WikiDer > Скульптура - Википедия

Sculpture - Wikipedia
«Скульптор» перенаправляется сюда. Для использования в других целях см. Скульптор (значения) и Скульптура (значения).
«Скульптура» перенаправляется сюда. О скульптуре в компьютерной графике см. Цифровая скульптура.
"Sculpt" перенаправляется сюда. О фильме 2016 года см. Скульпт (фильм).
Умирающая Галлия, или же Капитолийская Галлия[1] римская мраморная копия Эллинистический работа конца III века до н.э. Капитолийские музеи, Рим
Ассирийский Ламассу страж ворот из Хорсабад, около 800–721 гг. до н. э.
Микеланджелос Моисей, (ок. 1513–1515), Сан-Пьетро-ин-Винколи, Рим, для могилы Папа Юлий II
Netsuke тигрицы с двумя детенышами, Япония, середина 19 века, слоновая кость с инкрустацией из ракушек
Ангел севера к Энтони Гормли, 1998

Скульптура это филиал Изобразительное искусство что работает в три измерения. Это один из пластические искусства. Первоначально использовались прочные скульптурные процессы резьба (удаление материала) и лепка (добавление материала, например, глины), в камень, металл, керамика, дерево и другие материалы, но, поскольку Модернизм, была почти полная свобода материалов и процессов. Путем снятия можно обрабатывать широкий спектр материалов, например, резьба, сборка сварка или моделирование, или формованный или же В ролях.

Скульптура из камня сохраняется намного лучше, чем произведения искусства из скоропортящихся материалов, и часто представляет собой большинство сохранившихся произведений (кроме керамика) из древних культур, хотя традиции скульптуры из дерева, возможно, почти полностью исчезли. Однако самая древняя скульптура была ярко раскрашена, а она утеряна.[2]

Скульптура занимала центральное место в религиозном культе во многих культурах, и до недавних столетий большие скульптуры, слишком дорогие для создания частных лиц, обычно были выражением религии или политики. Те культуры, скульптуры которых сохранились в большом количестве, включают культуры древнего Средиземноморья, Индии и Китая, а также многие культуры Центральной и Южной Америки и Африки.

В Западный традиция скульптуры началась в древняя Греция, а Греция считается производящей великие шедевры в классический период. Вовремя Средний возраст, Готика скульптура олицетворяла агонию и страсти христианской веры. Возрождение классических моделей в эпоха Возрождения произвел известные скульптуры, такие как Микеланджелос Дэйвид. Модернистская скульптура отошла от традиционных процессов и акцента на изображении человеческого тела с созданием построенная скульптура, и представление найденные объекты как готовые художественные работы.

Типы

Основное различие заключается между скульптурами в круглой, отдельно стоящей скульптуре, такой как статуи, не прикреплены (кроме, возможно, у основания) к какой-либо другой поверхности, и различные типы облегчение, которые хотя бы частично прикреплены к фоновой поверхности. Рельеф часто классифицируют по степени выступа от стены на низкий или низкий. барельеф, горельеф, а иногда и промежуточный средний рельеф. Затонувший рельеф это техника, ограниченная древний Египет. Рельеф - обычная скульптурная среда для больших групп фигур и повествовательных сюжетов, которую трудно выполнить в раунде, и является типичной техникой, используемой как для архитектурная скульптура, который прикрепляется к зданиям, а также к мелкой скульптуре, украшающей другие объекты, как и во многих керамика, слесарные работы и украшения. Рельефная скульптура также может украсить стелывертикальные плиты, обычно из камня, часто также содержащие надписи.

Другое основное различие заключается между методами субтрактивной резьбы, при которых материал удаляется из существующего блока или куска, например, камня или дерева, и методами моделирования, которые формируют или создают произведение из материала. Такие методы, как Кастингпри штамповке и формовке используется промежуточная матрица, содержащая дизайн для производства работы; многие из них позволяют производить несколько копий.

Буддист под открытым небом наскальные рельефы на Гроты Лунмэнь, Китай

Термин «скульптура» часто используется в основном для описания крупных произведений, которые иногда называют монументальная скульптура, что означает одну или обе скульптуры, большие или прикрепленные к зданию. Но этот термин правильно охватывает многие типы небольших произведений в трех измерениях с использованием тех же техник, включая монеты и медали, резьба по камню, термин, обозначающий резные фигурки на камне, требующие детальной обработки.

Очень большая или «колоссальная» статуя пользовалась неизменной популярностью с тех пор, как древность; то самый большой за всю историю на высоте 182 м (597 футов) - индийский Статуя единства. Еще одна грандиозная форма портретной скульптуры - это конная статуя всадника на лошади, что стало редкостью в последние десятилетия. Самые маленькие формы портретной скульптуры в натуральную величину - это «голова», показывающая именно это, или бюст, изображение человека от груди вверх. Малые формы скульптуры включают фигурка, как правило, статуя высотой не более 18 дюймов (46 см), а для рельефов плакетка, медаль или монета.

Современное искусство добавило ряд нетрадиционных форм скульптуры, в том числе звуковая скульптура, световая скульптура, экологическое искусство, экологическая скульптура, скульптура уличного искусства, кинетическая скульптура (включая аспекты физическое движение), лэнд-арт, и сайт-специфическое искусство. Скульптура - важная форма публичное искусство. Собрание скульптуры в саду можно назвать сад скульптур.

Цели и предметы

Моаи из Остров Пасхи, где концентрация ресурсов на больших скульптурах могла иметь серьезные политические последствия.

Одна из самых распространенных целей скульптуры - это некоторая форма ассоциации с религией. Культовые образы распространены во многих культурах, хотя часто они не являются колоссальными статуями божеств, характерными для древнегреческое искусство, словно Статуя Зевса в Олимпии. Актуальные культовые образы в сокровенных святилищах Египетские храмы, из которых ни один не сохранился, очевидно, были довольно маленькими даже в самых больших храмах. То же самое часто бывает в индуизм, где очень простая и древняя форма лингам самый распространенный. буддизм привезла скульптуру религиозных деятелей в Восточную Азию, где, похоже, не существовало ранее эквивалентной традиции, хотя опять же простые формы, такие как би и конг вероятно, имел религиозное значение.

Маленькие скульптуры как личные вещи восходят к самому раннему доисторическому искусству, а использование очень больших скульптур как публичное искусство, особенно чтобы произвести впечатление на зрителя силой правителя, восходит, по крайней мере, к Большой сфинкс около 4500 лет назад. В археология и история искусства: появление, а иногда и исчезновение больших или монументальных скульптур в культуре считается очень важным, хотя прослеживание появления часто затрудняется предполагаемым существованием скульптуры из дерева и других скоропортящихся материалов, о которых не сохранилось никаких записей;[3]

В тотем является примером традиции монументальной скульптуры из дерева, которая не оставит следов для археологии. Способность мобилизовать ресурсы для создания монументальной скульптуры, перевозя обычно очень тяжелые материалы и устраивая оплату работы скульпторов, работающих на полную ставку, считается признаком относительно продвинутой культуры с точки зрения социальной организации. Недавние неожиданные открытия древних китайцев Бронзовый век цифры на Sanxingdui, некоторые из них более чем в два раза больше человеческого роста, нарушили многие представления о ранней китайской цивилизации, поскольку ранее были известны только изделия из бронзы гораздо меньшего размера.[4]

Некоторые несомненно передовые культуры, такие как Цивилизация долины Инда, похоже, вообще не имели монументальной скульптуры, хотя производили очень сложные статуэтки и печати. В Миссисипская культура Похоже, что когда он рухнул, его начали использовать с небольшими каменными фигурами. Другие культуры, такие как Древний Египет и Культура острова Пасхи, похоже, с самого начала тратили огромные ресурсы на создание очень крупномасштабной монументальной скульптуры.

Медаль Иоанна VIII Палеолога, c. 1435 г., автор Пизанелло, первая портретная медаль, носитель, созданный, по сути, для коллекционирования.

Коллекционирование скульптур, в том числе более ранних периодов, насчитывает около 2000 лет в Греции, Китае и Мезоамерике, и многие коллекции были доступны на полупубличной демонстрации задолго до современного музей было изобретено. С 20-го века относительно ограниченный круг предметов, обнаруженных в большой скульптуре, значительно расширился, с абстрактными предметами и использованием или представлением любого типа предмета, которые стали обычными. Сегодня большая часть скульптур изготавливается для периодической демонстрации в галереях и музеях, и возможность транспортировки и хранения все более крупных работ является важным фактором при их строительстве. Маленькая декоративная статуэтки, чаще всего в керамике, сегодня так же популярны (хотя, как ни странно, игнорируются современное и Современное искусство) как они были в Рококо, или в Древней Греции, когда Фигурки танагры были крупной промышленностью, или в Восточной Азии и Доколумбовое искусство. Небольшая скульптурная фурнитура для мебели и других предметов уходит корнями в древность, как в Нимруд слоновая кость, Беграм слоновая кость и находки из могилы Тутанхамон.

Портретная скульптура началась в Египте, где Палитра Нармер показывает правителя 32-го века до нашей эры, и Месопотамия, где у нас осталось 27 выживших статуи Гудеа, кто правил Лагаш c. 2144–2124 гг. До н. Э. В Древней Греции и Риме установка портретной статуи в общественном месте была почти высшим знаком чести и честолюбием элиты, которая также могла быть изображена на монете.[5] В других культурах, таких как Египет и Ближний Восток, публичные статуи были почти исключительно прерогативой правителя, а других богатых людей изображали только в их могилах. Правители, как правило, единственные люди, которым дают портреты в доколумбовых культурах, начиная с Колоссальные головы ольмеков около 3000 лет назад. Восточноазиатская портретная скульптура была полностью религиозной: высшее духовенство поминалось статуями, особенно основателей монастырей, но не правителей или предков. Средиземноморская традиция возродилась, первоначально только для изображений гробниц и монет, в средние века, но значительно расширилась в эпоху Возрождения, когда были изобретены новые формы, такие как персональный портрет. медаль.

Животные, изображающие человеческую фигуру, являются одним из первых объектов скульптуры, и всегда были популярными, иногда реалистичными, но часто воображаемыми монстрами; в Китае животные и монстры - почти единственные традиционные предметы для каменных скульптур за пределами гробниц и храмов. Царство растений важно только в украшениях и декоративных рельефах, но они составляют почти всю большую скульптуру Византийское искусство и Исламское искусство, и очень важны в большинстве евразийских традиций, где такие мотивы, как пальметта и свиток виноградной лозы проходил на восток и запад на протяжении более двух тысячелетий.

Одна из форм скульптуры, встречающаяся во многих доисторических культурах по всему миру, - это специально увеличенные версии обычных инструментов, оружия или сосудов, созданные из непрактичных драгоценных материалов, для той или иной формы церемониального использования или демонстрации или в качестве подношений. Нефрит или другие типы Greenstone использовались в Китае, Ольмек Мексика и Неолитическая Европа, а в ранней Месопотамии большие керамические изделия изготавливались из камня. Бронза использовалась в Европе и Китае для изготовления больших топоров и лезвий, таких как Оксборо Дирк.

Материалы и техники

Шумерский прихожанин, алебастр с глазами-ракушками, 2750−2600 гг. до н. э.

Материалы, используемые в скульптуре, разнообразны и меняются на протяжении всей истории. Классическими материалами, обладающими исключительной прочностью, являются металл, особенно бронза, камень и керамика, дерево, кость и рог менее прочные, но более дешевые варианты. Драгоценные материалы, такие как золото, серебро, нефрит, и слоновая кость часто используются для небольших роскошных работ, а иногда и для более крупных, как в хризелефантин статуи. Более распространенные и менее дорогие материалы использовались для скульптуры для более широкого потребления, в том числе лиственных пород (Такие как дуб, ящик / самшит, и известь / липа); терракота и другие керамика, воск (очень распространенный материал для моделей для литья и получения слепков уплотнения цилиндров и гравированные драгоценные камни), а также литые металлы, такие как оловянный и цинк (спелтер). Но огромное количество других материалов использовалось как часть скульптуры, в этнографических и древних работах, а также в современных.

Скульптуры часто нарисованный, но обычно теряют краску от времени или реставраторов. При создании скульптуры использовалось множество различных техник живописи, в том числе темпера, картина маслом, позолота, домашняя краска, аэрозоль, эмаль и пескоструйная обработка.[2][6]

Многие скульпторы ищут новые способы и материалы для создания искусства. Один из Пабло Пикассовключены самые известные скульптуры велосипед части. Александр Колдер и другие модернисты эффектно использовали роспись стали. С 1960-х гг. акрил и другие пластмассы также использовались. Энди Голдсуорси создает свои необычайно эфемерные скульптуры из почти полностью натуральных материалов в естественной обстановке. Некоторые скульптуры, такие как ледяная скульптура, скульптура из песка, и газовая скульптура, намеренно недолговечен. Недавние скульпторы использовали витраж, инструменты, детали машин, оборудование и потребительская упаковка для оформления их работ. Скульпторы иногда используют найденные объекты, и Скалы китайского ученого ценились на протяжении многих веков.

Камень

Современная реконструкция оригинальной росписи позднеархаической греческой мраморной фигуры из Храм Афайина основе анализа следов пигмента,[7] c. 500 г. до н. Э.

