная с Шарля Бодлера (1821–1867), включая более поздних поэтов, Артур Рембо (1854–1891) Une Saison en Enfer (Сезон в аду, 1873), Поль Верлен (1844–1896), Стефан Малларме (1842–1898), и Поль Валери (1871–1945). Символисты «подчеркивали приоритет внушения и вызова перед прямым описанием и явной аналогией» и особенно интересовались «музыкальными свойствами языка».^[34]

Кабаре, который породил так много видов искусства модернизма, включая непосредственных предшественников кино, можно сказать, зародился во Франции в 1881 году с открытием Черный кот в Монмартр, начало иронического монолога и основание Общества несвязных искусств.^[35]

Анри Матисс, Le bonheur de vivre, 1905–06, Фонд Барнса, Мерион, Пенсильвания. Рано Фовист шедевр.

На заре модернизма большое влияние оказали теории Зигмунд Фрейд (1856–1939). Первая крупная работа Фрейда была Исследования истерии (с Йозеф Брейер, 1895). Центральное место в мышлении Фрейда занимает идея «примата бессознательного в психической жизни», так что вся субъективная реальность основана на игре основных побуждений и инстинктов, через которые воспринимался внешний мир. Описание субъективных состояний Фрейдом включает бессознательный разум, полный первичных импульсов, и уравновешивает наложенные на себя ограничения, вытекающие из социальных ценностей.^[22](p538)

Анри Матисс, Танец, 1910, Эрмитаж, Санкт-Петербург, Россия. В начале 20 века Анри Матисс и несколько других молодых художников, включая докубистов Жорж Брак, Андре Дерен, Рауль Дюфи и Морис де Вламинк произвел революцию в мире искусства Парижа, создав «дикие», разноцветные, выразительные пейзажи и фигурные картины, которые критики назвали Фовизм. Вторая версия Анри Матисса Танец означает ключевой момент в его карьере и в развитии современной живописи.^[36]

Фридрих Ницше (1844–1900) был еще одним крупным предшественником модернизма,^[37] с философией, в которой психологические стимулы, в частности "воля к власти" (Вилле цур Махт), имело центральное значение: «Ницше часто отождествлял саму жизнь с« волей к власти », то есть с инстинктом роста и устойчивости».^[38][39] Анри Бергсон (1859–1941), с другой стороны, подчеркивал разницу между научным, часовым временем и прямым, субъективным, человеческим восприятием времени.^[25](p131) Его работы о времени и сознании «оказали большое влияние на романистов двадцатого века», особенно на тех модернистов, которые использовали поток сознания техника, такая как Дороти Ричардсон, Джеймс Джойс, и Вирджиния Вульф (1882–1941).^[40] Также важную роль в философии Бергсона играла идея élan vital, жизненная сила, которая «вызывает творческое развитие всего».^[25](p132) Его философия также высоко ценила интуиция, хотя и не отрицая важность интеллекта.^[25](p132)

Важными литературными предшественниками модернизма были Федор Достоевский (1821–1881), написавший романы Преступление и наказание (1866 г.) и Братья Карамазовы (1880);^[41] Уолт Уитмен (1819–1892), издавший сборник стихов Листья травы (1855–1891); и Август Стриндберг (1849–1912), особенно его более поздние пьесы, в том числе трилогия В Дамаск 1898–1901, Игра мечты (1902) и Призрачная соната (1907). Генри Джеймс также был предложен в качестве важного предшественника в работе еще в Портрет дамы (1881).^[42]

Из столкновения идеалов, заимствованных из романтизма, и попытки найти способ познания объяснить то, что еще было неизвестно, в первом десятилетии 20-го века возникла первая волна работ, которые, хотя их авторы считали их расширение существующих направлений в искусстве, нарушило скрытый договор с широкой публикой о том, что художники были интерпретаторами и представителями буржуазной культуры и идей. Эти «модернистские» достопримечательности включают атональный окончание Арнольд Шенбергс Второй струнный квартет в 1908 г. экспрессионист картины Василий Кандинский начиная с 1903 года и завершившейся его первой абстрактной картиной и основанием Синий всадник группа в Мюнхен в 1911 году и рост фовизм и изобретения кубизм из студий Анри Матисс, Пабло Пикассо, Жорж Браки др. в период с 1900 по 1910 год.

Основной период

Фрэнк Ллойд Райт, Водопад, Mill Run, Пенсильвания (1937). Водопад был одним из самых известных частных резиденций Райта (завершен в 1937 г.).

С начала 20 века до 1930 года

Дворец Стокле (1905-1911) архитектором-модерном Йозеф Хоффманн

Пабло Пикассо, Портрет Даниэль-Генри Канвейлер, 1910, Художественный институт Чикаго

Важным аспектом модернизма является то, как он соотносится с традицией посредством принятия таких техник, как повторение, включение, переписывание, перепросмотр, пересмотр и пародия в новых формах.^[b][c]

Пит Мондриан, Вид с дюн с пляжем и пирсами, Домбург, 1909 г., картон, масло, карандаш, Музей современного искусства, Нью-Йорк

В Национальный музей Centro de Arte Reina Sofía (MNCARS) - национальный музей искусства XX века Испании, расположенный в Мадрид. На фото изображено старое здание с пристройкой к экстерьеру одной из современных стеклянных башен. Ян Ричи Архитекторы с крупным планом башни современного искусства.

Т. С. Элиот сделал важные комментарии по поводу отношения художника к традиции, в том числе: «[Мы] часто обнаруживаем, что не только лучшие, но и наиболее отдельные части творчества [поэта] могут быть те, в которых мертвые поэты, его предки, самым решительным образом отстаивают свое бессмертие ".^[45] Однако отношения модернизма с традициями были сложными, как указывает литературовед Питер Чайлдс: «Существовали парадоксальные, если не противоположные тенденции к революционным и реакционным позициям, боязнь нового и восхищение исчезновением старого, нигилизм фанатичный энтузиазм, творчество и отчаяние ».^[4]

Примером того, как модернистское искусство может быть как революционным, так и связанным с традициями прошлого, является музыка композитора. Арнольд Шенберг. С одной стороны, Шенберг отверг традиционные тональная гармония, иерархическая система организации музыкальных произведений, которая руководила созданием музыки на протяжении как минимум полутора веков. Он считал, что открыл совершенно новый способ организации звука, основанный на использовании ряды из двенадцати нот. Тем не менее, хотя это действительно было совершенно новое явление, его истоки можно проследить в творчестве более ранних композиторов, таких как Ференц Лист,^[46] Рихард Вагнер, Густав Малер, Рихард Штраус и Макс Регер.^[47][48] Шенберг также писал тональную музыку на протяжении всей своей карьеры.

В мире искусства в первом десятилетии ХХ века молодые художники, такие как Пабло Пикассо и Анри Матисс вызывали шок своим отказом от традиционных перспектива как средство структурирования картин,^[49][50] хотя импрессионист Моне уже проявил новаторский подход в использовании перспективы.^[51] В 1907 году, когда Пикассо писал Les Demoiselles d'Avignon, Оскар Кокошка писал Mörder, Hoffnung der Frauen (Убийца, Надежда женщин), первая экспрессионистская пьеса (поставленная со скандалом в 1909 году), и Арнольд Шенберг писал свой струнный квартет № 2 фа-диез минор (1908), свое первое произведение без тонального центра.

Основное влияние, которое привело к Кубизм было изображением трехмерной формы в поздних работах Поль Сезанн, которые были показаны в ретроспективе 1907 г. Осенний салон.^[52] В произведениях кубизма объекты анализируются, разбиваются и собираются заново в абстрактной форме; вместо изображения объектов с одной точки зрения художник изображает предмет с множества точек зрения, чтобы представить предмет в более широком контексте.^[53] Кубизм был впервые представлен вниманию широкой публики в 1911 г. Салон независимых в Париже (21 апреля - 13 июня). Жан Метцингер, Альберт Глейзес, Анри Ле Фоконье, Роберт Делоне, Фернан Леже и Роджер де ла Френэ были показаны вместе в Комнате 41, что спровоцировало «скандал», в результате которого кубизм возник и распространился по Парижу и за его пределами. Также в 1911 г. Кандинский нарисованный Bild mit Kreis (Картинка с кругом), которую он позже назвал первой абстрактной картиной.^[54](p167) В 1912 году Метцингер и Глейз написали первый (и единственный) крупный кубистский манифест: Du "Cubisme", опубликованный как раз для Salon de la Section d'Or, крупнейшая выставка кубистов на сегодняшний день. В 1912 году Метцингер написал и выставил свои очаровательные La Femme au Cheval (Женщина с лошадью) и Danseuse au Café (Танцовщица в кафе). Альберт Глейз написал и выставил свои Les Baigneuses (Купальщицы) и его монументальный Le Dépiquage des Moissons (Обмолот урожая). Эта работа, наряду с La Ville de Paris (Город Париж) к Роберт Делоне, была крупнейшей и самой амбициозной кубистской картиной довоенного кубизма.^[55]

В 1905 году группа из четырех немецких художников во главе с Эрнст Людвиг Кирхнер, сформированный Die Brücke (Мост) в городе Дрезден. Возможно, это была организация-основатель Немецкий экспрессионист движение, хотя они не использовали само слово. Спустя несколько лет, в 1911 году, сформировалась группа единомышленников из молодых художников. Der Blaue Reiter (Синий всадник) в Мюнхене. Название произошло от Василий Кандинскийс Der Blaue Reiter живопись 1903 года. Среди их участников были Кандинский, Франц Марк, Пауль Клее, и Август Маке. Однако термин «экспрессионизм» не утвердился до 1913 года.^[54](p274) Хотя изначально это было преимущественно немецкое художественное движение,^[f] преобладали в живописи, поэзии и театре между 1910 и 1930 годами, большинство предшественников движения не были немцами. Кроме того, были писатели-экспрессионисты и прозаики, а также писатели-экспрессионисты, не говорящие по-немецки, и, хотя движение в Германии пошло на спад с подъемом Адольф Гитлер в 1930-е годы появились и последующие экспрессионистские работы.