Каменная скульптура это древний вид деятельности, где кусочки грубого природного камень сформированы контролируемое удаление камня. Благодаря постоянству материала можно найти доказательства того, что даже самые ранние общества занимались той или иной формой каменных работ, хотя не во всех частях мира есть такое изобилие хорошего камня для резьбы, как в Египте, Греции, Индии и большей части Европы. . Петроглифы (также называемые наскальными рисунками), возможно, самая ранняя форма: изображения, созданные путем удаления части поверхности камня, которая остается на местенадрезанием, расклевыванием, резьбой и шлифовкой. Монументальная скульптура охватывает большие работы, и архитектурная скульптура, который пристроен к постройкам. Резьба по твердому камню резьба для художественных целей полудрагоценный камни, такие как нефрит, агат, оникс, горный хрусталь, сард или же сердолик, и общий термин для объекта, изготовленного таким образом. Алебастр или минерал гипс это мягкий минерал, который легко вырезать для небольших работ, но при этом относительно прочный. Гравированные драгоценные камни небольшие резные драгоценные камни, в том числе камеи, первоначально использовался как уплотнительные кольца.

Копирование оригинальной статуи в камне, что было очень важно для древнегреческих статуй, которые почти все известны по копиям, традиционно достигалось "указывая", наряду с другими методами от руки. Указание включало установку сетки из квадратов струн на деревянной рамке вокруг оригинала, а затем измерение положения на сетке и расстояния между сеткой и статуей ряда отдельных точек, а затем использование эту информацию нужно вырезать в блоке, из которого сделана копия.[8]

Металл

Людвиг Гис, чугун плакетка, 8 х 9,8 см, Беженцы, 1915

Бронза и связанные медные сплавы самые старые и все еще самые популярные металлы для В ролях металл скульптуры; в ролях бронзовая скульптура часто называют просто «бронзой». Обычные бронзовые сплавы обладают необычным и желательным свойством небольшого расширения непосредственно перед схватыванием, таким образом заполняя мельчайшие детали формы. Их прочность и отсутствие хрупкости (пластичности) является преимуществом при создании фигур в действии, особенно по сравнению с различными керамика или каменные материалы (см. мраморная скульптура для нескольких примеров). Золото это самый мягкий и самый драгоценный металл, очень важный в украшения; с серебро он достаточно мягкий, чтобы его можно было обрабатывать молотком и другими инструментами, а также литьем; репуссе и погоня среди техник, используемых в золоте и серебряное дело.

Кастинг представляет собой группу производственных процессов, при которых жидкий материал (бронза, медь, стекло, алюминий, железо) (обычно) выливается в форму, которая содержит полую полость желаемой формы, а затем дает возможность затвердеть. Затем твердую отливку выталкивают или разбивают, чтобы завершить процесс.[9] хотя может последовать заключительный этап «холодной обработки» готового слепка. Литье можно использовать для формования горячих жидких металлов или различных материалов, которые холодный набор после смешивания компонентов (например, эпоксидные смолы, конкретный, штукатурка и глина). Литье чаще всего используется для изготовления сложных форм, которые в противном случае было бы трудно или неэкономично изготовить другими методами. Самая старая из сохранившихся отливок - медная месопотамская лягушка, датируемая 3200 годом до нашей эры.[10] Конкретные методы включают литье по выплавляемым моделям, отливка из гипса и литье в песок.

Сварка это процесс, в котором разные металлические части соединяются вместе для создания разных форм и дизайнов. Есть много разных форм сварки, например Кислородно-топливная сварка, Сварка палкой, Сварка MIG, и Сварка TIG. Кислородно-топливная смесь, вероятно, является наиболее распространенным методом сварки, когда дело доходит до создания стальных скульптур, потому что его проще всего использовать для придания формы стали, а также для создания чистых и менее заметных стыков стали. Ключ к кислородно-топливной сварке - нагревать каждый кусок металла, который нужно равномерно соединить, пока все не станут красными и не начнут сиять. Как только этот блеск появится на каждой детали, этот блеск скоро превратится в «лужу», в которой металл разжижается, и сварщик должен заставить бассейны соединиться вместе, сплавив металл. После охлаждения место соединения бассейнов теперь представляет собой сплошной кусок металла. Также при создании кислородно-топливных скульптур активно используется ковка. Ковка - это процесс нагрева металла до определенной точки, чтобы он стал достаточно мягким, чтобы придать ему различные формы. Один очень распространенный пример - нагревание конца стального стержня и удары молотком по красному нагретому наконечнику, находясь на наковальне, чтобы образовать острие. Между ударами молотка кузнечный станок вращает стержень и постепенно образует заостренный конец из тупого конца стального стержня.

Стекло

Дейл Чихули, 2006, (Выдувное стекло)

Стекло может использоваться для скульптуры с помощью широкого диапазона рабочих техник, хотя его использование для больших работ - недавнее развитие. Его можно вырезать с большим трудом; римский Кубок Ликурга почти уникален.[11] Горячее литье может быть выполнено путем заливки расплавленного стекла в формы, которые были созданы путем прессования форм в песок, резной графит или подробные формы из гипса / кремнезема. Литье стекла в печи включает нагревание кусков стекла в печи до тех пор, пока они не станут жидкими и не потекут в форму для ожидания под ним в печи. Стекло также можно выдувать и / или горячим способом лепить с помощью ручных инструментов либо в виде твердой массы, либо в виде части выдутого объекта. Более современные методы включают долбление и склеивание листового стекла с полимерными силикатами и УФ-светом.[12]

Резной деревянный Бодхисаттва из Китая Династия Сун 960–1279, Шанхайский музей

Керамика

Керамика - один из древнейших материалов для скульптуры, а также глина - среда, в которой многие скульптуры, отлитые из металла, изначально моделируются для литья. Скульпторы часто создают небольшие предварительные работы, называемые макеты эфемерных материалов, таких как гипс, воск, необожженная глина или пластилин.[13] Многие культуры производят керамику, которая сочетает в себе функцию сосуда со скульптурной формой и небольшую статуэтки часто были так же популярны, как и в современной западной культуре. Штампы и формы использовались древнейшими цивилизациями, начиная с древний Рим и Месопотамии в Китай.[14]

Резьба по дереву

Деталь Распятия Иисуса Христа, испанский, дерево и полихромия, 1793 год.

Резьба по дереву чрезвычайно широко применяется, но приживается гораздо хуже, чем другие основные материалы, поскольку они уязвимы для разложения, повреждения насекомыми и пожара. Поэтому он является важным скрытым элементом в истории искусства многих культур.[3] Деревянная скульптура на открытом воздухе в большинстве частей света длится недолго, поэтому мы мало знаем, как тотем традиция развивалась. Многие из самых важных скульптур Китая и Японии, в частности, сделаны из дерева, и подавляющее большинство Африканская скульптура и что из Океания и другие регионы.

Дерево легкое, поэтому подходит для масок и других скульптур, предназначенных для переноски, и может воспринимать очень мелкие детали. Кроме того, работать с ним намного проще, чем с камнем. Его очень часто красили после резьбы, но краска изнашивается хуже, чем дерево, и часто отсутствует в сохранившихся частях. Окрашенную древесину часто называют «деревом и полихромия". Обычно слой левкас либо на дерево наносится штукатурка, а затем на нее наносится краска.

Социальный статус скульпторов

Нюрнберг скульптор Адам Крафт, автопортрет из Церковь Святого Лоренца, 1490-е гг.

Во всем мире скульпторами обычно были торговцы, чьи работы не подписаны; в некоторых традициях, например в Китае, где скульптура не разделяла престиж литература живопись, это сказалось на статусе самой скульптуры.[15] Даже в древняя Греция, где скульпторы, такие как Фидий стали известными, они, кажется, сохранили тот же социальный статус, что и другие ремесленники, и, возможно, не намного больше финансового вознаграждения, хотя некоторые подписывали свои работы.[16] в Средний возраст художники, такие как 12 век Гислеберт иногда подписывали свои работы, и их искали разные города, особенно из Треченто и далее в Италии, с такими цифрами, как Арнольфо ди Камбио, и Никола Пизано и его сын Джованни. Ювелиры и ювелиры, работавшие с драгоценными материалами и часто выступавшие в роли банкиров, принадлежали к могущественным гильдии и имел значительный статус, часто занимая гражданскую должность. Многие скульпторы также занимались другими видами искусства; Андреа дель Верроккьо тоже нарисовал, и Джованни Пизано, Микеланджело и Якопо Сансовино мы архитекторы. Некоторые скульпторы содержали большие мастерские. Даже в эпоху Возрождения физическая природа произведения воспринималась Леонардо да Винчи и другими как снижение статуса скульптуры в искусстве, хотя репутация Микеланджело, возможно, положила конец этой давней идее.

От Высокое Возрождение такие художники, как Микеланджело, Леоне Леони и Джамболонья мог стать богатым, облагороженным и войти в круг князей после периода острых споров по поводу относительного статуса скульптуры и живописи.[17] Большая часть декоративной скульптуры на зданиях оставалась ремеслом, но скульпторы, создававшие отдельные части, были признаны наравне с художниками. С XVIII века или раньше скульптура также привлекала студентов из среднего класса, хотя это происходило медленнее, чем живопись. Женщины-скульпторы появлялись дольше, чем женщины-художники, и были менее заметными до 20-го века.

Анти-скульптурные движения

Аниконизм оставался ограниченным Иудаизм, который не принимал фигуративную скульптуру до 19 века,[18] перед расширением до Раннее христианство, который изначально принимал большие скульптуры. В христианстве и буддизме скульптура приобрела большое значение. Христианин Восточное православие никогда не принимал монументальную скульптуру, и ислам последовательно отвергает почти всю фигуративную скульптуру, за исключением очень маленьких фигур в рельефах и некоторых фигур животных, которые выполняют полезную функцию, например, знаменитых львов, поддерживающих фонтан в Альгамбра. Многие формы Протестантизм также не одобряют религиозную скульптуру. Было много иконоборчество скульптуры из религиозных мотивов, от ранних христиан, Beeldenstorm из Протестантская реформация к разрушению 2001 г. Будды Бамиана посредством Талибан.

История

Доисторические периоды

Европа

Венера из Холе Фельс (также известный как Венера Шелклингенская; является Верхний палеолит Фигурка Венеры высечен из слоновой кости из мамонт бивень найдено в 2008 году рядом Schelklingen, Германия. Он датируется 35-40 000 лет назад и относится к раннему Ориньяк, в самом начале Верхний палеолит, что связано с предполагаемым самым ранним присутствием Homo sapiens в Европа (Кроманьонец). Вместе с Löwenmensch, это старейший бесспорный пример Верхнепалеолитическое искусство и образный доисторическое искусство в целом.

Самые ранние бесспорные образцы скульптуры относятся к Ориньякская культура, который был расположен в Европе и Юго-Западной Азии и действовал в начале Верхний палеолит. А также производит некоторые из самых ранних известных пещерное искусстволюди этой культуры разработали искусно обработанные каменные орудия труда, изготовили кулоны, браслеты, бусы из слоновой кости и костяные флейты, а также трехмерные фигурки.[19][20]

30 см высотой Löwenmensch найденный в районе Hohlenstein Stadel в Германии, антропоморфный фигура человека-льва, вырезанная из шерстистый мамонт слоновая кость. Он был датирован примерно 35–40 тысячами лет. БП, делая его вместе с Венера из Холе Фельс, старейший известный неоспоримый образец изобразительного искусства.[21]

Много выживает доисторическое искусство небольшие переносные скульптуры, с небольшой группой женских Фигурки Венеры такой как Венера Виллендорфская (24–26,000 BP) встречается по всей Центральной Европе.[22] В Плавательный олень около 13000 лет назад является одним из лучших из многих Магдаленский резьба по кости или рогам животных в искусство верхнего палеолита, хотя их меньше, чем гравированных частей, которые иногда классифицируются как скульптуры.[23] Две из самых больших доисторических скульптур можно найти на Пещеры Тюк д'Одобер во Франции, где около 12–17000 лет назад мастерский скульптор использовал похожий на шпатель каменный инструмент и пальцы, чтобы слепить пару больших бизонов из глины на фоне известняковой скалы.[24]

С началом Мезолит в Европе фигуративная скульптура сильно уменьшилась,[25] и оставался менее распространенным элементом в искусстве, чем рельефное украшение практических предметов до римского периода, несмотря на некоторые работы, такие как Котел Gundestrup от Европейский железный век и бронзовый век Солнечная колесница Трундхольма.[26]

Древний Ближний Восток

От древний Ближний Восток, камень сверх натурального размера Урфа Ман из современных индюк происходит примерно с 9000 г. до н.э., а Статуи Айн Газаль примерно с 7200 по 6500 гг. до н. э. Это из современных Иордания, изготовленные из известкового гипса и тростника, размером примерно половину натурального размера; там 15 статуй, некоторые с двумя головами рядом, и 15 бюстов. Маленькие глиняные фигурки людей и животных можно найти во многих местах на Ближнем Востоке от Докерамический неолит, и представляют собой начало более или менее продолжительной традиции в регионе.

Древний Ближний Восток

Основные статьи: Искусство Месопотамии, Ассирийская скульптура, и Персидское искусство
Цилиндровое уплотнение с оттиском на глине; серпопарды и орлы, период Урук, 4100–3000 гг. до н. э.

В Протолитический период в Месопотамия, доминировать над Урук, видел производство сложных работ, таких как Варка Ваза и уплотнения цилиндров. В Геннол Львица выдающийся маленький известняк фигура из Элам приблизительно 3000–2800 гг. до н.э., наполовину человек, наполовину львица.[27] Чуть позже появляется ряд фигур большеглазых священников и прихожан, в основном из алебастра и высотой до фута, которые посещали храм. культовые образы божества, но очень немногие из них сохранились.[28] Скульптуры из Шумерский и Аккадский у мужчин обычно были большие, пристальные глаза и длинные бороды. Многие шедевры также были найдены на Королевском кладбище в Ура (ок. 2650 г. до н.э.), включая две фигуры Баран в чаще, то Медный бык и голова быка на одном из Лиры Ура.[29]

От многих последующих периодов до восхождения Неоассирийская империя в 10 веке до н.э. месопотамское искусство сохранилось в нескольких формах: уплотнения цилиндров, относительно небольшие круглые фигуры и рельефы различных размеров, в том числе дешевые бляхи из лепной керамики для дома, некоторые религиозные, а некоторые, очевидно, нет.[30] В Бёрни Рельеф необычно сложный и относительно большой (20 x 15 дюймов, 50 x 37 см) терракота мемориальная доска с изображением обнаженной крылатой богини с ногами хищной птицы и сопутствующих сов и львов. Он относится к XVIII или XIX векам до нашей эры, а также может быть отформован.[31] Камень стелы, подношения по обетуили те, которые, вероятно, отмечают победы и показывают праздники, также встречаются в храмах, в которых, в отличие от более официальных, отсутствуют надписи, объясняющие их;[32] фрагментарный Стела Стервятников является ранним примером вписанного типа,[33] и ассирийский Черный обелиск Салманасера ​​III большой и солидный поздний.[34]

Завоевание ассирийцами всей Месопотамии и значительных прилегающих территорий создало более крупное и богатое государство, чем когда-либо существовало в этом регионе, а также очень грандиозное искусство во дворцах и общественных местах, которое, несомненно, частично соответствовало великолепию искусства местных жителей. соседняя египетская империя. В отличие от более ранних государств, ассирийцы могли использовать легко вырезанный камень из северного Ирака, и делали это в большом количестве. Ассирийцы разработали стиль чрезвычайно большие схемы очень детализированных повествовательных барельефов в камне для дворцов, со сценами войны или охоты; то британский музей имеет выдающуюся коллекцию, в том числе Львиная охота в Ашшурбанипале и Лахийские рельефы показ кампании. Они создали очень маленькую круглую скульптуру, за исключением колоссальных фигур-хранителей с человеческими головами. Ламассу, которые высечены в горельефе на двух сторонах прямоугольного блока, головы которых фактически округлены (а также пять ножек, так что оба вида кажутся законченными). Еще до того, как они стали доминировать в регионе, они продолжили традицию цилиндрических уплотнений, создавая зачастую исключительно энергичный и изысканный дизайн.[35]

Древний Египет

Тутмос, Бюст Нефертити, 1345 г. до н.э., Египетский музей Берлина
Смотрите также: Искусство Древнего Египта и Амарна искусство

В монументальная скульптура Древнего Египта всемирно известен, но изысканных и тонких небольших работ существует гораздо больше. Египтяне использовали отличительную технику затонувший рельеф, который хорошо подходит для очень яркого солнечного света. Основные фигуры в рельефах придерживаются того же соглашения о фигурах, что и в живописи, с раздвинутыми ногами (где не сидят) и головой, показанной сбоку, но туловищем спереди, и стандартным набором пропорций, составляющих фигуру, с использованием 18 «кулаки» переходят от земли к линии волос на лбу.[36] Это появляется еще в Палитра Нармер из династии I. Однако там, как и везде, конвенция не используется для второстепенных фигур, изображенных занятыми какой-либо деятельностью, например, пленников и трупов.[37] Согласно другим правилам, статуи мужчин выглядят темнее, чем женские. Очень стилизованные портретные статуи появляются еще со времен Второй династии, до 2780 г. до н. Э.[38] и за исключением искусство периода Амарны из Ahkenaten,[39] и в некоторые другие периоды, такие как XII династия, идеализированные черты правителей, как и другие египетские художественные условности, мало изменились до греческого завоевания.[40]

Египтянин фараоны всегда считались божествами, но другие божества гораздо реже встречаются в больших статуях, кроме тех случаев, когда они представляют фараона в качестве другое божество; однако другие божества часто изображаются на картинах и рельефах. Знаменитый ряд из четырех колоссальных статуй за пределами главный храм в Абу-Симбел каждое шоу Рамзес IIСхема типовая, правда здесь исключительно большая.[41] Маленькие фигурки божеств или их олицетворения животных очень распространены и встречаются в популярных материалах, таких как керамика. Самая большая скульптура сохранилась от Египетские храмы или гробницы; не позднее династии IV (2680–2565 гг. до н.э.) идея Статуя Ка была прочно установлена. Их положили в гробницы как место упокоения ка часть души, и поэтому у нас есть большое количество менее традиционных статуй состоятельных администраторов и их жен, многие из которых сделаны из дерева, поскольку Египет - одно из немногих мест в мире, где климат позволяет дереву выжить на протяжении тысячелетий. Так называемой резервные головы, простые безволосые головы, особенно натуралистичны. Ранние гробницы также содержали небольшие модели рабов, животных, зданий и предметов, таких как лодки, необходимые умершему для продолжения его образа жизни в загробном мире, а позже Ушебти цифры.[42]

Европа

Древняя Греция

Возничий Дельф, древнегреческий бронзовая скульптура, V век до н. Э., Крупный план головы
Основная статья: Древнегреческая скульптура

Первый отличительный стиль древнегреческая скульптура развит в раннем бронзовом веке Кикладский период (III тысячелетие до н. э.), где мраморные фигуры, обычно женские и маленькие, представлены в элегантно упрощенном геометрическом стиле. Наиболее типичной является поза стоя со скрещенными руками впереди, но другие фигуры показаны в разных позах, в том числе сложная фигура арфиста, сидящего на стуле.[43]

Последующие Минойский и Микенский культуры развили скульптуру дальше под влиянием Сирии и других стран, но это в более поздних Архаический период примерно с 650 г. до н. э. Курос развитый. Это большие стоящие статуи обнаженных юношей, найденные в храмах и гробницах, с Корея как одетый эквивалент женщины с тщательно уложенными волосами; оба имеют "архаичная улыбка". Они, кажется, выполняли ряд функций, возможно, иногда представляя божеств, а иногда человека, похороненного в могиле, как в случае с Кройсос Курос. На них явно повлияли египетский и сирийский стили, но греческие художники были гораздо более готовы экспериментировать в этом стиле.

В течение 6-го века греческая скульптура быстро развивалась, становясь более натуралистичной и с гораздо более активными и разнообразными позами фигур в повествовательных сценах, хотя и в рамках идеализированных условностей. Скульптурный фронтоны были добавлены к храмы, в том числе Парфенон в Афинах, где остатки фронтона около 520 фигур с круглыми фигурами, к счастью, использовались в качестве заполнения для новых зданий после персидского разграбления в 480 г. до н.э. и были восстановлены с 1880-х годов в свежем, непогоды. Другие значительные остатки архитектурной скульптуры происходят из Пестум в Италии, Корфу, Delphi и Храм Афайи в Эгина (много сейчас в Мюнхен).[44] Большинство греческих скульптур изначально содержали хотя бы какой-то цвет; то Музей глиптотек Нью-Карлсберг в Копенгагене, Дания, провел обширное исследование и воссоздал оригинальные цвета.[45][46]

Классический
Высокий классический горельеф из Elgin Marbles, который изначально украшал Парфенон, c. 447–433 гг. До н. Э.

Осталось меньше оригинальных останков первой фазы классического периода, часто называемой Суровый стиль; Отдельно стоящие статуи теперь в основном делали из бронзы, которая всегда имела ценность как металлолом. Стиль «Суровый» просуществовал от 500 рельефов, а вскоре после 480 - около 450. Относительно жесткие позы фигур расслабились, асимметричные положения поворота и наклонные взгляды стали обычным явлением, и к ним преднамеренно стремились. Это сочеталось с лучшим пониманием анатомии и гармоничной структуры скульптурных фигур, а также стремлением к натуралистическому изображению как цели, которой раньше не было. Раскопки на Храм Зевса, Олимпия с 1829 г. обнаружена самая большая группа останков, примерно из 460, многие из которых находятся в Лувр.[47]

The "High Classical" period lasted only a few decades from about 450 to 400, but has had a momentous influence on art, and retains a special prestige, despite a very restricted number of original survivals. The best known works are the Мрамор Парфенона, traditionally (since Плутарх) executed by a team led by the most famous ancient Greek sculptor Фидий, active from about 465–425, who was in his own day more famous for his colossal хризелефантин Статуя Зевса в Олимпии (c. 432), one of the Семь чудес древнего мира, его Athena Parthenos (438), the cult image of the Парфенон, и Athena Promachos, a colossal bronze figure that stood next to the Parthenon; all of these are lost but are known from many representations. He is also credited as the creator of some life-size bronze statues known only from later copies whose identification is controversial, including the Ludovisi Hermes.[48]

The High Classical style continued to develop realism and sophistication in the human figure, and improved the depiction of drapery (clothes), using it to add to the impact of active poses. Facial expressions were usually very restrained, even in combat scenes. The composition of groups of figures in reliefs and on pediments combined complexity and harmony in a way that had a permanent influence on Western art. Relief could be very high indeed, as in the Parthenon illustration below, where most of the leg of the warrior is completely detached from the background, as were the missing parts; relief this high made sculptures more subject to damage.[49] The Late Classical style developed the free-standing female nude statue, supposedly an innovation of Пракситель, and developed increasingly complex and subtle poses that were interesting when viewed from a number of angles, as well as more expressive faces; both trends were to be taken much further in the Hellenistic period.[50]

Эллинистический
The Pergamene style of the Hellenistic period, from the Pergamon Altar, early 2nd century

В Эллинистический период is conventionally dated from the death of Александр Великий in 323 BCE, and ending either with the final conquest of the Greek heartlands by Рим in 146 BCE or with the final defeat of the last remaining successor-state to Alexander's empire after the Битва при Акциуме in 31 BCE, which also marks the end of Республиканский Рим.[51] It is thus much longer than the previous periods, and includes at least two major phases: a "Pergamene" style of experimentation, exuberance and some sentimentality and vulgarity, and in the 2nd century BCE a classicising return to a more austere simplicity and elegance; beyond such generalizations dating is typically very uncertain, especially when only later copies are known, as is usually the case. The initial Pergamene style was not especially associated with Пергамон, from which it takes its name, but the very wealthy kings of that state were among the first to collect and also copy Classical sculpture, and also commissioned much new work, including the famous Pergamon Altar whose sculpture is now mostly in Berlin and which exemplifies the new style, as do the Мавзолей в Галикарнасе (another of the Seven Wonders), the famous Лаокоон и его сыновья в Музеи Ватикана, a late example, and the bronze original of Умирающая Галлия (illustrated at top), which we know was part of a group actually commissioned for Pergamon in about 228 BCE, from which the Ludovisi Gaul was also a copy. The group called the Фарнезский бык, possibly a 2nd-century marble original, is still larger and more complex,[52]

Маленький Греческие терракотовые фигурки were very popular as ornaments in the home

Hellenistic sculpture greatly expanded the range of subjects represented, partly as a result of greater general prosperity, and the emergence of a very wealthy class who had large houses decorated with sculpture, although we know that some examples of subjects that seem best suited to the home, such as children with animals, were in fact placed in temples or other public places. For a much more popular home decoration market there were Tanagra figurines, and those from other centres where small pottery figures were produced on an industrial scale, some religious but others showing animals and elegantly dressed ladies. Sculptors became more technically skilled in representing facial expressions conveying a wide variety of emotions and the portraiture of individuals, as well representing different ages and races. The reliefs from the Mausoleum are rather atypical in that respect; most work was free-standing, and group compositions with several figures to be seen in the round, like the Laocoon and the Pergamon group celebrating victory over the Gauls became popular, having been rare before. В Барберини Фавн, показывая сатир sprawled asleep, presumably after drink, is an example of the moral relaxation of the period, and the readiness to create large and expensive sculptures of subjects that fall short of the heroic.[53]

After the conquests of Alexander Hellenistic culture was dominant in the courts of most of the Near East, and some of Центральная Азия, and increasingly being adopted by European elites, especially in Italy, where Греческие колонии initially controlled most of the South. Hellenistic art, and artists, spread very widely, and was especially influential in the expanding Roman Republic and when it encountered Buddhism in the easternmost extensions of the Hellenistic area. The massive so-called Alexander Sarcophagus нашел в Сидон in modern Lebanon, was probably made there at the start of the period by expatriate Greek artists for a Hellenized Persian governor.[54] The wealth of the period led to a greatly increased production of luxury forms of small sculpture, including гравированные драгоценные камни and cameos, jewellery, and gold and silverware.