Портрет Эдуарда Космака (1910) по Эгон Шиле

Ле Корбюзье, The Вилла Савойя в Пуасси (1928–1931)

Экспрессионизм, как известно, трудно дать определение, отчасти потому, что он «пересекался с другими основными« измами »модернистского периода: Футуризм, Завихрение, Кубизм, Сюрреализм и Дадаизм."^[58] Ричард Мерфи также комментирует: «поиск всеобъемлющего определения проблематичен до такой степени, что самые смелые экспрессионисты», такие как романист Франц Кафка, поэт Готфрид Бенн, и писатель Альфред Дёблин были одновременно самыми громкими антиэкспрессионистами.^{[59](стр. 43)} Что, однако, можно сказать, так это то, что это движение, которое развивалось в начале 20 века, главным образом в Германии, в ответ на дегуманизирующий эффект индустриализации и роста городов, и что «одно из центральных средств, с помощью которых экспрессионизм определяет сам как авангард движение, и которым он отмечает свою дистанцию ​​с традициями и культурным учреждением в целом, через его отношение к реализм и доминирующие условности представительства ".^{[59](стр. 43)} Более явно: экспрессионисты отвергли идеологию реализма.^{[59](стр. 43–48) [60]}В немецком театре начала 20 века было концентрированное экспрессионистское движение, из которого Георг Кайзер и Эрнст Толлер были самыми известными драматургами. Среди других известных драматургов-экспрессионистов Рейнхард Зорге, Уолтер Хазенклевер, Ханс Хенни Янн, и Арнольт Броннен. Они оглянулись на шведского драматурга Август Стриндберг и немецкий актер и драматург Фрэнк Ведекинд как предшественники их драматургический эксперименты. Оскар Кокошкас Убийца, надежда женщин была первой полностью экспрессионистской работой для театра, открывшегося 4 июля 1909 г. Вена.^[61] Крайнее упрощение персонажей до мифических типы, хоровые эффекты, декламационный диалог и повышенная интенсивность стали характерными для более поздних экспрессионистских пьес. Первая полнометражная экспрессионистская пьеса была Сын Уолтера Хазенклевера, которая была опубликована в 1914 году и впервые исполнена в 1916 году.^[62]

Футуризм это еще одно модернистское движение.^[63] В 1909 г. парижская газета Le Figaro опубликовано Ф. Т. МаринеттиПервый манифест. Вскоре после этого группа художников (Джакомо Балла, Умберто Боччони, Карло Карра, Луиджи Руссоло, и Джино Северини) подписал Футуристический манифест. По образцу Маркса и Энгельса' известный "Коммунистический манифест«(1848), такие манифесты выдвигали идеи, которые должны были спровоцировать и собрать последователей. Однако аргументы в пользу геометрической или чисто абстрактной живописи в то время в основном ограничивались« маленькими журналами », которые имели лишь крошечные тиражи. Модернистский примитивизм и пессимизм были противоречивыми, и мейнстрим первого десятилетия 20-го века все еще был склонен к вере в прогресс и либеральному оптимизму.

Жан Метцингер, 1913, En Canot (Im Boot), холст, масло, 146 x 114 см (57,5 дюйма × 44,9 дюйма), экспонируется в Moderni Umeni, С.В.У. Манес, Прага, 1914 г., приобретена в 1916 г. Георг Мухе в галерее Der Sturm, конфискованный нацистами около 1936–1937 гг., выставлен на Дегенеративное искусство шоу в Мюнхене, и с тех пор пропал без вести.^[64]

Абстрактный художники, взяв в качестве примера импрессионисты, а также Поль Сезанн (1839–1906) и Эдвард Мунк (1863–1944), началось с предположения, что цвет и формаа не изображение природного мира, составляло существенные характеристики искусства.^[65] Западное искусство был, из эпоха Возрождения до середины XIX века, опираясь на логику перспектива и попытка воспроизвести иллюзию видимой реальности. Искусство культур, отличных от европейских, стало доступным и показало художнику альтернативные способы описания визуального опыта. К концу 19 века многие художники почувствовали потребность в создании нового вида искусства, который охватил бы фундаментальные изменения, происходящие в технологии, науке и философии. Источники, из которых отдельные художники черпали свои теоретические аргументы, были разнообразны и отражали социальные и интеллектуальные интересы во всех областях западной культуры того времени.^[66] Василий Кандинский, Пит Мондриан, и Казимир Малевич все верили в переопределение искусства как в чистом цвете. Использование фотографии, сделавшей большую часть репрезентативной функции визуального искусства устаревшей, сильно повлияло на этот аспект модернизма.^[67]

Модернистские архитекторы и дизайнеры, такие как Фрэнк Ллойд Райт ^[68] и Ле Корбюзье,^[69] считал, что новые технологии сделали старые стили строительства устаревшими. Ле Корбюзье считал, что здания должны функционировать как «машины для жизни», аналогичные машинам, которые он видел как машины для путешествий.^[70] Как автомобили заменили лошадь, так и модернистский дизайн должен отказаться от старых стилей и структур, унаследованных от Древняя Греция или из Средний возраст. Следуя этой машинной эстетике, модернистские дизайнеры обычно отказывались от декоративных мотивов в дизайне, предпочитая подчеркивать используемые материалы и чистые геометрические формы.^[71] В небоскреб это типичное модернистское здание, а 10-этажное офисное здание Wainwright Building, построенное в 1890–91 гг., Сент-Луис, штат Миссури, США, входит в число первые небоскребы в мире.^[72] Людвиг Мис ван дер Роэс Здание Сиграм в Нью-Йорке (1956–1958) часто считается вершиной модернистской высотной архитектуры.^[73] Многие аспекты модернистского дизайна все еще остаются в мейнстриме современная архитектура, хотя прежний догматизм уступил место более игривому использованию декораций, исторических цитат и пространственной драмы.

Андре Массон, Пьедестал Стол в Студии 1922 год, ранний образец Сюрреализм

В 1913 году - год философа Эдмунд Гуссерльс Идеи, физик Нильс Борквантованный атом, Эзра Паундоснование имагизм, то Оружейная Шоу в Нью-Йорке и в Санкт-Петербург «первая футуристическая опера», Михаил Матюшинс Победа над солнцем- еще один русский композитор, Игорь Стравинский, в составе Обряд весны, балет, изображающий человеческая жертваи имеет партитуру, полную диссонанса и примитивного ритма. Это вызвало бурю негодования во время его первого выступления в Париже. В то время, хотя модернизм все еще был «прогрессивным», он все чаще рассматривал традиционные формы и традиционные социальные устройства как препятствующие прогрессу и переделывал художника как революционера, занятого свержением, а не просвещением общества. Также в 1913 году во Франции произошло менее жестокое событие с публикацией первого тома Марсель Прустважный роман À la recherche du temps perdu (1913–1927) (В поисках утраченного времени). Это часто представляется как ранний пример того, как писатель использовал техника потока сознания, но Роберт Хамфри комментирует, что Пруст «озабочен только аспектом воспоминаний» и что он «сознательно возвращал прошлое с целью общения; следовательно, он не писал романа о потоке сознания».^[74]

Поток сознания был важным модернистским литературным нововведением, и предполагалось, что Артур Шницлер (1862–1931) был первым, кто полностью использовал его в своем рассказе «Лейтенант Густл» («Никто, кроме храбрых») (1900).^[75] Дороти Ричардсон был первым английским писателем, использовавшим его в ранних томах ее новая последовательность Паломничество (1915–1967).^[грамм] К другим модернистским романистам, связанным с использованием этой повествовательной техники, относятся: Джеймс Джойс в Улисс (1922) и Итало Свево в La coscienza di Zeno (1923).^[77]

Однако с приходом Великая война 1914–1918 гг. и Русская революция В 1917 году мир резко изменился, и верования и институты прошлого подверглись сомнению. Несостоятельность прежнего статус-кво казалась самоочевидной для поколения, в котором миллионы людей умирали, сражаясь из-за клочков земли: до 1914 года утверждалось, что никто не будет вести такую ​​войну, поскольку цена была слишком высока. Рождение машинной эры, которая внесла серьезные изменения в условия повседневной жизни в XIX веке, теперь радикально изменило природу войны. Травматический характер недавнего опыта изменил основные предположения, и реалистичное изображение жизни в искусстве казалось неадекватным, когда сталкивался с фантастически сюрреалистической природой. позиционная война. Мнение о том, что человечество стабильно добивается морального прогресса, теперь казалось нелепым перед лицом бессмысленной бойни, описанной в таких произведениях, как Эрих Мария Ремаркроман Тихо на Западном фронте (1929). Таким образом, модернистский взгляд на реальность, который до войны принадлежал меньшинству, стал более общепринятым в 1920-е годы.

В литературе и изобразительном искусстве некоторые модернисты стремились бросить вызов ожиданиям главным образом для того, чтобы сделать свое искусство более ярким или заставить публику усомниться в собственных предубеждениях. Этот аспект модернизма часто казался реакцией на культура потребления, который развился в Европе и Северной Америке в конце 19 века. Принимая во внимание, что большинство производителей стараются производить продукты, которые будут востребованы на рынке, апеллируя к предпочтениям и предрассудкам, высокие модернисты отверг такие потребительские взгляды, чтобы подорвать традиционное мышление. Искусствовед Клемент Гринберг изложил эту теорию модернизма в своем эссе Авангард и Китч.^[78] Гринберг назвал продукты потребительской культуры "китч", потому что их дизайн был направлен просто на то, чтобы иметь максимальную привлекательность, без каких-либо трудностей. Таким образом, для Гринберга модернизм стал реакцией на развитие таких примеров современной потребительской культуры, как популярная музыка, Голливуд, и реклама. Гринберг связывал это с революционным отказом от капитализма.

Некоторые модернисты считали себя частью революционной культуры, которая включала политическую революцию. В Россия после 1917 г. Революция поначалу действительно процветала авангардная культурная деятельность, которая включала Русский футуризм. Однако другие отвергли традиционную политику, а также художественные условности, полагая, что революция политическое сознание имел большее значение, чем смена политических структур. Но многие модернисты считали себя аполитичными. Другие, такие как Т. С. Элиот, отклоненная масса популярная культура с консервативной позиции. Некоторые даже утверждают, что модернизм в литературе и искусстве поддерживал элита культура, из которой исключено большинство населения.^[78]

Сюрреализм, зародившийся в начале 1920-х годов, стал рассматриваться публикой как наиболее крайняя форма модернизма или «авангард модернизма».^[79] Слово «сюрреалист» придумал Гийом Аполлинер и впервые появился в предисловии к его пьесе Les Mamelles de Tirésias, который был написан в 1903 году и впервые исполнен в 1917 году. Среди основных сюрреалистов Поль Элюар, Роберт Деснос,^[80] Макс Эрнст, Ганс Арп, Антонен Арто, Раймонд Кено, Жоан Миро, и Марсель Дюшан.^[81]

К 1930 году модернизм завоевал место в истеблишменте, включая политический и художественный истеблишмент, хотя к этому времени сам модернизм изменился.

Модернизм продолжается: 1930–1945 гг.

Модернизм продолжал развиваться в 1930-е годы. С 1930 по 1932 годы композитор. Арнольд Шенберг работал над Моисей и Арон, одна из первых опер, в которых двенадцатитоновая техника,^[82] Пабло Пикассо, картина 1937 года Герника, его кубистское осуждение фашизм, а в 1939 г. Джеймс Джойс раздвинул границы современного романа с Поминки по Финнегану. Также к 1930 году модернизм начал оказывать влияние на господствующую культуру, так что, например, Житель Нью-Йорка под влиянием модернизма журнал начал публиковать работы молодых писателей и юмористов, таких как Дороти Паркер,^[83] Роберт Бенчли, Э. Б. Уайт, С. Дж. Перельман, и Джеймс Тербер, среди других.^[84] Перельмана высоко ценят за свои юмористические рассказы, которые он публиковал в журналах в 1930-х и 1940-х годах, чаще всего в Житель Нью-Йорка, которые считаются первыми примерами сюрреалистический юмор в Америке.^[85] Современные идеи в искусстве также стали чаще появляться в рекламе и логотипах, ранним примером которых, начиная с 1916 года, является знаменитый Лондонское метро логотип разработан Эдвард Джонстон.^[86]

Одним из наиболее заметных изменений этого периода стало внедрение новых технологий в повседневную жизнь простых людей в Западной Европе и Северной Америке. Электричество, телефон, радио, автомобиль - а также необходимость работать с ними, ремонтировать их и жить с ними - привели к социальным изменениям. Разрушительный момент, о котором мало кто знал в 1880-х, стал обычным явлением. Например, скорость общения, предназначенная для биржевых маклеров 1890 года, стала частью семейной жизни, по крайней мере, в среднем классе Северной Америки. В связи с урбанизацией и изменением социальных нравов также стали уменьшаться семьи и изменились отношения между родителями и их детьми.

Лондонское метро логотип разработан Эдвард Джонстон. Это современная версия (с небольшими изменениями) той, которая впервые была использована в 1916 году.

Еще одним сильным влиянием в то время было марксизм. После в целом примитивистского / иррационалистического аспекта модернизма перед Первой мировой войной (который для многих модернистов исключал любую привязанность к чисто политическим решениям) и неоклассицизм 1920-х годов (наиболее известный пример Т. С. Элиот и Игорь Стравинский- которые отвергли популярные решения современных проблем), рост фашизм, то Великая депрессия, и марш к войне помог радикализовать поколение. Бертольт Брехт, У. Х. Оден, Андре Бретон, Луи Арагон и философы Антонио Грамши и Вальтер Бенджамин пожалуй, самые известные образцы этой модернистской формы марксизма. Однако были и модернисты, явно придерживающиеся «правых», в том числе Сальвадор Дали, Виндхэм Льюис, Т. С. Элиот, Эзра Паунд, голландский автор Менно тер Браак и другие.^[87]

Значительные модернистские литературные произведения продолжали создаваться в 1920-х и 1930-х годах, включая дальнейшие романы Марсель Пруст, Вирджиния Вульф, Роберт Мусил, и Дороти Ричардсон. Американский драматург-модернист Юджин О'НилЕго карьера началась в 1914 году, но его основные работы появились в 1920-х, 1930-х и начале 1940-х годов. Два других значительных модернистских драматурга, писавшие в 1920-х и 1930-х годах, были Бертольт Брехт и Федерико Гарсиа Лорка. Д. Х. Лоуренсс Любовник леди Чаттерлей был опубликован в частном порядке в 1928 году, а другой важной вехой в истории современного романа стала публикация Уильям Фолкнерс Звук и ярость в 1929 году. В 1930-х годах, помимо других крупных работ Фолкнера, Сэмюэл Беккет опубликовал свое первое крупное произведение, роман Мерфи (1938). Затем в 1939 году Джеймс Джойс Поминки по Финнегану появившийся. Это написано в основном идиосинкразический язык, состоящий из смеси стандартного английского лексические элементы и неологистический многоязычный каламбуры и чемодан слова, которые пытаются воссоздать опыт сна и сновидений.^[88] В стихах Т. С. Элиота, Э. Э. Каммингс, и Уоллес Стивенс писали с 1920-х до 1950-х годов. В то время как модернистская поэзия на английском языке часто рассматривается как американский феномен, ведущими представителями которой являются Эзра Паунд, Т. С. Элиот, Марианна Мур, Уильям Карлос Уильямс, H.D., и Луи Зукофски, были известные британские поэты-модернисты, в том числе Дэвид Джонс, Хью МакДиармид, Василий Бантинг, и У. Х. Оден. Европейские поэты-модернисты включают Федерико Гарсиа Лорка, Анна Ахматова, Константин Кавафи, и Поль Валери.

Статуя Джеймса Джойса на North Earl Street, Дублин, Марджори Фитцгиббон

Модернистское движение продолжалось в этот период в Советская Россия. В 1930 году композитор Дмитрий Шостаковичопера (1906–1975) Нос была премьера, в которой он использует монтаж разных стилей, в том числе Народная музыка, популярная песня и атональность. Среди его влияний был Альбан Бергопера (1985–1935) Воццек (1925), которая «произвела на Шостаковича колоссальное впечатление при постановке в Ленинграде».^[89] Однако с 1932 г. Социалистический реализм начали вытеснять модернизм в Советском Союзе,^[90] а в 1936 году на Шостаковича напали и заставили отозвать свою 4-ю симфонию.^[91] Альбан Берг написал еще одну значительную, хотя и неполную модернистскую оперу, Лулу, премьера которого состоялась в 1937 году. Концерт для скрипки впервые была исполнена в 1935 году. Подобно Шостаковичу, другие композиторы столкнулись с трудностями в этот период.

В Германии Арнольд Шенберг (1874–1951) был вынужден бежать в США, когда Гитлер пришел к власти в 1933 году из-за своей модернистской атональный стиль, а также его еврейское происхождение.^[92] Его основные работы этого периода - Концерт для скрипки, Соч. 36 (1934/36) и Концерт для фортепиано, Соч. 42 (1942). Шенберг также писал тональную музыку в этот период: Сюита для струнных соль мажор (1935) и Камерная симфония No. 2 в E♭ минор, соч. 38 (начат в 1906 г., завершен в 1939 г.).^[92] В это время венгерский модернист Бела Барток (1881–1945) написал ряд крупных произведений, в том числе Музыка для струнных, ударных и челесты (1936) и Дивертисмент для струнного оркестра (1939), Струнный квартет № 5 (1934), и № 6 (последняя его, 1939 г.). Но он тоже уехал в США в 1940 году из-за роста фашизм в Венгрии.^[92] Игорь Стравинский (1882–1971) продолжал писать в своей неоклассический стиль в 1930-х и 1940-х годах писали такие произведения, как Симфония псалмов (1930), Симфония до мажор (1940) и Симфония в трех частях (1945). Он также эмигрировал в США из-за Второй мировой войны. Оливье Мессиан (1908–1992), однако, служил во французской армии во время войны и был заключен в тюрьму в Шталаг VIII-A немцами, где он написал свой знаменитый Quatuor pour la fin du temps («Квартет на конец времени»). Квартет впервые был представлен в январе 1941 года перед аудиторией из заключенных и тюремных надзирателей.^[93]

В живописи 1920-1930-х гг. Великая депрессия, модернизм определялся Сюрреализм, поздно Кубизм, Баухаус, Де Стейл, Дадаизм, Немецкий Экспрессионизм, а модернисты и искусные художники-художники Анри Матисс и Пьер Боннар а также абстракции художников вроде Пит Мондриан и Василий Кандинский который характеризовал европейскую художественную сцену. В Германии, Макс Бекманн, Отто Дикс, Джордж Гросс и другие политизировали свои картины, предвосхищая приближение Второй мировой войны, в то время как в Америке модернизм рассматривается в форме Американская картина сцены и соцреализм и регионализм В мире искусства преобладали движения, содержащие как политические, так и социальные комментарии. Исполнители любят Бен Шан, Томас Харт Бентон, Грант Вуд, Джордж Тукер, Джон Стюарт Карри, Реджинальд Марш, и другие стали заметными. Художники Латинской Америки определяют модернизм Хоакин Торрес-Гарсия из Уругвая и Руфино Тамайо из Мексики, а движение монументалистов с Диего Ривера, Дэвид Сикейрос, Хосе Клементе Ороско, Педро Нель Гомес и Сантьяго Мартинес Дельгадо, и Символист картины Фрида Кало, положил начало возрождению искусства в регионе, характеризующемуся более свободным использованием цвета и акцентом на политические сообщения.