Europe after the Greeks

Римская скульптура
Основная статья: Римская скульптура
Раздел Колонна Траяна, CE 113, with scenes from the Дакийские войны

Early Roman art was influenced by the art of Greece and that of the neighbouring Этруски, themselves greatly influenced by their Greek trading partners. An Etruscan speciality was near life size tomb effigies in терракота, usually lying on top of a саркофаг lid propped up on one elbow in the pose of a diner in that period. As the expanding Римская Республика began to conquer Greek territory, at first in Southern Italy and then the entire Hellenistic world except for the Парфянский far east, official and патриций sculpture became largely an extension of the Hellenistic style, from which specifically Roman elements are hard to disentangle, especially as so much Greek sculpture survives only in copies of the Roman period.[55] By the 2nd century BCE, "most of the sculptors working at Rome" were Greek,[56] often enslaved in conquests such as that of Коринф (146 BCE), and sculptors continued to be mostly Greeks, often slaves, whose names are very rarely recorded. Vast numbers of Greek statues were imported to Rome, whether as booty or the result of extortion or commerce, and temples were often decorated with re-used Greek works.[57]

A native Italian style can be seen in the tomb monuments, which very often featured portrait busts, of prosperous middle-class Romans, and портретная живопись is arguably the main strength of Roman sculpture. There are no survivals from the tradition of masks of ancestors that were worn in processions at the funerals of the great families and otherwise displayed in the home, but many of the busts that survive must represent ancestral figures, perhaps from the large family tombs like the Могила Сципиона or the later mausolea outside the city. The famous bronze head supposedly of Луций Юний Брут is very variously dated, but taken as a very rare survival of Italic style under the Republic, in the preferred medium of bronze.[58] Similarly stern and forceful heads are seen on coins of the Late Republic, and in the Imperial period coins as well as busts sent around the Empire to be placed in the базилики of provincial cities were the main visual form of imperial propaganda; четное Лондиниум had a near-colossal statue of Неро, though far smaller than the 30-metre-high Colossus of Nero in Rome, now lost.[59]

Августа state Greco-Roman style on the Ара Пачис, 13 BCE

The Romans did not generally attempt to compete with free-standing Greek works of heroic exploits from history or mythology, but from early on produced historical works in relief, culminating in the great Roman triumphal columns with continuous narrative reliefs winding around them, of which those commemorating Траян (CE 113) and Марк Аврелий (by 193) survive in Rome, where the Ара Пачис ("Altar of Peace", 13 BCE) represents the official Greco-Roman style at its most classical and refined. Among other major examples are the earlier re-used reliefs on the Арка Константина и основа Колонна Антонина Пия (161),[60] Campana reliefs were cheaper pottery versions of marble reliefs and the taste for relief was from the imperial period expanded to the sarcophagus. All forms of luxury small sculpture continued to be patronized, and quality could be extremely high, as in the silver Кубок Уоррена, стекло Кубок Ликурга, and large cameos like the Джемма Огюстея, Гонзага Камея и "Великая Камея Франции".[61] For a much wider section of the population, moulded relief decoration of pottery vessels and small figurines were produced in great quantity and often considerable quality.[62]

After moving through a late 2nd-century "baroque" phase,[63] in the 3rd century, Roman art largely abandoned, or simply became unable to produce, sculpture in the classical tradition, a change whose causes remain much discussed. Even the most important imperial monuments now showed stumpy, large-eyed figures in a harsh frontal style, in simple compositions emphasizing power at the expense of grace. The contrast is famously illustrated in the Арка Константина of 315 in Rome, which combines sections in the new style with медальоны in the earlier full Greco-Roman style taken from elsewhere, and the Four Tetrarchs (c. 305) from the new capital of Константинополь, now in Venice. Эрнст Китцингер found in both monuments the same "stubby proportions, angular movements, an ordering of parts through symmetry and repetition and a rendering of features and drapery folds through incisions rather than modelling... The hallmark of the style wherever it appears consists of an emphatic hardness, heaviness and angularity—in short, an almost complete rejection of the classical tradition".[64]

This revolution in style shortly preceded the period in which христианство was adopted by the Roman state and the great majority of the people, leading to the end of large religious sculpture, with large statues now only used for emperors. However, rich Christians continued to commission reliefs for sarcophagi, as in the Саркофаг Юния Басса, and very small sculpture, especially in ivory, was continued by Christians, building on the style of the консульский диптих.[65]

Early Medieval and Byzantine
Silver monster on a капа, Scottish or Anglo-Saxon, Сокровище острова Святого Ниниана, c. 800?
В Геро Кросс, c. 965–970, Cologne, Germany. The first great example of the revival of large sculpture

В Ранние христиане were opposed to monumental religious sculpture, though continuing Roman traditions in portrait busts and саркофаг reliefs, as well as smaller objects such as the consular diptych. Such objects, often in valuable materials, were also the main sculptural traditions (as far as is known) of the barbaric civilizations из Период миграции, as seen in the objects found in the 6th-century burial treasure at Саттон Ху, and the jewellery of Скифское искусство and the hybrid Christian and animal style производство Островное искусство. Following the continuing Byzantine tradition, Каролингское искусство revived ivory carving, often in panels for the наручники с сокровищами of grand иллюминированные рукописи, а также crozier heads and other small fittings.

Византийское искусство, though producing superb ivory reliefs and architectural decorative carving, never returned to monumental sculpture, or even much small sculpture in the round.[66] However, in the West during the Каролингский и Оттонский periods there was the beginnings of a production of monumental statues, in courts and major churches. This gradually spread; by the late 10th and 11th century there are records of several apparently life-size sculptures in Англосаксонский churches, probably of precious metal around a wooden frame, like the Golden Madonna of Essen. No Anglo-Saxon example has survived,[67] and survivals of large non-architectural sculpture from before 1,000 are exceptionally rare. Much the finest is the Геро Кросс, of 965–970, which is a распятие, which was evidently the commonest type of sculpture; Карл Великий had set one up in the Палатинская капелла в Ахене around 800. These continued to grow in popularity, especially in Germany and Italy. В рунические камни из Скандинавский world, the Пиктские камни of Scotland and possibly the высокий крест reliefs of Christian Great Britain, were northern sculptural traditions that bridged the period of Christianization.

Романский
Основная статья: Романское искусство
В Brunswick Lion, 1166, the first large hollow casting of a figure since antiquity, 1.78 metres tall and 2.79 metres long

From about 1000 there was a general rebirth of artistic production in all Europe, led by general economic growth in production and commerce, and the new style of Романское искусство was the first medieval style to be used in the whole of Western Europe. The new cathedrals and pilgrim's churches were increasingly decorated with architectural stone reliefs, and new focuses for sculpture developed, such as the тимпан over church doors in the 12th century, and the inhabited капитал with figures and often narrative scenes. Outstanding abbey churches with sculpture include in France Vézelay и Муассак and in Spain Силосы.[68]

Romanesque art was characterised by a very vigorous style in both sculpture and painting. The capitals of columns were never more exciting than in this period, when they were often carved with complete scenes with several figures.[69] Большой деревянный распятие was a German innovation right at the start of the period, as were free-standing statues of the enthroned Madonna, but the горельеф was above all the sculptural mode of the period. Compositions usually had little depth, and needed to be flexible to squeeze themselves into the shapes of capitals, and church typanums; the tension between a tightly enclosing frame, from which the composition sometimes escapes, is a recurrent theme in Romanesque art. Figures still often varied in size in relation to their importance portraiture hardly existed.

Objects in precious materials such as ivory and metal had a very high status in the period, much more so than monumental sculpture — we know the names of more makers of these than painters, illuminators or architect-masons. Metalwork, including decoration in эмаль, became very sophisticated, and many spectacular shrines made to hold relics have survived, of which the best known is the Shrine of the Three Kings at Cologne Cathedral к Nicholas of Verdun. Бронза Gloucester candlestick и brass font of 1108–17 now in Liège are superb examples, very different in style, of metal casting, the former highly intricate and energetic, drawing on manuscript painting, while the font shows the Mosan style at its most classical and majestic. The bronze doors, a triumphal column and other fittings at Хильдесхаймский собор, то Gniezno Doors, and the doors of the Базилика Сан-Зено в Верона are other substantial survivals. В aquamanile, a container for water to wash with, appears to have been introduced to Europe in the 11th century, and often took fantastic zoomorphic формы; surviving examples are mostly in brass. Many wax impressions from impressive seals survive on charters and documents, although Romanesque coins are generally not of great aesthetic interest.[70]

В Cloisters Cross необычно большой слоновая кость распятие, with complex carving including many figures of пророки and others, which has been attributed to one of the relatively few artists whose name is known, Master Hugo, who also illuminated manuscripts. Like many pieces it was originally partly coloured. В Льюис шахматы are well-preserved examples of small ivories, of which many pieces or fragments remain from croziers, бляшки, pectoral crosses and similar objects.

Готика
Основная статья: Готическое искусство
French ivory Virgin and Child, end of 13th century, 25 cm high, curving to fit the shape of the ivory tusk

The Gothic period is essentially defined by Готическая архитектура, and does not entirely fit with the development of style in sculpture in either its start or finish. The facades of large churches, especially around doors, continued to have large typanums, but also rows of sculpted figures spreading around them. The statues on the Western (Royal) Portal at Шартрский собор (c. 1145) show an elegant but exaggerated columnar elongation, but those on the south трансепт portal, from 1215 to 1220, show a more naturalistic style and increasing detachment from the wall behind, and some awareness of the classical tradition. These trends were continued in the west portal at Реймсский собор of a few years later, where the figures are almost in the round, as became usual as Gothic spread across Europe.[71]

В Италии Никола Пизано (1258–1278) and his son Джованни developed a style that is often called Прото-ренессанс, with unmistakable influence from Roman sarcophagi and sophisticated and crowded compositions, including a sympathetic handling of nudity, in relief panels on their pulpit of Siena Cathedral (1265–68), то Фонтана Маджоре в Перуджа, and Giovanni's pulpit in Pistoia of 1301.[72] Another revival of classical style is seen in the Интернациональная готика работа Клаус Слютер and his followers in Бургундия и Фландрия around 1400.[73] Late Gothic sculpture continued in the North, with a fashion for very large wooden sculpted altarpieces with increasingly virtuoso carving and large numbers agitated expressive figures; most surviving examples are in Germany, after much iconoclasm elsewhere. Тильман Рименшнайдер, Veit Stoss and others continued the style well into the 16th century, gradually absorbing Italian Renaissance influences.[74]

Life-size tomb effigies in stone or алебастр became popular for the wealthy, and grand multi-level tombs evolved, with the Гробницы Скалигеров из Верона so large they had to be moved outside the church. By the 15th century there was an industry exporting Ноттингемский алебастр altar reliefs in groups of panels over much of Europe for economical parishes who could not afford stone retables.[75] Small carvings, for a mainly lay and often female market, became a considerable industry in Paris and some other centres. Types of ivories included small devotional polyptychs, single figures, especially of the Virgin, mirror-cases, combs, and elaborate caskets with scenes from Romances, used as engagement presents.[76] The very wealthy collected extravagantly elaborate jewelled and enamelled metalwork, both secular and religious, like the Герцог де Беррис Реликварий святого терновника, until they ran short of money, when they were melted down again for cash.[77]

эпоха Возрождения

Микеланджело, Пьета, 1499
Микеланджело, The Могила Папы Юлия II, c. 1545, with statues of Рэйчел и Лия on the left and right of his Моисей

Renaissance sculpture proper is often taken to begin with the famous competition for the doors of the Флорентийский баптистерий in 1403, from which the trial models submitted by the winner, Лоренцо Гиберти, и Филиппо Брунеллески выживать. Ghiberti's doors are still in place, but were undoubtedly eclipsed by his second pair for the other entrance, the so-called Gates of Paradise, which took him from 1425 to 1452, and are dazzlingly confident classicizing compositions with varied depths of relief allowing extensive backgrounds.[78] The intervening years had seen Ghiberti's early assistant Донателло develop with seminal statues including his Давидс in marble (1408–09) and bronze (1440s), and his Конная статуя Гаттамелата, as well as reliefs.[79] A leading figure in the later period was Андреа дель Верроккьо, наиболее известный за его конная статуя из Бартоломео Коллеони в Венеции;[80] his pupil Леонардо да Винчи designed an equine sculpture in 1482 Лошадь за Милан-but only succeeded in making a 24-foot (7.3 m) clay model which was destroyed by French archers in 1499, and his other ambitious sculptural plans were never completed.[81]

The period was marked by a great increase in patronage of sculpture by the state for public art and by the wealthy for their homes; especially in Italy, public sculpture remains a crucial element in the appearance of historic city centres. Church sculpture mostly moved inside just as outside public monuments became common. Portrait sculpture, usually in busts, became popular in Italy around 1450, with the Неаполитанский Francesco Laurana specializing in young women in meditative poses, while Antonio Rossellino and others more often depicted knobbly-faced men of affairs, but also young children.[82] Портрет медаль изобретен Пизанелло also often depicted women; облегчение плакетки were another new small form of sculpture in cast metal.

Michelangelo was an active sculptor from about 1500 to 1520, and his great masterpieces including his Дэйвид, Пьета, Моисей, and pieces for the Могила Папы Юлия II и Капелла Медичи could not be ignored by subsequent sculptors. His iconic David (1504) has a контрапост pose, borrowed from classical sculpture. It differs from previous representations of the subject in that David is depicted before his battle with Goliath and not after the giant's defeat. Instead of being shown victorious, as Donatello and Verocchio had done, David looks tense and battle ready.[83]

Маньерист

Adriaen de Vries, Меркурий и Психея Северный маньерист life-size bronze, made in 1593 for Рудольф II, император Священной Римской империи.
Основная статья: Маньеризм

As in painting, early Italian Маньерист sculpture was very largely an attempt to find an original style that would top the achievement of the Высокое Возрождение, which in sculpture essentially meant Michelangelo, and much of the struggle to achieve this was played out in commissions to fill other places in the Пьяцца делла Синьория in Florence, next to Michelangelo's Дэйвид. Баччо Бандинелли took over the project of Геркулес и Какус from the master himself, but it was little more popular than it is now, and maliciously compared by Бенвенуто Челлини to "a sack of melons", though it had a long-lasting effect in apparently introducing relief panels on the пьедестал of statues. Like other works of his and other Mannerists it removes far more of the original block than Michelangelo would have done.[84] Cellini's bronze Персей с головой Медузы is certainly a masterpiece, designed with eight angles of view, another Mannerist characteristic, but is indeed mannered compared to the Дэйвидs of Michelangelo and Donatello.[85] Originally a goldsmith, his famous gold and enamel Salt Cellar (1543) was his first sculpture, and shows his talent at its best.[86] As these examples show, the period extended the range of secular subjects for large works beyond portraits, with mythological figures especially favoured; previously these had mostly been found in small works.