Диего Ривера, пожалуй, наиболее известен широкой публике своими фресками 1933 года. Человек на распутье, в холле RCA Building по адресу Рокфеллер-центр. Когда его покровитель Нельсон Рокфеллер обнаружил, что фреска включала портрет Владимир Ленин и другие коммунистические образы, он уволил Риверу, и незаконченная работа в конечном итоге была уничтожена сотрудниками Рокфеллера. Работы Фриды Кало часто характеризуются резким изображением боли. На Кало глубоко повлияла местная мексиканская культура, что проявляется в ярких красках и драматической символике ее картин. Христианские и еврейские темы также часто встречаются в ее работах; она объединила элементы классических религиозных мексиканских традиций, которые часто были кровавыми и жестокими. Работы символиста Фриды Кало сильно связаны с сюрреализмом и магический реализм движение в литературе.

Политическая активность была важной частью жизни Дэвида Сикейроса и часто вдохновляла его отказаться от своей творческой карьеры. Его искусство уходило корнями в Мексиканская революция. Период с 1920-х по 1950-е годы известен как мексиканский ренессанс, и Сикейрос был активен в попытке создать искусство, которое одновременно было мексиканским и универсальным. Молодой Джексон Поллок посетил семинар и помог построить поплавки для парада.

В течение 1930-х годов радикальная левая политика характеризовала многих художников, связанных с сюрреализмом, в том числе Пабло Пикассо.^[94] 26 апреля 1937 г. гражданская война в Испании, то Баскский город Герника был бомбили Люфтваффе нацистской Германии. Немцы атаковали, чтобы поддержать усилия Франсиско Франко свергнуть баскское правительство и испанское республиканское правительство. Пабло Пикассо написал свою картину размером с фреску Герника в память об ужасах бомбардировки.

Пабло Пикассос Герника, 1937 г., протест против фашизма

Вовремя Великая депрессия 1930-х годов и в годы Второй мировой войны американское искусство характеризовалось соцреализм и Американская картина сцены, в работе Грант Вуд, Эдвард Хоппер, Бен Шан, Томас Харт Бентон, и несколько других. Nighthawks (1942) - картина Эдварда Хоппера, на которой изображены люди, сидящие в столовой в центре города поздно ночью. Это не только самая известная картина Хоппера, но и одна из самых узнаваемых в американском искусстве. Сцена была вдохновлена ​​закусочной в Деревня Гринвич. Хоппер начал писать его сразу после нападение на Перл-Харбор. После этого события над страной возникло чувство мрачности, которое изображено на картине. Городская улица за пределами закусочной пуста, и внутри никто из трех посетителей явно не смотрит и не разговаривает с другими, а погружается в собственные мысли. Это изображение современной городской жизни как пустой или одинокой - общая тема всей работы Хоппера.

американская готика это картина Грант Вуд с 1930. Изображая вилы- фермер и молодая женщина перед домом Карпентер Готика стиль, это один из самых известных образов в 20 веке Американское искусство. Художественные критики положительно оценили картину; подобно Гертруда Стайн и Кристофер МорлиОни предположили, что картина должна была быть сатирой на жизнь деревенского городка. Таким образом, это рассматривалось как часть тенденции к все более критическому изображению сельской Америки в духе Шервуд Андерсон1919 год Уайнсбург, Огайо, Синклер Льюис1920 год Главная улица, и Карл Ван Вехтенс Татуированная графиня в литературе.^[95] Однако с началом Великой депрессии картина стала рассматриваться как изображение стойкого американского первопроходца.

Ситуация для художников в Европе в 1930-е годы быстро ухудшалась по мере роста власти нацистов в Германии и по всей Восточной Европе. Дегенеративное искусство был термин, принятый Нацистский режим в Германии практически для всех современное искусство. Такое искусство было запрещено на том основании, что оно было антигерманским или Еврейский большевик в природе, и те, кого считали дегенеративными художниками, подвергались санкциям. К ним относились увольнение с преподавательских должностей, запрет на выставку или продажу своего искусства, а в некоторых случаях - запрет на создание произведений искусства. Дегенеративное искусство так называлась выставка, устроенная нацистами в Мюнхен в 1937 году. Атмосфера стала настолько враждебной для художников и искусства, связанного с модернизмом и абстракция многие уехали в Америку. Немецкий художник Макс Бекманн и множество других бежали из Европы в Нью-Йорк. В Нью-Йорке появилось новое поколение молодых и интересных художников-модернистов во главе с Аршил Горки, Виллем де Кунинг, а другие только начинали достигать совершеннолетия.

Портрет Аршила Горки кого-то, кто мог бы быть Виллемом де Кунингом, является примером эволюции абстрактный экспрессионизм из контекста фигурной живописи, кубизма и сюрреализма. Вместе со своими друзьями де Кунингом и Джон Д. ГрэмГорький создавал абстрактные фигуративные композиции биоморфной формы, которые к 1940-м годам превратились в совершенно абстрактные картины. Работа Горького кажется тщательным анализом памяти, эмоций и формы, с использованием линий и цвета для выражения чувств и природы.

После Второй мировой войны (в основном изобразительное и исполнительское искусство)

Вступление

Пока Оксфордская энциклопедия британской литературы утверждает, что модернизм закончился c. 1939 г.^[96] Что касается британской и американской литературы, «Когда (если) модернизм иссяк и начался постмодернизм, оспаривались почти так же горячо, как когда произошел переход от викторианства к модернизму».^[97] Клемент Гринберг считает, что модернизм заканчивается в 1930-х годах, за исключением изобразительного и исполнительского искусства.^[23] но что касается музыки, Пол Гриффитс отмечает, что, хотя модернизм «казался исчерпанной силой» к концу 1920-х годов, после Вторая Мировая Война, "новое поколение композиторов -Булез, Barraqué, Бэббит, Нет нет, Stockhausen, Ксенакис«возродившийся модернизм».^[98] Фактически, многие литературные модернисты дожили до 1950-х и 1960-х годов, хотя в целом они больше не создавали крупных произведений. Период, термин "поздний модернизм"также иногда применяется к модернистским произведениям, опубликованным после 1930 года.^[99][100] Среди модернистов (или поздних модернистов), все еще публикующихся после 1945 года, были Уоллес Стивенс, Готфрид Бенн, Т. С. Элиот, Анна Ахматова, Уильям Фолкнер, Дороти Ричардсон, Джон Каупер Поуис, и Эзра Паунд. Василий Бантинг, родился в 1901 году, опубликовал свое самое важное модернистское стихотворение Briggflatts в 1965 году. Кроме того, Германн Брохс Смерть Вергилия был опубликован в 1945 г. и Томас Маннс Доктор Фауст в 1947 г. Сэмюэл Беккет, который умер в 1989 году, был охарактеризован как «поздний модернист».^[101] Беккет - писатель с корнями в экспрессионист традиции модернизма, которые создавали работы с 1930-х до 1980-х годов, в том числе Моллой (1951), В ожидании Годо (1953), Счастливые дни (1961), и Rockaby (1981). Условия "минималист" и "постмодернистский"были также применены к его более поздним работам.^[102] Поэты Чарльз Олсон (1910–1970) и Дж. Х. Принн (р. 1936) относятся к числу писателей второй половины 20 века, которых называют поздними модернистами.^[103]

Совсем недавно термин «поздний модернизм» был переопределен по крайней мере одним критиком и использовался для обозначения работ, написанных после 1945 года, а не 1930 года. С этим использованием связана идея о том, что идеология модернизма была существенно изменена событиями Вторая мировая война, особенно Холокост и сброс атомной бомбы.^[104]

Послевоенный период оставил европейские столицы в потрясении, и им потребовалась срочная экономическая и физическая перестройка и политическая перегруппировка. В Париж (бывший центр европейской культуры и бывшая столица мира искусства) климат для искусства был катастрофой. Важные коллекционеры, торговцы и модернистские художники, писатели и поэты бежали из Европы в Нью-Йорк и Америку. В сюрреалисты и современные художники из всех культурных центров Европы спаслись от нападения нацистов в безопасное убежище в Соединенных Штатах. Многие из тех, кто не бежал, погибли. Несколько художников, особенно Пабло Пикассо, Анри Матисс, и Пьер Боннар, остался во Франции и выжил.

1940-е годы в Нью-Йорке ознаменовали триумф американского абстрактный экспрессионизм, модернистское движение, которое объединило уроки, извлеченные у Анри Матисса, Пабло Пикассо, сюрреализма, Жоан Миро, кубизм, Фовизм, и ранний модернизм через великих американских учителей, таких как Ганс Хофманн и Джон Д. Грэм. Американские художники извлекли выгоду из присутствия Пит Мондриан, Фернан Леже, Макс Эрнст и Андре Бретон группа, Пьер Матиссгалерея, и Пегги Гуггенхаймгалерея Искусство этого века, а также другие факторы.

Более того, Париж восстановил большую часть своего блеска в 1950-х и 60-х годах как центр расцвета машинного искусства с обоими ведущими скульпторами машинного искусства. Жан Тингели и Николас Шёффер переехав туда, чтобы начать свою карьеру, и это расцвет в свете техноцентрического характера современной жизни может иметь особенно долгое влияние.^[105]

Театр абсурда

Самуэля Беккета Сопровождающий Годо, (В ожидании Годо) Авиньонский фестиваль, 1978

Период, термин "Театр абсурда"применяется к пьесам, написанным в основном европейцами, которые выражают веру в то, что человеческое существование не имеет смысла или цели, и поэтому всякое общение прерывается. Логическое построение и аргументы уступают место иррациональным и нелогичным речам и их конечному завершению - молчанию.^[106] Хотя есть значительные прекурсоры, в том числе Альфред Джарри (1873–1907) Театр абсурда, как правило, считается начинающимся в 1950-х годах с пьес Сэмюэл Беккет.

Критик Мартин Эсслин ввел термин в свое эссе 1960 года «Театр абсурда». Он рассказывал эти пьесы, основываясь на широкой теме абсурда, подобно тому, как Альбер Камю использует этот термин в своем эссе 1942 года, Миф о Сизифе.^[107] Абсурд в этих пьесах принимает форму реакции человека на мир, явно не имеющий смысла, и / или человека как марионетку, управляемую или находящуюся под угрозой со стороны невидимых внешних сил. Хотя этот термин применяется к широкому кругу пьес, некоторые характеристики во многих пьесах совпадают: широкая комедия, часто похожая на водевиль, смешанные с ужасающими или трагическими образами; персонажи, попавшие в безвыходную ситуацию, вынуждены совершать повторяющиеся или бессмысленные действия; диалоги, полные клише, игры слов и ерунды; сюжеты, которые цикличны или абсурдно экспансивны; либо пародия, либо отрицание реализма и концепции "хорошо сделанная игра".

Драматурги, обычно связанные с Театром абсурда, включают Сэмюэл Беккет (1906–1989), Эжен Ионеско (1909–1994), Жан Жене (1910–1986), Гарольд Пинтер (1930–2008), Том Стоппард (род. 1937), Александр Введенский (1904–1941), Даниил Хармс (1905–1942), Фридрих Дюрренматт (1921–1990), Алехандро Ходоровски (род. 1929), Фернандо Аррабаль (1932 г.р.), Вацлав Гавел (1936–2011) и Эдвард Олби (1928–2016).

Джексон Поллок, Синие поляки, 1952, Национальная галерея Австралии

Поллок и абстрактные влияния

В конце 1940-х гг. Джексон Поллокрадикальный подход к живописи революционизировал потенциал для всех современное искусство что следовало за ним. В какой-то степени Поллок осознавал, что путь к созданию произведения искусства так же важен, как и само произведение искусства. Нравиться Пабло Пикассоноваторские изобретения живописи и скульптуры в начале 20 века через Кубизм и построен скульптура, Поллок изменил способ создания искусства. Его отход от станковой живописи и условностей стал сигналом освобождения для художников его эпохи и для всех, кто пришел после. Художники осознали, что процесс Джексона Поллока - размещение нерастянутого сырого холст на полу, где его можно было атаковать со всех четырех сторон с использованием художественных и промышленных материалов; капание и разбрасывание линейных мотков краски; рисование, окрашивание и чистка кистью; использование образов и не изображений - по сути, взорвал искусство за пределами каких-либо предшествующих границ. Абстрактный экспрессионизм в целом расширил и развил определения и возможности, доступные художникам для создания новых произведений искусства. абстрактные экспрессионисты вслед за прорывом Поллока появились собственные открытия. В известном смысле нововведения Джексона Поллока, Виллем де Кунинг, Франц Клайн, Марк Ротко, Филип Гастон, Ганс Хофманн, Клиффорд Стилл, Барнетт Ньюман, Ад Рейнхардт, Роберт Мазервелл, Питер Вулкос и другие открыли шлюзы для разнообразия и масштабов всего последующего искусства. Перечитывание абстрактного искусства историками искусства, такими как Линда Нохлин,^[108] Гризельда Поллок^[109] и Катрин де Зегер^[110] критически показать, однако, что женщины-художницы-первопроходцы, внесшие важные новшества в современное искусство, игнорировались официальными отчетами о его истории.

Международные деятели британского искусства

Генри Мур (1898–1986) возникла после Вторая Мировая Война как ведущий британский скульптор. Он был наиболее известен своим полу-Абстрактные монументальные бронзовые скульптуры, которые находятся во всем мире как общественные произведения искусства. Его формы обычно представляют собой абстракции человеческой фигуры, обычно изображающие матери и ребенка или лежащие фигуры, обычно напоминающие женское тело, за исключением периода 1950-х годов, когда он лепил семейные группы. Его формы обычно проткнуты или содержат пустоты.

Генри Мур, Лежащая фигура (1957). Напротив Kunsthaus Zürich, Швейцария.

В 1950-х годах Мур начал получать все более значительные заказы, в том числе полулежа за ЮНЕСКО здание в Париже в 1958 году.^[111] С появлением большего количества публичных произведений искусства масштаб скульптур Мура значительно вырос. Последние три десятилетия жизни Мура продолжались в том же духе: по всему миру прошло несколько крупных ретроспектив, в частности, выдающаяся выставка летом 1972 года на территории Форте ди Бельведере с видом Флоренция. К концу 1970-х годов его работы проходили около 40 выставок в год. В кампусе Чикагский университет в декабре 1967 года, через 25 лет после того, как группа физиков во главе с Энрико Ферми достигли первой управляемой, самоподдерживающейся ядерной цепной реакции, Мура Ядерная энергия был открыт.^[112][113] Также в Чикаго Мур напомнил о науке большими бронзовыми солнечными часами, названными местными жителями. Человек входит в космос (1980), которому было поручено признать исследование космоса программа.^[114]

«Лондонская школа» фигуративных художников, в том числе Френсис Бэкон (1909–1992), Люсьен Фрейд (1922–2011), Франк Ауэрбах (1931 г.р.), Леон Коссофф (1926 г.р.), и Майкл Эндрюс (1928–1995), получили широкое международное признание.^[115]

Фрэнсис Бэкон был британским фигуративным художником ирландского происхождения, известным своими смелыми, графическими и эмоционально сырыми образами.^[116] Его живописные, но абстрактные фигуры обычно кажутся изолированными в стеклянных или стальных геометрических клетках на плоском невзрачном фоне. Бэкон начал рисовать, когда ему было 20 с небольшим, но работал лишь от случая к случаю до середины 30. Его прорыв произошел с 1944 г. триптих Три этюда для фигур у основания распятия что закрепило за ним репутацию уникального безрадостного летописца человеческого положения.^[117] Его продукция может быть грубо описана как состоящая из последовательностей или вариаций одного мотива; начиная с 1940-х годов, когда мужские головы были изолированы в комнатах, с кричащих пап в начале 1950-х годов и с середины до конца 1950-х годов животные и одинокие фигуры, подвешенные в геометрических структурах. За ними последовали его современные вариации распятия в начале 1960-х годов в формате триптиха. С середины 1960-х до начала 1970-х годов Бэкон в основном создавал поразительно сострадательные портреты друзей. После самоубийства его возлюбленного Джорджа Дайера в 1971 году его искусство стало более личным, обращенным внутрь себя и сосредоточенным на темах и мотивах смерти. При жизни Бэкон был в равной степени осужден и приветствовался.^[118]

Люсьен Фрейд был британским художником немецкого происхождения, известным главным образом пропитанный портреты и рисунки, которого многие считали выдающимся британским художником своего времени.^{[119][120][121][122]} Его работы известны своей психологической проницательностью и часто неудобным исследованием отношений между художником и моделью.^[123] По словам Уильяма Граймса из Нью-Йорк Таймс, «Люсьен Фрейд и его современники преобразовали фигурную живопись 20 века. Девушка с белой собакой (1951–1952),^[124] Фрейд поставил живописный язык традиционной европейской живописи на службу антиромантическому, конфронтационному стилю портретной живописи, обнажившему социальный фасад натурщика. Обычные люди - многие из них его друзья - смотрели широко раскрытыми глазами с холста, уязвимые для безжалостного взгляда художника ».^[119]

В 1960-е годы после абстрактного экспрессионизма

В абстрактная живопись в течение 1950-х и 1960-х годов несколько новых направлений, таких как жесткая окраска и другие формы геометрическая абстракция начали появляться в студиях художников и в радикальных авангард круги как реакция на субъективизм абстрактного экспрессионизма. Клемент Гринберг стал голосом пост-живописная абстракция когда он был куратором влиятельной выставки новой живописи, которая посетила важные художественные музеи США в 1964 году. цветное поле покраска, покраска твердой кромкой и лирическая абстракция^[125] возникли как радикально новые направления.