Small bronze figures for collector's шкафы, often mythological subjects with nudes, were a popular Renaissance form at which Джамболоньяизначально Фламандский but based in Florence, excelled in the later part of the century, also creating life-size sculptures, of which two joined the collection in the Piazza della Signoria. He and his followers devised elegant elongated examples of the фигура змеевидная, often of two intertwined figures, that were interesting from all angles.[87]

Baroque and Rococo

Основная статья: Барочная скульптура
Джан Лоренцо Бернини, Аполлон и Дафна в Галерея Боргезе, 1622–1625

In Baroque sculpture, groups of figures assumed new importance, and there was a dynamic movement and energy of human forms— they spiralled around an empty central vortex, or reached outwards into the surrounding space. Скульптура в стиле барокко часто имела несколько идеальных углов обзора и отражала общее продолжение эпохи Возрождения: переход от рельефа к скульптуре, созданной в форме круга и предназначенной для размещения в центре большого пространства - сложные фонтаны, такие как фонтаны Бернини. Fontana dei Quattro Fiumi (Рим, 1651 г.), или те, что в Gardens of Versailles были специальностью барокко. В Барокко стиль идеально подходил для скульптуры, с Джан Лоренцо Бернини доминирующая фигура эпохи в таких произведениях, как Экстаз Святой Терезы (1647–1652).[88] Многие скульптуры в стиле барокко добавляли экстра-скульптурные элементы, например, скрытое освещение или водные фонтаны, или объединяли скульптуру и архитектуру, чтобы создать трансформирующий опыт для зрителя. Художники считали себя приверженцами классической традиции, но восхищались ими. Эллинистический и более поздняя римская скульптура, а не скульптура более «классических» периодов, как они видятся сегодня.[89]

В Протестантская реформация brought an almost total stop to religious sculpture in much of Northern Europe, and though secular sculpture, especially for portrait busts and гробницы памятников, продолжил, Голландский золотой век Не имеет существенной скульптурной составляющей за пределами ювелирного дела.[90] Частично в результате прямой реакции скульптура была столь же заметна в Римский католицизм as in the late Middle Ages. Статуи правителей и знати становились все более популярными. В 18 веке большая часть скульптуры продолжалась в стиле барокко - Фонтан Треви was only completed in 1762. Рококо style was better suited to smaller works, and arguably found its ideal sculptural form in early European porcelain, and interior decorative schemes in wood or plaster such as those in French domestic interiors and Austrian and Bavarian pilgrimage churches.[91]

Неоклассический

Основная статья: Neoclassical sculpture
Антонио Канова: Psyche Revived by Love's Kiss, 1787

В Неоклассический стиль that arrived in the late 18th century gave great emphasis to sculpture. Жан-Антуан Удон exemplifies the penetrating portrait sculpture the style could produce, and Антонио Канова's nudes the idealist aspect of the movement. The Neoclassical period was one of the great ages of public sculpture, though its "classical" prototypes were more likely to be Roman copies of Hellenistic sculptures. In sculpture, the most familiar representatives are the Italian Антонио Канова, англичанин Джон Флаксман and the Dane Бертель Торвальдсен. The European neoclassical manner also took hold in the United States, where its pinnacle occurred somewhat later and is exemplified in the sculptures of Hiram Powers.

Азия

Greco-Buddhist sculpture and Asia

One of the first representations из Будда, 1st–2nd century CE, Гандхара
Основная статья: Греко-буддийское искусство

Греко-буддийское искусство это художественное проявление Греко-буддизм, a cultural синкретизм между Классический греческий культура и буддизм, which developed over a period of close to 1000 years in Central Asia, between the conquests of Alexander the Great in the 4th century BCE, and the Islamic conquests of the 7th century CE. Greco-Buddhist art is characterized by the strong idealistic realism of Hellenistic art and the first representations of the Buddha in human form, which have helped define the artistic (and particularly, sculptural) canon for Buddhist art throughout the Asian continent up to the present. Though dating is uncertain, it appears that strongly Hellenistic styles lingered in the East for several centuries after they had declined around the Mediterranean, as late as the 5th century CE. Some aspects of Greek art were adopted while others did not spread beyond the Greco-Buddhist area; in particular the standing figure, often with a relaxed pose and one leg flexed, and the flying cupids or victories, who became popular across Asia as апсары. Greek foliage decoration was also influential, with Indian versions of the Коринфская столица появляется.[92]

The origins of Greco-Buddhist art are to be found in the Hellenistic Греко-бактрийское царство (250–130 BCE), located in today's Афганистан, from which Hellenistic culture radiated into the Индийский субконтинент with the establishment of the small Индо-греческое царство (180–10 BCE). Под Индо-греки а затем Кушаны, the interaction of Greek and Buddhist culture flourished in the area of Гандхара, in today's northern Pakistan, before spreading further into India, influencing the art of Матхура, а затем Индуистский art of the Gupta empire, which was to extend to the rest of South-East Asia. The influence of Greco-Buddhist art also spread northward towards Центральная Азия, сильно влияя на искусство Таримский бассейн и Dunhuang Caves, and ultimately the sculpted figure in China, Korea, and Japan.[93]

Китай

Основные статьи: Китайское искусство, Китайская керамика, Лакированная посуда, и Китайский нефрит
Сидящий Бодхисаттва Гуаньинь, дерево и пигмент, 11 век, Династия Северная Сун.

Китайские ритуальные изделия из бронзы от Шан и Западные династии Чжоу происходят из периода более тысячи лет от c. 1500 г. до н.э. и оказывали постоянное влияние на Китайское искусство. Они отлиты со сложным узором и зооморфный украшения, но избегайте человеческих фигур, в отличие от огромных фигур, недавно обнаруженных в Sanxingdui.[94] Эффектный Терракотовая армия был собран для могилы Цинь Ши Хуан, первый император объединенного Китая с 221 по 210 г. до н.э., как величественная имперская версия фигур, давно помещенных в гробницы, чтобы позволить умершим вести такой же образ жизни в загробной жизни, как и при жизни, заменяя фактические жертвы очень ранних периодов. Более мелкие фигурки из керамики или дерева помещались в гробницы на многие столетия спустя, достигнув пика качества в Фигуры гробниц династии Тан.[95] Традиция создания необычно больших гончарных фигур сохранилась в Китае через Тан. Санчай гробницы для более поздних буддийских статуй, таких как набор почти в натуральную величину Исяньская глазурованная керамика луохань и более поздние фигуры для храмов и гробниц. Они пришли на замену более ранним аналогам из дерева.

Коренные китайские религии обычно не используют культовые изображения божеств и даже не представляют их, а большая религиозная скульптура почти полностью буддийская, датируется в основном с 4 по 14 века и первоначально использовала греко-буддийские модели, пришедшие через Шелковый путь. Буддизм также является контекстом всей большой портретной скульптуры; В отличие от некоторых других областей, в средневековом Китае даже нарисованные изображения императора считались частными. Императорские гробницы имеют впечатляющие проходы с реальными и мифологическими животными в масштабе, соответствующем Египту, а меньшие версии украшают храмы и дворцы.[96]

Маленькие буддийские фигурки и группы были изготовлены с очень высоким качеством в различных средствах массовой информации,[97] как и рельефное украшение всевозможных предметов, особенно в металлоконструкциях и нефрит.[98] В более ранние периоды большое количество скульптур было вырезано из живой скалы в паломнических пещерных комплексах, а также снаружи. наскальные рельефы. В основном они были изначально расписаны. В заметном контрасте с литераторы Художники, скульпторы всех мастей считались ремесленниками, и очень мало имен записано.[99] От Династия Мин и далее статуэтки религиозных и светских деятелей производились в Китайский фарфор и другие средства массовой информации, которые стали важным экспортным товаром.

Япония

Смотрите также: Японское искусство, Японская скульптура, и Список национальных сокровищ Японии (скульптуры)
Нара Дайбуцу, c. 752, г. Нара, Япония

К концу долгого Неолит Период Дзёмон, немного керамические сосуды были «окаймлены пламенем» с экстравагантными расширениями обода, которые можно назвать только скульптурными,[102] и очень стилизованная керамика Dogū были изображены фигуры, многие из которых имели характерные «снежные очки». В период кофунов с 3 по 6 век н.э. ханива Терракотовые фигуры людей и животных в упрощенном стиле были установлены возле важных гробниц. Появление буддизма в VI веке принесло с собой сложные традиции скульптуры, китайские стили опосредованы через Корею. 7 век Hōryū-ji и его содержимое сохранилось более нетронутым, чем любой восточноазиатский буддийский храм того времени, с работами, включая Шака Тринити 623 в бронзе, показывая исторического Будду в окружении двух бодхисаттв, а также Короли-хранители четырех направлений.[103]

Деревянное изображение (IX век) Шакьямуни, «исторического» Будды, хранимое во второстепенном здании на Муро-дзи, типично для раннего Heian скульптура с массивным телом, покрытым толстыми складками драпировки, вырезанными в стиле хомпа-сики (катящаяся волна), и строгим, замкнутым выражением лица. В Кей школа скульпторов, особенно Unkei, создал новый, более реалистичный стиль скульптуры.

Почти все последующие значительные большие скульптуры в Японии были буддийскими, с некоторыми Синтоизм эквиваленты, и после того, как буддизм пришел в упадок в Японии в 15 веке, монументальная скульптура стала в основном архитектурным украшением и менее значимой.[104] Однако скульптурные работы в декоративном искусстве были развиты до замечательного уровня технических достижений и изысканности в небольших объектах, таких как инро и нэцкэ во многих материалах и металле тосогу или же Крепления для японских мечей. В 19 веке существовала экспортная промышленность малых бронзовых скульптур чрезвычайной виртуозности, фигурок из слоновой кости и фарфора, а также других видов малой скульптуры, все более подчеркивающих технические достижения.

Индия

Смотрите также: Скульптура в Южной Азии, Список высеченных в скале храмов в Индии, и Скульптура Бангладеш
Индуистский Гупта терракота рельеф, V век н.э., из Кришна Убийство демона-коня Кеши

Первый известный скульптура на индийском субконтиненте из Цивилизация долины Инда (3300–1700 гг. До н.э.), найдены на стоянках в Мохенджо-Даро и Хараппа в наши дни Пакистан. В их числе известная маленькая бронзовая танцовщица. Однако такие фигурки из бронзы и камня встречаются редко, и их гораздо больше, чем керамических статуэток и каменных печатей, часто очень тонко изображенных животных или божеств. После распада цивилизации долины Инда есть маленькая запись скульптуры до эпохи буддистской, кроме клада медных фигур (несколько спорно) с. 1500 г. до н.э. с Даймабад.[105] Таким образом, великая традиция индийской монументальной скульптуры из камня, по-видимому, началась по сравнению с другими культурами, а развитие индийской цивилизации сравнительно поздно, во времена правления Асока от 270 до 232 до н.э., а Столпы Ашоки он воздвиг по всей Индии, неся свои указы и увенчанный известными скульптурами животных, в основном львов, шесть из которых сохранились.[106] Большое количество фигурных скульптур, в основном рельефных, сохранилось от ступ раннего буддизма паломничества, прежде всего Санчи; они, вероятно, возникли из традиции использования древесины, которая также использовалась индуизм.[107]

Индусский розовый песчаник, Джайн и буддийские скульптуры Матхура с 1-го по 3-й века н.э. отражали как местные индийские традиции, так и западные влияния, полученные через греко-буддийское искусство Гандхары, и эффективно создали основу для последующей индийской религиозной скульптуры.[107] Этот стиль был разработан и распространен по большей части Индии под Империя Гуптов (ок. 320–550), который остается «классическим» периодом для индийской скульптуры, охватывая более ранние Пещеры Эллора,[108] хотя Пещеры Элефанта наверное чуть позже.[109] Позднее крупномасштабная скульптура остается почти исключительно религиозной и, как правило, довольно консервативной, часто возвращаясь к простым фронтальным стоячим позам для божеств, хотя сопутствующие духи, такие как апсары и якши часто имеют чувственно изогнутые позы. Резьба часто очень детализирована, с замысловатой подложкой позади основной фигуры в горельефе. Знаменитые бронзы Чола династии (ок. 850–1250 гг.) из южной Индии, многие из которых предназначены для того, чтобы их несли в процессиях, включают культовую форму Шива в качестве Натараджа,[110] с массивной гранитной резьбой Махабалипурам начиная с предыдущего Паллава династия.[111]

Юго-Восточная Азия

Кхмеры 9 века перемычка

Скульптура этого региона, как правило, отличается высокой степенью орнаментации, что видно на великих памятниках индуизма и буддизма. Кхмерская скульптура (9-13 вв.) В Ангкор-Ват и в другом месте огромный буддийский комплекс IX века в Боробудур в Ява, и индуистские памятники Бали.[112] Оба они включают множество рельефов, а также фигур в раунде; В Боробудуре 2672 рельефных панно, 504 статуи Будды, многие из которых частично скрыты в ажуре. ступы, и многие большие фигуры опекунов.