Однако к концу 1960-х гг. постминимализм, искусство процесса и Arte Povera^[126] также возникли как революционные концепции и движения, которые охватывали как живопись, так и скульптуру, через лирическую абстракцию и постминималистическое движение, а в начале концептуальное искусство.^[126] Технологическое искусство, вдохновленное Поллоком, позволило художникам экспериментировать и использовать разнообразную энциклопедию стиля, содержания, материала, размещения, чувства времени, пластика и реального пространства. Нэнси Грейвс, Рональд Дэвис, Говард Ходжкин, Ларри Пунс, Яннис Кунеллис, Брайс Марден, Колин МакКэхон, Брюс Науман, Ричард Таттл, Алан Сарет, Уолтер Дарби Бэннард, Линда Бенглис, Дэн Кристенсен, Ларри Зокс, Ронни Лэндфилд, Ева Гессе, Кейт Сонниер, Ричард Серра, Сэм Гиллиам, Марио Мерц и Питер Регинато были одними из молодых художников, появившихся в эпоху поздний модернизм которые положили начало периоду расцвета искусства конца 1960-х годов.^[127]

Поп-арт

Эдуардо Паолоцци. Я был игрушкой богатого человека (1947) считается первым знаменосцем «поп-арта» и первым, в котором появилось слово «поп».

В 1962 г. Сидни Дженис Галерея смонтирована Новые реалисты, первая крупная поп-арт групповая выставка в художественной галерее на окраине города Нью-Йорка. Янис разместил выставку в магазине на 57-й улице возле своей галереи. Шоу вызвало потрясение в Нью-Йоркская школа и разнесся по всему миру. Ранее в Англии в 1958 году термин «поп-арт» использовался Лоуренс Аллоуэй описать картины, посвященные консьюмеризм эпохи после Второй мировой войны. Это движение отвергало абстрактный экспрессионизм и его ориентацию на герменевтический и психологический интерьер в пользу искусства, которое изображало и часто прославляло материальную культуру потребления, рекламу и иконографию эпохи массового производства. Ранние произведения Дэвид Хокни и работы Ричард Гамильтон и Эдуардо Паолоцци (кто создал новаторский Я был игрушкой богатого человека, 1947) считаются основополагающими примерами в движении. Между тем, в центре Нью-Йорка Ист-Виллидж Галереи 10-й улицы, художники создавали американскую версию поп-арта. Клаас Ольденбург была его витрина, а Зеленая Галерея на 57-й улице начали показывать работы Том Вессельманн и Джеймс Розенквист. Потом Лео Кастелли выставлялись работы других американских художников, в том числе Энди Уорхол и Рой Лихтенштейн на протяжении большей части своей карьеры. Есть связь между радикальными произведениями Марсель Дюшан и Ман Рэймятежный Дадаисты с чувством юмора, а поп-артисты, такие как Клас Ольденбург, Энди Уорхол и Рой Лихтенштейн, чьи картины воспроизводят внешний вид Бен-Дэй точки, техника, используемая в коммерческом воспроизведении.

Минимализм

Минимализм описывает движения в различных формах искусства и дизайна, особенно Изобразительное искусство и Музыка, в котором художники намереваются раскрыть сущность или идентичность предмета, устраняя все несущественные формы, особенности или концепции. Минимализм - это любой дизайн или стиль, в котором используются самые простые и минимальные элементы для создания максимального эффекта.

Как особое направление в искусстве, оно отождествляется с развитием западного искусства после Второй мировой войны, в первую очередь с американским изобразительным искусством 1960-х и начала 1970-х годов. Выдающиеся художники, связанные с этим движением, включают Дональд Джадд, Джон Маккракен, Агнес Мартин, Дэн Флавин, Роберт Моррис, Рональд Бладен, Энн Труитт, и Фрэнк Стелла.^[128] Это проистекает из редуктивных аспектов модернизма и часто интерпретируется как реакция на Абстрактный экспрессионизм и мост к Постминимальный художественные практики. К началу 1960-х минимализм возник как абстрактное направление в искусстве (уходящее корнями в геометрическая абстракция из Казимир Малевич,^[129] то Баухаус и Пит Мондриан), который отверг идею реляционной и субъективной живописи, сложность абстрактный экспрессионист поверхности и эмоциональные дух времени и полемика, присутствующая на арене картина действия. Минимализм утверждал, что крайняя простота может охватить все возвышенное представление, необходимое в искусстве. Минимализм по-разному трактуется как предшественник постмодернизм, или как само движение постмодерна. В последней перспективе ранний минимализм привел к передовым модернистским работам, но движение частично отказалось от этого направления, когда некоторые художники, как Роберт Моррис изменил направление в пользу движение против формы.

Хэл Фостер в своем эссе Суть минимализма,^[130] исследует, в какой степени Дональд Джадд и Роберт Моррис признают и превосходят гринбергский модернизм в своих опубликованных определениях минимализма.^[130] Он утверждает, что минимализм - это не «тупик» модернизма, а «сдвиг парадигмы в сторону постмодернистских практик, которые продолжают развиваться и сегодня».^[130]

Эти термины расширились, чтобы охватить движение в музыке, которое включает такие повторения и повторения, как и в композициях Ла Монте Янг, Терри Райли, Стив Райх, Филип Гласс, и Джон Адамс. Минималистские композиции иногда называют системная музыка. Термин «минимализм» часто в разговорной речи относится ко всему, что лишено или лишено самого необходимого. Он также использовался для описания пьес и романов Сэмюэл Беккет, фильмы Роберт Брессон, рассказы о Раймонд Карвер, и автомобильные конструкции Колин Чепмен.

Постминимализм

Смитсона Спиральный причал с вершины Розел-Пойнт, штат Юта, США, в середине апреля 2005 года. Созданный в 1970 году, он до сих пор существует, хотя часто был затоплен из-за колебания уровня озера. Он состоит примерно из 6500 тонны из базальт, земля и соль.

В конце 1960-х Роберт Пинкус-Виттен^[126] ввел термин "постминимализм«для описания произведенного из минимализма искусства, в котором содержались и контекстуальные оттенки, которые минимализм отвергал. Термин был применен Пинкус-Уиттен к работам Ева Гессе, Кейт Сонниер, Ричард Серра и новые работы бывших минималистов Роберт Смитсон, Роберт Моррис, Сол Левитт, Барри Ле Ва, и другие. Другие минималисты, включая Дональд Джадд, Дэн Флавин, Карл Андре, Агнес Мартин, Джон Маккракен и другие продолжали создавать картины и скульптуру позднего модерна до конца своей карьеры.

С тех пор многие художники приняли минималистичный или постминимальный стиль, и им был присвоен ярлык «Постмодерн».

Коллаж, сборка, инсталляции

Относится к абстрактный экспрессионизм было появлением объединения произведенных предметов с материалами художников, отходом от прежних условностей живописи и скульптуры. Работа Роберт Раушенберг иллюстрирует эту тенденцию. Его «комбайны» 1950-х были предшественниками поп-арт и инсталляция, и использовала совокупность крупных физических объектов, включая чучела животных, птиц и коммерческие фотографии. Раушенберг, Джаспер Джонс, Ларри Риверс, Джон Чемберлен, Клаас Ольденбург, Джордж Сигал, Джим Дайн, и Эдвард Кинхольц были одними из важных пионеров как абстракции, так и поп-арта. Создавая новые условности создания искусства, они сделали приемлемым в серьезных кругах современного искусства радикальное включение в свои произведения маловероятных материалов. Еще одним пионером коллажа был Джозеф Корнелл, чьи более масштабные работы считались радикальными как из-за его личной иконографии, так и из-за его использования найденные объекты.

Нео-дада

В начале 20 века Марсель Дюшан представил на выставку писсуар как скульптура.^[131] Он заявил о своем намерении, чтобы люди смотрели на писсуар, как на произведение искусства, потому что он сказал, что это произведение искусства. Он называл свою работу "готовые". Фонтан был писсуар, подписанный псевдонимом «Р. Матт», выставка которого потрясла мир искусства в 1917 году. Это и другие работы Дюшана обычно называют дадаизмом. Дюшана можно рассматривать как предшественника концептуального искусства, другие известные примеры Джон Кейджс 4′33″, что составляет четыре минуты и тридцать три секунды тишины, а Раушенберг Стертый рисунок де Кунинга. Многие концептуальные работы занимают позицию, согласно которой искусство является результатом того, что зритель рассматривает объект или действует как искусство, а не внутренними качествами самого произведения. Выбрав «обычный предмет жизни» и создав «новую мысль для этого предмета», Дюшан пригласил зрителей посмотреть Фонтан как скульптура.^[132]

Марсель Дюшан отказался от «искусства» в пользу шахматы. Композитор-авангард Дэвид Тюдор создал кусок, Воссоединение (1968), написанная совместно с Лоуэллом Кроссом, в которой представлена ​​шахматная партия, в которой каждый ход вызывает световой эффект или проекцию. Дюшан и Кейдж сыграли в игру на премьере произведения.^[133]

Стивен Бест и Дуглас Келлнер идентифицировать Раушенберга и Джаспер Джонс как часть переходной фазы под влиянием Дюшана между модернизмом и постмодернизмом. Оба использовали изображения обычных предметов или самих предметов в своей работе, сохраняя при этом абстракцию и живописные жесты высокого модернизма.^[134]

Производительность и события

Ив Кляйн в Франция, и Кэрол Шнееманн (на фото), Яёи Кусама, Шарлотта Мурман, и Йоко Оно в Нью-Йорк были пионерами произведений искусства, основанных на перформансе, которые часто сопровождались обнажением тела.^[135]

В конце 1950-х и 1960-х художники с широким кругом интересов начали раздвигать границы современного искусства. Ив Кляйн во Франции, Кэрол Шнееманн, Яёи Кусама, Шарлотта Мурман и Йоко Оно в Нью-Йорке и Йозеф Бойс, Вольф Фостелл и Нам Джун Пайк в Германии были пионерами произведений искусства, основанных на перформансе. Группы вроде Живой театр с Джулиан Бек и Джудит Малина сотрудничал со скульпторами и художниками, создавая среду, радикально меняя отношения между аудиторией и исполнителем, особенно в их произведениях Рай сейчас. В Театр танца Джадсона, расположенный в Мемориальная церковь Джадсона, Нью-Йорк; и танцоры Джадсона, особенно Ивонн Райнер, Триша Браун, Элейн Саммерс, Салли Гросс, Симон Форти, Дебора Хэй, Люсинда Чайлдс, Стив Пакстон и другие; сотрудничал с художниками Роберт Моррис, Роберт Уитмен, Джон Кейдж, Роберт Раушенберги инженеры любят Билли Клювер. Галерея Park Place был центром музыкальных выступлений электронных композиторов Стив Райх, Филип Гласс, и другие известные исполнители, включая Джоан Йонас.

Эти представления были задуманы как произведения нового вида искусства, сочетающие скульптуру, танец и музыку или звук, часто с участием публики. Для них характерны редуктивная философия минимализма и спонтанная импровизация и выразительность абстрактного экспрессионизма. Изображения исполнения Шнееман произведений, предназначенных для шока, иногда используются для иллюстрации этих видов искусства, и ее часто можно увидеть сфотографированной во время исполнения своего произведения. Внутренний свиток. Однако, согласно модернистской философии, связанной с исполнительским искусством, публикация изображений, на которых она исполняет это произведение, является перекрестной целью, поскольку исполнители перформанса полностью отказываются от публикации: сам перформанс является средством. Таким образом, другие медиа не могут иллюстрировать исполнительское искусство; производительность сиюминутная, мимолетная и личная, а не для захвата; представления исполнительского искусства в других средствах массовой информации, будь то изображение, видео, повествование или иным образом, выбирают определенные точки зрения в пространстве или времени или иным образом включают в себя неотъемлемые ограничения каждой среды. Художники отрицают, что записи иллюстрируют перформанс как искусство.

В тот же период различные художники-авангардисты создали События, таинственные и часто спонтанные и незапланированные собрания художников, их друзей и родственников в различных указанных местах, часто включающие упражнения в абсурдности, физичности, костюмах, спонтанной наготе и различных случайных или, казалось бы, несвязанных действиях. Известные создатели событий включены Аллан Капроу- кто впервые использовал этот термин в 1958 году,^[136] Клаас Ольденбург, Джим Дайн, Красные женихи, и Роберт Уитмен.^[137]

Интермедиа, мультимедиа

Еще одно направление в искусстве, связанное с термином «постмодерн», - это совместное использование нескольких различных медиа. Intermedia это термин, придуманный Дик Хиггинс и предназначен для передачи новых форм искусства в духе Fluxus, конкретная поэзия, найденные объекты, исполнительское искусство, и компьютерное искусство. Хиггинс был издателем Something Else Press, конкретный поэт, замужем за художником Элисон Ноулз и поклонник Марсель Дюшан. Ихаб Хасан включает «Интермедиа, слияние форм, смешение миров» в свой список характеристик постмодернистское искусство.^[138] Одной из наиболее распространенных форм «мультимедийного искусства» является использование видеолент и ЭЛТ-мониторов, называемых видеоарт. Хотя теория объединения нескольких видов искусства в одно искусство довольно старая и периодически возрождается, постмодернистское проявление часто сочетается с перформансом, где драматический подтекст удаляется, а остаются конкретные высказывания художника. вопрос или концептуальное изложение их действия.

Fluxus

Fluxus был назван и свободно организован в 1962 году Джордж Мачюнас (1931–1978), американский художник литовского происхождения. Fluxus ведет свое начало от Джон Кейджклассы экспериментальной композиции с 1957 по 1959 г. Новая школа социальных исследований в Нью-Йорке. Многие из его учеников были художниками, работающими в других СМИ, практически без музыкального образования. Среди учеников Кейджа были члены-основатели Fluxus Джексон Мак Лоу, Аль Хансен, Джордж Брехт и Дик Хиггинс.

Компания Fluxus поощряла эстетику самостоятельного изготовления и ценила простоту выше сложности. Нравиться Дадаизм до этого Fluxus включал в себя сильное течение антикоммерциализма и анти-искусство чувствительность, пренебрегая обычным рыночным миром искусства в пользу творческой практики, ориентированной на художника. Художники Fluxus предпочитали работать с любыми материалами, которые были под рукой, и либо создавали свои собственные работы, либо сотрудничали в процессе создания со своими коллегами.

Андреас Хюссен критикует попытки заявить о Флюксусе для постмодернизма как «либо мастер-код постмодернизма, либо как совершенно непредставимое художественное движение - как бы возвышенное постмодернизм».^[139] Вместо этого он считает Флуксуса главным Неодадаист явления в рамках авангардной традиции. Это не было значительным достижением в развитии художественных стратегий, хотя и выражало восстание против «управляемой культуры 1950-х годов, в которой умеренный, прирученный модернизм служил идеологической опорой для общества. Холодная война."^[139]

Поздний период

Брайс Марден, Лоза, 1992–93, холст, масло, 240 на 260 см (8 по 8 ¹⁄₂ футов), Музей современного искусства, Нью-Йорк

Продолжение абстрактный экспрессионизм, окраска цветового поля, лирическая абстракция, геометрическая абстракция, минимализм, абстрактный иллюзионизм, искусство процесса, поп-арт, постминимализми другие модернистские движения конца 20-го века в живописи и скульптуре продолжались в течение первого десятилетия 21-го века и представляют собой радикально новые направления в этих средах.^{[140][141][142]}

На рубеже 21 века известные художники, такие как Сэр Энтони Каро, Люсьен Фрейд, Сай Твомбли, Роберт Раушенберг, Джаспер Джонс, Агнес Мартин, Аль-Хельд, Эллсуорт Келли, Хелен Франкенталер, Фрэнк Стелла, Кеннет Ноланд, Жюль Олицки, Клаас Ольденбург, Джим Дайн, Джеймс Розенквист, Алекс Кац, Филип Перлштейн, и более молодые художники, включая Брайс Марден, Чак Клоуз, Сэм Гиллиам, Исаак Уиткин, Шон Скалли, Махирван Мамтани, Джозеф Нечватал, Элизабет Мюррей, Ларри Пунс, Ричард Серра, Уолтер Дарби Бэннард, Ларри Зокс, Ронни Лэндфилд, Рональд Дэвис, Дэн Кристенсен, Джоэл Шапиро, Том Оттернесс, Джоан Снайдер, Росс Блекнер, Арчи Рэнд, Сьюзан Крайл, и другие продолжали создавать жизненно важные и влиятельные картины и скульптуры.

Модернизм в Африке и Азии

Смотрите также Шантиникетан: создание контекстного модернизма и Хансинканский модернизм

Питер Каллини предполагает, что «модернистские концепции, особенно эстетическая автономия, были фундаментальными для литературы деколонизация в англоязычной Африке ".^[143] По его мнению, Раджат Неоги, Кристофер Окигбо, и Воле Сойинка, были среди авторов, которые «перепрофилировали модернистские версии эстетической автономии, чтобы заявить о своей свободе от колониального рабства, от систем расовой дискриминации и даже от нового постколониального государства».^[144]

Термины «модернизм» и «модернист», по словам ученого Уильяма Дж. Тайлера, «только недавно стали частью стандартного английского дискурса о современной японской литературе, и сомнения относительно их подлинности по сравнению с западноевропейским модернизмом остаются». Тайлер находит это странным, учитывая «безусловно современную прозу» таких «известных японских писателей, как Кавабата Ясунари, Нагаи Кафу, и Дзюнъитиро Танизаки". Однако" ученые в области изобразительного искусства, архитектуры и поэзии охотно приняли "Modanizumu«как ключевая концепция для описания и анализа японской культуры 1920-х и 1930-х годов».^[145] В 1924 году различные молодые японские писатели, в том числе Кавабата и Риичи Йокомицу завел литературный журнал Bungei Jidai («Художественный век»). Этот журнал был "частьюискусство ради искусства«движение под влиянием европейского кубизма, экспрессионизма, дадаизма и других модернистских стилей».^[146]

Японский модернист архитектор Кэндзо Танге (1913–2005) был одним из самых значительных архитекторов ХХ века, сочетая традиционные японские стили с модернизм, и проектирование крупных зданий на пяти континентах. Танге был также влиятельным покровителем Метаболическое движение. Он сказал: "Я думаю, что это было примерно в 1959 году или в начале шестидесятых годов, когда я начал думать о том, что я позже назову структурализм",^[147] С раннего возраста он находился под влиянием швейцарских модернистов, Ле Корбюзье, Танге получил международное признание в 1949 году, когда он выиграл конкурс на дизайн Мемориальный парк мира в Хиросиме.

В Китае "Новые сенсационисты"(新 感觉 派, Xīn Gǎnjué Pài) была группой писателей из Шанхая, которые в 1930-х и 1940-х годах в той или иной степени находились под влиянием западного и японского модернизма. Они писали художественную литературу, которая больше касалась бессознательного и эстетики чем с политикой или социальными проблемами. Среди этих писателей были Му Шиин, Лю Нау, и Ши Чжэцун.