В Таиланде и Лаосе скульптура в основном Изображения Будды, часто позолоченные, как большие для храмов и монастырей, так и маленькие фигурки для частных домов. Традиционная скульптура в Мьянма возник до Баганский период. Как и повсюду в регионе, большинство деревянных скульптур периодов Багана и Авы потеряно.

Традиционный Анитист В скульптурах из Филиппин преобладают анитистские конструкции, отражающие используемую среду и вовлеченную культуру, при этом подчеркиваясь средой, в которой обычно размещаются такие скульптуры. Христианские и исламские скульптуры с Филиппин имеют разные мотивы по сравнению с другими христианскими и исламскими скульптурами в других странах. В более поздние периоды китайское влияние преобладало во Вьетнаме, Лаосе и Камбодже, и больше деревянных скульптур сохранилось со всего региона.

ислам

Слоновая кость со следами краски, XI – XII века, Египет

ислам является известный аниконизм, поэтому подавляющее большинство скульптур арабески рельефное или ажурное украшение, основанное на растительных мотивах, но имеющее тенденцию к геометрическим абстрактным формам. В самом начале Фасад Мшатта (740-е), сейчас в основном в Берлин, среди плотных арабесков с высоким рельефом изображены животные, а фигуры животных и людей в основном с низким рельефом встречаются в сочетании с декором на многих более поздних изделиях из различных материалов, включая изделия из металла, слоновой кости и керамики.[113]

Фигуры животных в круге часто были приемлемы для работ, используемых в частном контексте, если объект был явно практичным, поэтому средневековое исламское искусство содержит много металлических животных, которые акваманилы, ладан горелки или подставки для фонтанов, как у каменных львов, поддерживающих знаменитого льва в Альгамбра, кульминацией которого стал крупнейший известный средневековый исламский образ животных, Пиза Гриффин. Таким же образом роскошь резьба по камню рукоятки кинжалов и чашки могут иметь форму животных, особенно Могольское искусство. Степень приемлемости такого ослабления строгих исламских правил варьируется в зависимости от периода и региона, с Исламская Испания, Персия и Индия часто лидируют в расслаблении и обычно наиболее высоки в придворной обстановке.[114]

Африка

Маска из Габон
Два Chiwara c. конец 19 - начало 20 вв., Художественный институт Чикаго. Женский (слева) и мужской вертикальные стили

Исторически сложилось так, что, за исключением некоторых монументальных египетских скульптур, большинство африканских скульптур было создано из дерева и других органических материалов, которые не сохранились раньше, чем несколько столетий назад; более старые керамические фигурки найдены в ряде мест. Маски являются важными элементами в искусстве многих народов, наряду с человеческими фигурами, часто сильно стилизованными. Существует огромное разнообразие стилей, часто меняющихся в пределах одного и того же контекста происхождения в зависимости от использования объекта, но очевидны широкие региональные тенденции; скульптура наиболее распространена среди «групп оседлых земледельцев на территориях, осушаемых Нигер и Реки Конго"в Западной Африке.[115] Прямые изображения божеств относительно нечасты, но маски, в частности, делаются или часто делались для религиозных церемоний; сегодня многие созданы для туристов как «аэропортовое искусство».[116] Африканские маски оказали влияние на европейские Модернист искусство, которое было вдохновлено их отсутствием заботы о натуралистическом изображении.

В Нубийский Королевство Куш в современном Судане был в тесном и часто враждебном контакте с Египтом и создавал монументальную скульптуру, в основном производную от стилей севера. В Западной Африке самые ранние известные скульптуры относятся к Нок культура которые процветали между 500 г. до н.э. и 500 г. н.э. в современной Нигерии, с глиняными фигурами, как правило, с удлиненными телами и угловатой формой. Позже западноафриканские культуры разработали бронзовое литье для рельефов для украшения дворцов, таких как знаменитый Бенинские бронзы, и очень тонкие натуралистические королевские головы со всего Йоруба город Ифе в терракоте и металле XII – XIV вв. Акан золотые весы представляют собой небольшие металлические скульптуры, созданные в период 1400–1900 годов, некоторые из которых, по-видимому, представляют пословицы и поэтому с элементом повествования, редким в африканской скульптуре, а королевские регалии включали впечатляющие элементы с золотой скульптурой.[117]

Многие западноафриканские фигуры используются в религиозных ритуалах и часто покрываются материалами, помещенными на них для церемониальных подношений. В Манде- говорящие народы одного региона делают куски дерева с широкими плоскими поверхностями, а руки и ноги имеют форму цилиндров. В Центральной Африке, однако, основные отличительные характеристики включают лица в форме сердца, которые изогнуты внутрь и отображают узоры из кругов и точек.

Население в Великие африканские озера не известны своей скульптурой.[115] Тем не менее, один из стилей этого региона - скульптуры из столбов, вырезанные в человеческих формах и украшенные геометрическими формами, а на вершинах вырезаны фигуры животных, людей и различных предметов. Эти шесты кладут рядом с могилами и связывают со смертью и миром предков. Культура, известная из Великий Зимбабве оставили более впечатляющие здания, чем скульптуры, но восемь мыльный камень Зимбабве Птицы имели особое значение и были установлены на монолиты. Современные зимбабвийские скульпторы из мыльного камня достигли значительный международный успех. Самые старые из известных глиняных фигур на юге Африки датируются периодом с 400 по 600 год нашей эры и имеют цилиндрические головы со смесью человеческих и животных черт.

  • Нок терракота, VI век до н.э. - VI век н.э.

  • Ифе голова, терракота, вероятно, 12–14 вв. н. э.

  • Йоруба бронзовая скульптура головы, Ифе, Нигерия c. 12 век

  • Скульптура «Королевы-матери» из Бенина, 16 век.

  • Маска из слоновой кости XVI века из Бенина

  • Один из Бенинские бронзы, XVI – XVIII века, Нигерия.

  • Маска из Буркина-Фасо, 19 век

  • Мамбила рисунок, Нигерия

Эфиопия и Эритрея

Дальнейшая информация: Эфиопское искусство и Лалибела Кросс

Создание скульптур в Эфиопии и Эритрея можно проследить до его древнего прошлого с царствами Dʿmt и Аксум. Христианское искусство была основана в Эфиопии с переходом из язычество к христианство в 4 веке н.э., во время правления короля Эзана из Аксума.[118] Христианские образы украшали церкви в асксумский период и более поздние эпохи.[119] Например, в Лалибела, в натуральную величину святые были вырезаны в церкви Бет Голгофы; по традиции они были сделаны во время правления Загве линейка Гебре Мескель Лалибела в 12 веке, но, скорее всего, они были созданы в 15 веке во время Соломоновы династии.[120] Тем не менее Церковь Святого Георгия, Лалибела, один из нескольких примеров каменная архитектура в Лалибеле, украшенный сложной резьбой, был построен в X – XIII веках, что подтверждается археологией.[121]

Судан

Дальнейшая информация: Нубийские пирамиды

В древний судан, развитие скульптуры простирается от простой керамики Керма культура начиная примерно с 2500 г. до н.э. до монументальных скульптур и архитектуры Королевство Куш, его последняя фаза - Меройский период- около 350 г. н. Э. (С завоеванием Аксумом Эфиопии).[122][123] Помимо керамических изделий, культура Кермы также производила мебель, содержащую скульптуры, такие как золотые копыта крупного рогатого скота в качестве ножек кроватей.[122] Скульптура во времена Королевства Куш включала в себя полноразмерные статуи (особенно королей и королев), фигурки меньшего размера (чаще всего изображающие королевских слуг) и каменные рельефы, на которые оказала влияние современная древнеегипетская скульптурная традиция.[124][125]

Северная и Южная Америка

Смотрите также: Скульптура США, Изобразительное искусство коренных народов Америки, Доколумбовое искусство, Искусство Северо-Западного побережья, и Инуитское искусство

Скульптура на территории современной Латинской Америки развивалась в двух отдельных и разных областях: Мезоамерика на севере и Перу на юге. В обеих областях скульптура изначально была каменной, а позже - каменной. терракота и металл, поскольку цивилизации в этих областях стали более технологически развитыми.[126] В Мезоамериканский регион создал более монументальную скульптуру из массивных блоковых произведений Ольмек и Тольтек культур, до превосходно низкого рельефы которые характеризуют майя и Ацтеков культур. В Андском регионе скульптуры обычно были небольшими, но часто демонстрировали превосходное мастерство.

Доколумбовой

Движение к современному искусству

Северная Америка

Сент-Джеймс панель, из reredos в церкви Кристо Рей, Санта-Фе, Нью-Мексико, c. 1760

В Северной Америке из дерева лепили для тотемные столбы, маски, посуда, Военные каноэ и множество других применений, с явными различиями между разными культурами и регионами. Наиболее развиты стили Тихоокеанское Северо-Западное побережье, где сформировалась группа тщательно продуманных и сильно стилизованных формальных стилей, составляющих основу традиции, которая продолжается и сегодня. Помимо знаменитых тотемных столбов, расписных и резных фасады домов были дополнены резными столбиками внутри и снаружи, а также фигурами из погребальных сооружений и другими предметами. Среди Инуиты на крайнем севере все еще продолжаются традиционные стили резьбы по слоновой кости и мыльному камню.[127]

С приходом европейской католической культуры местные навыки быстро адаптировались к преобладающим Барокко стиль, создавая чрезвычайно сложные Retablos и другие в основном церковные скульптуры в различных гибридных стилях.[128] Самый известный из таких примеров в Канаде - алтарная часть Базилика Нотр-Дам в Монреале, Квебек, который был вырезан крестьянином житель чернорабочие. Позже художники, получившие образование в западной академической традиции, следовали европейским стилям, пока в конце 19 века они снова не начали опираться на местные влияния, особенно в гротескном стиле мексиканского барокко, известном как Churrigueresque. Коренные народы также адаптировали церковную скульптуру в вариациях на Карпентер Готика; один известный пример - это Церковь Святого Креста в Горячие источники Скукумчак, Британская Колумбия.

История скульптура в США после прибытия европейцев отражает основание страны 18 века в Римский республиканские гражданские ценности и Протестантское христианство. По сравнению с районами, колонизированными испанцами, скульптура в британских колониях начала развиваться очень медленно, почти не имея места для церквей, и только после обретения независимости она получила импульс от необходимости утвердить национальность. Американская скульптура середины - конца 19 века часто была классической, часто романтической, но проявляла склонность к драматическому, повествовательному, почти журналистскому реализму. Общественные здания в последней четверти XIX - первой половине XX века часто служили архитектурным антуражем для скульптур, особенно рельефных. К 1930-м годам Международный стиль архитектуры и дизайна и арт-деко характеризуется работой Пол Мэншип и Ли Лори и другие стали популярными. К 1950-м годам традиционное скульптурное образование почти полностью заменит Баухаус-влияет забота о Абстрактные дизайн. Минималистский скульптура заменила фигуру в общественных местах, и архитекторы почти полностью перестали использовать скульптуру в своих проектах. Современные скульпторы (21 век) используют как классический, так и абстрактный дизайн. Начиная с 80-х годов прошлого века произошел возврат к фигуративной общественной скульптуре; к 2000 году многие из новых общественных предметов в Соединенных Штатах имели образный дизайн.

XIX – начало XX века, ранний модернизм и продолжающийся реализм.

Эдгар Дега, Маленькая танцовщица четырнадцати лет, отлит в 1922 году по скульптуре, созданной в смешанной технике c. 1879–80, Бронза, частично тонированная, с хлопком

Современный классицизм во многом контрастировал с классической скульптурой XIX века, для которой характерна приверженность натурализму (Антуан-Луи Бари) - мелодраматический (Франсуа Руд) сентиментальность (Жан-Батист Карпо) - или своего рода величавое величие (Лорд Лейтон). На смену веку было принято несколько различных направлений в классической традиции, но изучение живой модели и постренессансной традиции по-прежнему оставалось для них фундаментальным.Огюст Роден был самым известным европейским скульптором начала 20 века.[129][130] Его часто считают скульптурным Импрессионист, как и его ученики, в том числе Камилла Клодель, и Хьюго Райнхольд, пытаясь смоделировать мимолетный момент повседневной жизни. Современный классицизм показал меньший интерес к натурализму и больший интерес к формальной стилизации. Больше внимания уделялось ритмичности объемов и пространств, а также больше внимания контрастирующим качествам поверхности (открытая, закрытая, плоская, ломаная и т. Д.), В то время как меньше внимания уделялось рассказыванию историй и убедительным деталям анатомии или костюма. . Больше внимания уделялось психологическому воздействию, чем физическому реализму, и использовались влияния более ранних мировых стилей.

Ранние мастера современного классицизма включали: Аристид Майоль, Александр Матвеев, Джозеф Бернар, Антуан Бурдель, Георг Кольбе, Либеро Андреотти, Густав Вигеланд, Ян Стурса, Константин Брынкуши. В течение столетия современный классицизм был принят как национальный стиль двух великих европейских тоталитарных империй: нацистская Германия и Советская Россия, которые использовали работы более ранних художников, таких как Кольбе и Вильгельм Лембрук в Германии[131] и Матвеев в России. За 70 лет существования СССР новые поколения скульпторов обучались и выбирались в рамках их системы и особого стиля, социалистический реализм, которая вернула акцент XIX века на мелодраму и натурализм.

К 1970 году классическое обучение было вытеснено из художественного образования в Западной Европе (и Америке), а классические варианты 20-го века оказались на обочине истории модернизма. Но классицизм оставался основой художественного образования в советских академиях до 1990 года, обеспечивая основу для выразительного фигуративного искусства во всей Восточной Европе и в некоторых частях Ближнего Востока. К 2000 году европейская классическая традиция сохраняет широкую привлекательность для публики, но ожидает образовательной традиции, которая возродит свое современное развитие.

Некоторые из современной классики стали либо более декоративными / арт-деко (Пол Мэншип, Хосе де Крифт, Карл Миллес) или более абстрактно стилизованные или более выразительные (и готические) (Антон Ханак, Вильгельм Лембрук, Эрнст Барлах, Артуро Мартини) - или обратился больше к эпохе Возрождения (Джакомо Манзо, Венанцо Крочетти) или остались прежними (Шарль Деспио, Марсель Жимон).

Модернизм

Гастон Лашез, Плавающая фигура 1927 г., бронза, вып. 5 из издания 7, Национальная галерея Австралии
Основная статья: Современная скульптура

Модернист скульптурные движения включают Кубизм, Геометрическая абстракция, Де Стейл, Супрематизм, Конструктивизм, Дадаизм, Сюрреализм, Футуризм, Формализм Абстрактный экспрессионизм, Поп-арт, Минимализм, Лэнд-арт, и Монтажное искусство среди прочего.

Генри Мур, Большая Лежащая Фигура, 1984 (на основе меньшей модели 1938 г.), Музей Фитцуильям, Кембридж
Дэвид Смит, КУБИ VI, (1963), Музей Израиля, Иерусалим.

В первые дни 20 века Пабло Пикассо произвел революцию в искусстве скульптуры, когда начал создавать свои конструкции созданы путем объединения разрозненных предметов и материалов в одно построенное скульптурное произведение; скульптурный эквивалент коллаж в двухмерном искусстве. Появление Сюрреализм привело к тому, что вещи, которые иногда описывались как «скульптура», которые не были бы таковы ранее, например, «непроизвольная скульптура» в нескольких смыслах, включая кулаж. В последующие годы Пикассо стал плодовитым гончар, ведущий, с интересом к исторической керамике со всего мира, к возрождению керамическое искусство, с такими фигурами, как Джордж Э. Ор и впоследствии Питер Вулкос, Кеннет Прайс, и Роберт Арнесон. Марсель Дюшан возникло использование "найденный объект"(Французский язык: objet Trouvé) или готовый с такими частями, как Фонтан (1917).

Точно так же и работа Константин Брынкуши в начале века проложила путь более поздней абстрактной скульптуре. Бунтуя против натурализма Родена и его современников конца XIX века, Бранкуши доводил предметы до их сути, о чем свидетельствуют элегантно изысканные формы его работ. Птица в космосе серия (1924).[132]

Влияние Бранкуши с его терминологией редукции и абстракции прослеживается на протяжении 1930-х и 1940-х годов и демонстрируется такими художниками, как Гастон Лашез, Сэр Джейкоб Эпштейн, Генри Мур, Альберто Джакометти, Жоан Миро, Хулио Гонсалес, Пабло Серрано, Жак Липшиц[133] а к 1940-м годам на абстрактную скульптуру повлияли и расширили ее Александр Колдер, Лен Лай, Жан Тингели, и Фредерик Кислер кто был пионером Кинетическое искусство.

Скульпторы-модернисты в значительной степени упустили огромный бум в публичном искусстве, вызванный спросом на военные мемориалы для двух мировых войн, но с 1950-х годов общественность и заказчики стали более комфортно работать с модернистской скульптурой, и большие общественные заказы, как абстрактные, так и фигуративные, стали обычным явлением. Пикассо было поручено сделать макет для огромной общественной скульптуры высотой 50 футов (15 м), так называемой Чикаго Пикассо (1967). Его дизайн был неоднозначным и несколько противоречивым, и что представляет собой фигура, не ясно; это может быть птица, лошадь, женщина или совершенно абстрактная фигура.

В конце 1950-х и 1960-х годах абстрактные скульпторы начали экспериментировать с широким спектром новых материалов и различными подходами к созданию своих работ. Сюрреалистические образы, антропоморфная абстракция, новые материалы и комбинации новых источников энергии и разнообразных поверхностей и объектов стали характерными для большей части новой модернистской скульптуры. Совместные проекты с ландшафтными дизайнерами, архитекторами и ландшафтными архитекторами расширили внешний вид и контекстную интеграцию. Художники, такие как Исаму Ногучи, Дэвид Смит, Александр Колдер, Жан Тингели, Ричард Липпольд, Джордж Рики, Луиза Буржуа, и Луиза Невельсон стали характеризовать облик современной скульптуры.

К 1960-м годам Абстрактный экспрессионизм, Геометрическая абстракция и Минимализм, который сводит скульптуру к ее наиболее важным и фундаментальным чертам. Некоторые работы этого периода: кубиские работы Дэвида Смита и сварные стальные конструкции Сэр Энтони Каро, а также сварная скульптура многочисленными скульпторами, масштабными работами Джон Чемберлен, и масштабные работы по установке окружающей среды Марк ди Суверо. Другие минималисты включают Тони Смит, Дональд Джадд, Роберт Моррис, Энн Труитт, Джакомо Беневелли, Арнальдо Помодоро, Ричард Серра, Дэн Флавин, Карл Андре, и Джон Сейфер которые добавили подвижности и монументальности теме чистоты линии.[134]

Фигуративная скульптура художников-модернистов в стилизованных формах создавалась такими художниками, как Леонард Баскин, Эрнест Трова, Джордж Сигал, Марисоль Эскобар, Пол Тек, Роберт Грэм в классическом артикулированном стиле, и Фернандо Ботеро воплощение «негабаритных фигур» своей живописи в монументальных скульптурах.

Галерея модернистской скульптуры

Современные движения

Христо и Жанна-Клод, Зонтики 1991, Япония[135]
Устройство для искоренения зла (1997) скульптура Денниса Оппенгейма в
Пальма де Майорка, Plaça de la Porta de Santa Catalina

Зависит от сайта и экологическое искусство Работы представлены художниками: Энди Голдсуорси, Вальтер Де Мария,[136] Ричард Лонг, Ричард Серра, Роберт Ирвин,[137] Джордж Рики и Христо и Жанна-Клод привела современную абстрактную скульптуру в новые направления. Художники создали экологическая скульптура на обширных сайтах в 'ленд-арт на американском западегруппа проектов. Эти лэнд-арт или скульптурные работы в экологическом масштабе "искусство земли", примеры которых представлены такими художниками, как Роберт Смитсон, Майкл Хайзер, Джеймс Террелл (Кратер Родена). Ева Гессе, Сол Левитт, Джеки Винзор, Кейт Сонниер, Брюс Науман и Деннис Оппенгейм среди прочих были пионерами Постминималист скульптура.

Также в 1960-х и 1970-х годах такие разные художники, как Эдуардо Паолоцци, Крисса, Клаас Ольденбург, Джордж Сигал, Эдвард Кинхольц, Нам Джун Пайк, Вольф Фостелл, Дуэйн Хэнсон, и Джон ДеАндреа исследовал абстракцию, образность и фигуру через видеоарт, окружающая среда, световая скульптура и инсталляция по-новому.

Концептуальное искусство это искусство, в котором концепция или идеи, задействованные в работе, имеют приоритет над традиционными эстетическими и материальными проблемами. Работы включают Один и три стула, 1965, автор Джозеф Кошут, и Дуб к Майкл Крейг-Мартин, и те из Йозеф Бойс, Джеймс Террелл и Яцек Тылицки.

Минимализм

Постминимализм

Современные жанры

Спиральный причал к Роберт Смитсон, в 2005 году

Некоторые современные формы скульптуры теперь практикуются на открытом воздухе, так как экологическое искусство и экологическая скульптура, часто на виду у зрителей. Световая скульптура, скульптура уличного искусства и сайт-специфическое искусство также часто используют окружающую среду. Ледяная скульптура это форма эфемерной скульптуры, в которой в качестве сырья используется лед. Он популярен в Китае, Японии, Канаде, Швеции и России. Ледяные скульптуры украшают некоторые кухни, особенно в Азии. Кинетические скульптуры скульптуры, которые созданы для движения, в том числе мобильные. Снежные скульптуры обычно вырезаны из цельного куска снега примерно от 6 до 15 футов (1,8–4,6 м) с каждой стороны и весят около 20–30 тонн. Снег плотно упаковывается в форму после того, как он был произведен искусственным способом или собран с земли после снегопада. Звуковые скульптуры принимать форму внутренних звуковых установок, наружных установок, таких как эоловые арфы, автоматы, или быть более или менее близкими к обычным музыкальным инструментам. Звуковая скульптура часто бывает привязана к конкретному месту. Художественные игрушки стали еще одним форматом для современных художников с конца 1990-х, например, произведенные Такаши Мураками и Малыш Робот, разработано Майкл Лау, или ручной работы Майкл Ливитт (художник).[138]

Сохранение

Видимые повреждения из-за кислотный дождь на скульптуре

Скульптуры чувствительны к таким условиям окружающей среды, как температура, влажность и воздействие света и ультрафиолетовый свет. Кислотный дождь также может нанести ущерб определенным строительным материалам и историческим памятникам. Это происходит, когда серная кислота под дождем химически реагирует с соединениями кальция в камнях (известняк, песчаник, мрамор и гранит), создавая гипс, который затем отслаивается.

В любое время многие современные скульптуры обычно выставлялись в общественных местах; кража не было проблемой, поскольку части были мгновенно узнаваемы. В начале 21 века ценность металла выросла до такой степени, что кража массивных бронзовых скульптур ради стоимости металла стала проблемой; скульптура стоимостью в миллионы была украдена и переплавлена ​​из-за относительно низкой стоимости металла, крошечной доли стоимости произведения искусства.[139]