В Индии Группа прогрессивных художников была группа современные художники, в основном базирующиеся в Мумбаи, Индия сформирован в 1947 году. Хотя в нем не было определенного стиля, он синтезировал Индийское искусство с европейскими и североамериканскими влияниями первой половины 20 века, включая постимпрессионизм, кубизм и экспрессионизм.

Различия между модернизмом и постмодернизмом

К началу 1980-х гг. Постмодерн движение в искусстве и архитектуре начало укреплять свои позиции через различные концептуальный и промежуточный форматы.Постмодернизм в музыке и литературе начал распространяться раньше. В музыке постмодернизм описывается в одном справочнике как «термин, введенный в 1970-е годы».^[148] а в британской литературе Оксфордская энциклопедия британской литературы видит, что модернизм «уступает свое господство постмодернизму» еще в 1939 году.^[96] Однако даты весьма спорны, тем более что по мнению Андреас Хюссен: «Постмодернизм одного критика - модернизм другого критика».^[149] Сюда входят те, кто критически относится к разделению между ними, рассматривает их как два аспекта одного и того же движения и считает, что поздний модернизм продолжается.^[149]

Модернизм - это всеобъемлющий ярлык для самых разных культурных движений. Постмодернизм по сути, это централизованное движение, получившее название на основе социально-политической теории, хотя этот термин сейчас используется в более широком смысле для обозначения деятельности, начиная с 20-го века и далее, которые демонстрируют осознание и переосмысление современного.^{[150][151][152]}

Постмодернистская теория утверждает, что попытка канонизировать модернизм «постфактум» обречена на бесспорные противоречия.^[153]

В более узком смысле то, что было модерном, не обязательно было постмодерном. Те элементы модернизма, которые подчеркивали преимущества рациональности и социально-технического прогресса, были только модернистами.^[154]

Критика и враждебность модернизма

Эта секция нужны дополнительные цитаты для проверка. Пожалуйста помоги улучшить эту статью к добавление цитат в надежные источники. Материал, не полученный от источника, может быть оспорен и удален. (Январь 2013) (Узнайте, как и когда удалить этот шаблон сообщения)

Франц Марк, Судьба животных, 1913 г., холст, масло. Работа экспонировалась на выставке "Entartete Kunst" («дегенеративное искусство») в Мюнхен, нацистская Германия, 1937.

Акцент модернизма на Свобода выражения, эксперименты, радикализм, и примитивизм игнорирует обычные ожидания. Во многих формах искусства это часто означало поразить и оттолкнуть публику причудливыми и непредсказуемыми эффектами, как, например, в странных и тревожных комбинациях мотивов в Сюрреализм или использование крайних диссонанс и атональность в модернистской музыке. В литературе это часто связано с отказом от внятных сюжетов или характеристиками в романах или созданием поэзии, не поддающейся ясному толкованию.

С 1932 г. социалистический реализм начал вытеснять модернизм в Советском Союзе;^[90] он ранее одобрил Футуризм и Конструктивизм. В Нацистский правительство Германии считало модернизм нарциссический и бессмысленный, а также «еврейский» (см. Антисемитизм) и «негр».^[155] Нацисты выставляли модернистские картины рядом с работами психически больной на выставке под названием "Дегенеративное искусство". Обвинения в" формализме "могли привести к концу карьеры или даже хуже. По этой причине многие модернисты послевоенного поколения считали себя самым важным оплотом против тоталитаризма,"канарейка в угольной шахте", чьи репрессии со стороны правительства или другой группы с предполагаемой властью представляли собой предупреждение об угрозе личным свободам. Луи А. Сасс сравнил безумие, в частности шизофрения, и модернизм в менее фашистской манере, отмечая их общие дизъюнктивные повествования, сюрреалистические образы и непоследовательность.^[156]

Фактически модернизм процветал в основном в потребительских / капиталистических обществах, несмотря на то, что его сторонники часто отвергали сам потребительский подход. Тем не мение, высокий модернизм начал сливаться с потребительской культурой после Второй мировой войны, особенно в 1960-е годы. В Британии молодежь субкультура возникла, называя себя "модернист" (обычно сокращается до Мод), вслед за такими представительными музыкальными группами, как ВОЗ и перегибы. Подобные Боб Дилан, Серж Генсбур и катящиеся камни объединил популярные музыкальные традиции с модернистскими стихами, переняв литературные приемы, полученные из Джеймс Джойс, Сэмюэл Беккет, Джеймс Тербер, Т. С. Элиот, Гийом Аполлинер, Аллен Гинзберг, и другие. Битлз развивались в том же духе, создавая различные модернистские музыкальные эффекты на нескольких альбомах, в то время как музыканты, такие как Фрэнк Заппа, Сид Барретт и Капитан Бифхарт оказался еще более экспериментальным. Модернистские устройства также начали появляться в популярном кино, а позже и в музыкальных клипах. Модернистский дизайн также начал входить в мейнстрим популярной культуры, поскольку стали популярными упрощенные и стилизованные формы, часто связанные с мечтами о космическая эра будущее высоких технологий.

Это слияние потребительской и высокой версий модернистской культуры привело к радикальной трансформации значения термина «модернизм». Во-первых, это подразумевало, что движение, основанное на отказе от традиции, стало отдельной традицией. Во-вторых, он продемонстрировал, что различие между элитарной модернистской и массовой потребительской культурой потеряло свою точность. Некоторые писатели^[ВОЗ?] заявил, что модернизм стал настолько институционализированным, что стал «пост-авангардом», указывая на то, что он утратил свою силу как революционное движение. Многие интерпретировали эту трансформацию как начало фазы, которая стала известна как постмодернизм. Для других, например, искусствоведа Роберт Хьюз, постмодернизм представляет собой расширение модернизма.

«Антимодернистские» или «контрмодернистские» движения стремятся подчеркнуть холизм, подключение и духовность как лекарство или противоядие от модернизма. Такие движения рассматривают модернизм как редукционист, и, следовательно, при неспособности видеть системные и возникающий последствия. К этой точке зрения пришли многие модернисты, например Пол Хиндемит в его позднем повороте к мистицизму. Такие писатели, как Пол Х. Рэй и Шерри Рут Андерсон, в Культурные творцы: как 50 миллионов человек меняют мир (2000), Фредерик Тернер в Культура надежды и Лестер Браун в План B, сформулировали критику основной идеи самого модернизма - что индивидуальное творческое выражение должно соответствовать реалиям технологий. Вместо этого, утверждают они, индивидуальное творчество должно делать повседневную жизнь более эмоционально приемлемой.

Некоторым художникам-традиционалистам нравится Александр Стоддарт отвергают модернизм в целом как продукт «эпохи фальшивых денег, соединенных с фальшивой культурой».^[157]

В некоторых областях влияние модернизма осталось более сильным и стойким, чем в других. Визуальное искусство наиболее полно порвало со своим прошлым. В большинстве крупных столиц есть музеи, посвященные современному искусству в отличие от пост-эпоха Возрождения искусство (ок. 1400 - ок. 1900). Примеры включают музей современного искусства в Нью-Йорке Тейт Модерн в Лондоне, а Центр Помпиду в Париже. Эти галереи не делают различий между модернистской и постмодернистской фазами, рассматривая их как развитие современного искусства.

Смотрите также

Сноски

Рекомендации

Источники

• Джон Барт (1979) Литература пополнения, позже переизданный в Пятничная книга (1984).
• Эко, Умберто (1990) Устный перевод сериалов в Пределы интерпретации, стр. 83–100, выдержка
• Эверделл, Уильям Р. (1997) Первые современники: очертания истоков мысли XX века (Чикаго: Издательство Чикагского университета).
• Джеральд Графф (1973) Миф о постмодернистском прорыве, TriQuarterly, 26 (Зима, 1973) 383–417; представитель Роман сегодня: современные писатели современной фантастики Малкольм Брэдбери, изд. (Лондон: Фонтана, 1977); перепечатано в Proza Nowa Amerykanska, ed., Szice Krytyczne (Варшава, Польша, 1984); перепечатано в Постмодернизм в американской литературе: критическая антология, Манфред Пуц и Питер Фриз, ред. (Дармштадт: Thesen Verlag, 1984), 58–81.
• Джеральд Графф (1975) Бэббит в бездне: социальный контекст постмодерна. Американская фантастика, TriQuarterly№ 33 (весна 1975 г.), стр. 307–337; перепечатано в Putz and Freese, eds., Postmodernism and American Literature.
• Ортон, Фред и Поллок, Гризельда (1996) Обзор авангарда и партизан, Манчестерский университет.
• Штайнер, Джордж (1998) После Вавилона, гл.6 Топологии культуры, 3-е исправленное издание
• Арт Берман (1994) Предисловие к модернизму, University of Illinois Press.

дальнейшее чтение

внешняя ссылка

Искать модернизм в Викисловаре, бесплатном словаре.

Викискладе есть медиафайлы по теме Модернизм.

• Баллард, Дж. Г., по модернизму.
• Дензер, Энтони С., доктор философии, Мастера модернизма.
• Хоппе, Э., фотограф, Эдвардианские модернисты.
• Болезнь письма. Модернизм, под который можно танцевать Интернет-радио-шоу, представляющее юмористическую версию модернизма
• Лаборатория модернизма в Йельском университете
• Модернизм / Современность, официальное издание Ассоциация модернистских исследований
• Модернизм против постмодернизма
• Энциклика Папы Пия X Pascendi, в которой он определяет модернизм как «синтез всех ересей».