Смотрите также

Примечания

  1. ^ en.museicapitolini.org (на итальянском).
  2. ^ а б «Боги в цвете: расписные скульптуры античности», сентябрь 2007 г. - январь 2008 г., Музей Артура М. Саклера. В архиве 4 января 2009 г. Wayback Machine
  3. ^ а б См., Например, Мартина Робертсона, Краткая история греческого искусства, п. 9, Cambridge University Press, 1981, ISBN 978-0-521-28084-6
  4. ^ NGA, Вашингтон особенность на выставке.
  5. ^ В Птолемеи положила начало эллинистической традиции портретов правителей на монетах, а римляне начали изображать мертвых политиков в I веке до н.э. Юлий Цезарь первая изображенная живая фигура; при императорах портреты императорской семьи стали эталоном. См. Burnett, 34–35; Хоуджего, 63–70.
  6. ^ Статья Морриса Кокса.
  7. ^ Часть Боги в цвете выставка. Гарвардская выставка В архиве 2014-10-06 на Wayback Machine
  8. ^ Повар, 147; он отмечает, что древнегреческие переписчики, похоже, использовали гораздо меньше точек, чем некоторые более поздние, и копии часто значительно различаются как по композиции, так и по отделке.
  9. ^ «Флэш-анимация процесса литья по выплавляемым моделям». Скульптура Джеймса Пенистона. Получено 30 ноября, 2008.
  10. ^ Рави, Б. (2004). «Литье металлов - Обзор» (PDF). Бюро энергоэффективности, Индия. Цитировать журнал требует | журнал = (помощь)
  11. ^ Британский музей - Кубок Ликурга.
  12. ^ Уильямс, Артур (2005). Иллюстрированный справочник по скульптуре. Галфпорт, MS. п. 179. ISBN 978-0-9755383-0-2.
  13. ^ Музей Виктории и Альберта, Скульптурные техники: лепка из глины В архиве 2 августа 2012 г. Wayback Machine, по состоянию на 31 августа 2012 г.
  14. ^ Роусон, 140–44; Франкфорт 112–13; Хениг, 179–80.
  15. ^ Роусон, 134–35.
  16. ^ Берфорд, Элисон, "Греция, древняя, §IV, 1: Монументальная скульптура: Обзор, 5 c)" в Оксфордское искусство онлайн, по состоянию на 24 августа 2012 г.
  17. ^ Олсен, 150–51; Тупой.
  18. ^ Jewish virtual library, History of Jewish sculpture.
  19. ^ P. Mellars, Archeology and the Dispersal of Modern Humans in Europe: Deconstructing the Aurignacian, Эволюционная антропология, т. 15 (2006), pp. 167–82.
  20. ^ de Laet, Sigfried J. (1994). History of Humanity: Prehistory and the beginnings of civilization. ЮНЕСКО. п. 211. ISBN 978-92-3-102810-6.
  21. ^ Cook, J. (2013) Ice Age art: arrival of the modern mind, The British Museum, ISBN 978-0-7141-2333-2.
  22. ^ Sandars, 8–16, 29–31.
  23. ^ Hahn, Joachim, "Prehistoric Europe, §II: Palaeolithic 3. Portable art" in Оксфордское искусство онлайн, accessed August 24, 2012; Sandars, 37–40.
  24. ^ Kleiner, Fred (2009). Gardner's Art through the Ages: The Western Perspective, Volume 1. п. 36. ISBN 978-0-495-57360-9.
  25. ^ Sandars, 75–80.
  26. ^ Sandars, 253−57, 183−85.
  27. ^ Frankfort, 24–37.
  28. ^ Frankfort, 45–59.
  29. ^ Frankfort, 61–66.
  30. ^ Frankfort, Chapters 2–5.
  31. ^ Frankfort, 110–12.
  32. ^ Frankfort, 66–74.
  33. ^ Frankfort, 71–73.
  34. ^ Frankfort, 66–74, 167.
  35. ^ Frankfort, 141–93.
  36. ^ Smith, 33.
  37. ^ Smith, 12–13 and note 17.
  38. ^ Smith, 21–24.
  39. ^ Smith, 170–78, 192–94.
  40. ^ Smith, 102–03, 133–34.
  41. ^ Smith, 4–5, 208–09.
  42. ^ Smith, 89–90.
  43. ^ images of Getty Villa 85.AA.103
  44. ^ Cook, 72, 85–109; Boardman, 47–59
  45. ^ "Исследование". Глиптотекет. Получено 23 сентября, 2017.
  46. ^ "Tracking Colour". www.trackingcolour.com. Получено 23 сентября, 2017.
  47. ^ Cook, 109–19; Boardman, 87–95.
  48. ^ Lapatin, Kenneth D.S., Фидий, Оксфордское искусство онлайн, accessed August 24, 2012.
  49. ^ Cook, 119–31.
  50. ^ Cook, 131–41.
  51. ^ Alexander The Great and the Hellenistic Age, p. xiii. Green P. ISBN 978-0-7538-2413-9.
  52. ^ Cook, 142–56.
  53. ^ Cook, 142–54.
  54. ^ Cook, 155–58.
  55. ^ Strong, 58–63; Hennig, 66–69.
  56. ^ Hennig, 24.
  57. ^ Henig, 66–69; Strong, 36–39, 48; At the trial of Веррес, former governor of Sicily, Цицерон's prosecution details his depredations of art collections at great length.
  58. ^ Henig, 23–24.
  59. ^ Henig, 66–71.
  60. ^ Henig, 73–82; Strong, 48–52, 80–83, 108–17, 128–32, 141–59, 177–82, 197–211.
  61. ^ Henig, Chapter 6; Strong, 303–15.
  62. ^ Henig, Chapter 8.
  63. ^ Strong, 171–76, 211–14.
  64. ^ Kitzinger, 9 (both quotes), more generally his Ch 1; Strong, 250–57, 264–66, 272–80.
  65. ^ Strong, 287–91, 305–08, 315–18; Henig, 234–40.
  66. ^ Robinson, 12, 15.
  67. ^ Dodwell, Chapter 2.
  68. ^ Calkins, 79–80, 90–102.
  69. ^ Calkins, 107–14.
  70. ^ Calkins, 115–32.
  71. ^ Honour and Fleming, 297–300; Henderson, 55, 82–84.
  72. ^ Olson, 11–24; Honour and Fleming, 304; Henderson, 41.
  73. ^ Snyder, 65–69.
  74. ^ Snyder, 305–11.
  75. ^ [1] Музей Виктории и Альберта feature on the Nottingham alabaster Swansea Altarpiece.
  76. ^ Calkins, 193–98.
  77. ^ Cherry, 25–48; Henderson, 134–41.
  78. ^ Olson, 41–46, 62–63.
  79. ^ Olson, 45–52, and see index.
  80. ^ Olson, 114–18, 149–50.
  81. ^ Olson, 149–50.
  82. ^ Olson, 103–10, 131–32.
  83. ^ Olson, Chapter 8, 179–81.
  84. ^ Olson, 179–82.
  85. ^ Olson, 183–87.
  86. ^ Olson, 182–83.
  87. ^ Olson, 194–202.
  88. ^ Boucher, 134–42 on the Часовня Корнаро; see index for Bernini generally.
  89. ^ Boucher, 16–18.
  90. ^ Honour and Fleming, 450.
  91. ^ Honour and Fleming, 460–67.
  92. ^ Boardman, 370–78; Harle, 71–84.
  93. ^ Boardman, 370–78; Sickman, 85–90; Paine, 29–30.
  94. ^ Rawson, Chapter 1, 135–36.
  95. ^ Rawson, 138–38.
  96. ^ Rawson, 135–45, 145–63.
  97. ^ Rawson, 163–65
  98. ^ Rawson, Chapters 4 and 6.
  99. ^ Rawson, 135.
  100. ^ а б Rawson, Jessica (1999). "Design Systems in Early Chinese Art". Ориентации: 52.
  101. ^ а б "Shaanxi History Museum notice". Исторический музей Шэньси.
  102. ^ Middle Jomon Sub-Period В архиве 2009-05-25 at the Wayback Machine, Niigata Prefectural Museum of History, accessed August 15, 2012.
  103. ^ Paine & Soper, 30–31.
  104. ^ Paine & Soper, 121.
  105. ^ Harle, 17–20.
  106. ^ Harle, 22–24.
  107. ^ а б Harle, 26–38.
  108. ^ Harle, 87; his Part 2 covers the period.
  109. ^ Harle, 124.
  110. ^ Harle, 301–10, 325–27
  111. ^ Harle, 276–84.
  112. ^ Honour & Fleming, 196–200.
  113. ^ Piotrovsky and Rogers, 23, 26–27, 33–37.
  114. ^ Piotrovsky and Rogers, 23, 33–37.
  115. ^ а б Honour & Fleming, 557.
  116. ^ Honour & Fleming, 559–61.
  117. ^ Honour & Fleming, 556–61.
  118. ^ De Lorenzi (2015), pp. 15–16.
  119. ^ Briggs (2015), p. 242.
  120. ^ а б Briggs (2015), p. 331.
  121. ^ Sobania (2012), p. 462.
  122. ^ а б Harkless (2006), p. 174.
  123. ^ "Nubian Art В архиве 2018-05-28 в Wayback Machine". Музей изящных искусств, Бостон. Accessed 28 May 2018.
  124. ^ Harkless (2006), pp. 174–75.
  125. ^ March 2011. "Nubia: Ancient Kingdoms of Africa". Институт изучения древнего мира (New York University). По состоянию на 28 мая 2018 г.
  126. ^ Castedo, Leopoldo, A History of Latin American Art and architecture, New York: Frederick A. Praeger, Publisher, 1969.
  127. ^ Honour & Fleming, 553–56.
  128. ^ Neumeyer, Alfred, The Indian Contribution to Architectural Decoration in Spanish Colonial America. Художественный бюллетень, June 1948, Volume XXX, Number two.
  129. ^ Elsen, Albert E. (2003). Rodin's Art: The Rodin Collection of the Iris & Gerald B. Cantor Center for the Visual Arts. Оксфорд: Издательство Оксфордского университета. ISBN 0-19-513381-1.
  130. ^ Rodin to Now: Modern Sculpture, Palm Springs Desert Museum.
  131. ^ Curtis, Penelpoe, Taking Positions: Figurative Sculpture and the Third Reich, Henry Moore Institute, London, 2002.
  132. ^ Visual arts in the 20th century, Author Edward Lucie-Smith, Edition illustrated, Publisher Harry N. Abrams, 1997, Original from the University of Michigan, ISBN 978-0-8109-3934-9
  133. ^ The Oxford dictionary of American art and artists, Author Ann Lee Morgan, Publisher Oxford University Press, 2007, Original from the University of Michigan, ISBN 0-19-512878-8, 978-0-19-512878-9
  134. ^ National Air and Space Museum Receives Восхождение Sculpture for display at Udvar-Hazy Center [2][постоянная мертвая ссылка]
  135. ^ Нью-Йорк Таймс, Umbrella Crushes Woman
  136. ^ Guggenheim museum В архиве 4 января 2013 г. Wayback Machine
  137. ^ Dia Foundation
  138. ^ "Art Army by Michael Leavitt", hypediss.com[3], December 13, 2006.
  139. ^ BBC: Barbara Hepworth sculpture stolen from Dulwich Park, 20 December 2011. Example of theft of large bronze sculpture for the value of the metal.

Рекомендации

  • Буше, Брюс, Italian Baroque Sculpture, 1998, Темза и Гудзон (Мир искусства), ISBN 0-500-20307-5
  • Blunt Anthony, Artistic Theory in Italy, 1450–1660, OUP, 1940 (refs to 1985 edn), ISBN 0-19-881050-4
  • Бордман, Джон изд., Оксфордская история классического искусства, OUP, 1993, ISBN 0-19-814386-9
  • Briggs, Philip (2015) [1995]. Эфиопия. Чалфонт-Сент-Питер: Путеводители Брэдта. ISBN 978-1-84162-922-3.
  • Burnett, Andrew, Coins; Interpreting the Past, University of California/British Museum, 1991, ISBN 0-520-07628-1
  • Calkins, Robert G.; Monuments of Medieval Art, Dutton, 1979, ISBN 0-525-47561-3
  • Черри, Джон. The Holy Thorn Reliquary, 2010, British Museum Press (British Museum objects in focus), ISBN 0-7141-2820-1
  • Кук, Р., Греческое искусство, Penguin, 1986 (reprint of 1972), ISBN 0-14-021866-1
  • De Lorenzi, James (2015). Хранители традиции: историки и писатели-историки Эфиопии и Эритреи. Rochester: University of Rochester Press. ISBN 978-1-58046-519-9.
  • Додвелл, К., Anglo-Saxon Art, A New Perspective, 1982, Manchester University Press, ISBN 0-7190-0926-X
  • Frankfort, Henri, The Art and Architecture of the Ancient Orient, Pelican History of Art, 4th ed 1970, Penguin (now Yale History of Art), ISBN 0-14-056107-2
  • Harkless, Necia Desiree (2006). Nubian Pharaohs and Meroitic Kings: The Kingdom of Kush. Блумингтон, Индиана: AuthorHouse. ISBN 1-4259-4496-5.
  • Harle, J. C., Искусство и архитектура Индийского субконтинента, 2-е изд. 1994, Издательство Йельского университета Пеликан История искусства, ISBN 0-300-06217-6
  • Хендерсон, Джордж. Готика, 1967, Penguin, ISBN 0-14-020806-2
  • Henig, Martin (ed.), Справочник римского искусства, Phaidon, 1983, ISBN 0-7148-2214-0
  • Пейн, Роберт Трит, in: Paine, R. T., & A. Soper, The Art and Architecture of Japan, 3rd edn 1981, Yale University Press Pelican History of Art, ISBN 0-14-056108-0
  • Хью Хонор и Джон Флеминг, Всемирная история искусства, 1-е изд. 1982 (many later editions), Macmillan, London, page refs to 1984 Macmillan 1st edn paperback. ISBN 0-333-37185-2
  • Howgego, Christopher, Древняя история из монет, Рутледж, 1995, ISBN 0-415-08993-X
  • Китцингер, Эрнст, Византийское искусство в процессе становления: основные направления стилистического развития средиземноморского искусства III – VII вв., 1977, Faber & Faber, ISBN 0-571-11154-8 (США: Кембриджский университет, 1977 г.)
  • Olson, Roberta J. M., Скульптура итальянского Возрождения, 1992, Thames & Hudson (World of Art), ISBN 978-0-500-20253-1
  • Роусон, Джессика (ред.). Книга китайского искусства Британского музея, 2007 (2-е изд.), British Museum Press, ISBN 978-0-7141-2446-9
  • Piotrovsky, M. B., and J. M. Rogers (eds), Heaven on Earth: Art from Islamic Lands, 2004, Prestel, ISBN 3-7913-3055-1
  • Robinson, James, Masterpieces of Medieval Art, 2008, British Museum Press, ISBN 978-0-7141-2815-3
  • Sandars, Nancy K., Prehistoric Art in Europe, Penguin (Pelican, now Yale, History of Art), 1968 (nb 1st edn.; early datings now superseded)
  • Scholten, Frits (2011). European sculpture and metalwork. Нью-Йорк: Музей искусств Метрополитен. ISBN 978-1-58839-441-5.
  • Sickman, Laurence, in: Sickman L., & A. Soper, "The Art and Architecture of China", Пеликан История искусства, 3rd edn 1971, Penguin (now Yale History of Art), LOC 70-125675
  • Simon, Joshua. Neomaterialism, Berlin: Sternberg Press, 2013, ISBN 978-3-943365-08-5
  • Смит, У. Стивенсон и Симпсон, Уильям Келли. Искусство и архитектура Древнего Египта, 3-е изд. 1998, Издательство Йельского университета (Пингвин / Йельская история искусства), ISBN 0-300-07747-5
  • Snyder, James. Искусство Северного Возрождения, 1985, Гарри Н. Абрамс, ISBN 0-13-623596-4
  • Sobania, Neal W. (2012), "Lalibela", in Akyeampong, Emmanuel; Gates, Henry Louis, Jr., Словарь африканской биографии, Oxford: Oxford University Press, стр. 462, ISBN 978-0-19-538207-5.
  • Sobania, Neal W. (2012). "Lalibela", in Akyeampong, Emmanuel; Gates, Henry Louis, Jr., Словарь африканской биографии. Оксфорд: Издательство Оксфордского университета. ISBN 978-0-19-538207-5.
  • Стронг, Дональд и др., Римское искусство, 1995 (2nd edn), Yale University Press (Penguin/Yale History of Art), ISBN 0-300-05293-6
  • Уильямс, Дайфри. Шедевры классического искусства, 2009, Издательство Британского музея, ISBN 978-0-7141-2254-0

внешняя ссылка