WikiDer > Маньеризм

Mannerism

В Пармиджанинос Мадонна с длинной шеей (1534–1540), маньеризм проявляется в удлиненных пропорциях, сильно стилизованных позах и отсутствии ясной перспективы.

Маньеризм, также известный как Позднее Возрождение,[1][2] это стиль в Европейское искусство возникшие в последние годы итальянской Высокое Возрождение около 1520 года, распространившись примерно к 1530 году и продолжаясь примерно до конца 16 века в Италии, когда Барокко стиль во многом его заменил. Северный маньеризм продолжалась в начале 17 века.[3]

Стилистически, Маньеризм включает в себя множество подходов, на которые влияют и реагируют на гармоничные идеалы, связанные с такими художниками, как Леонардо да Винчи, Рафаэль, и рано Микеланджело. В то время как искусство Высокого Возрождения подчеркивает пропорции, баланс и идеальную красоту, маньеризм преувеличивает эти качества, часто приводя к асимметричным или неестественно элегантным композициям.[4] Стиль отличается интеллектуальной изысканностью, а также искусственными (в отличие от натуралистических) качествами.[5] Этот художественный стиль предпочитает композиционное напряжение и нестабильность, а не баланс и ясность ранней живописи эпохи Возрождения. Маньеризм в литературе и музыке отличается очень витиеватым стилем и интеллектуальной утонченностью.[6]

Определение маньеризма и его фаз продолжает оставаться предметом споров среди историков искусства. Например, некоторые ученые применили этот ярлык к некоторым ранним формам литературы (особенно поэзии) и музыке XVI и XVII веков. Этот термин также используется для обозначения некоторых поздних Готика художники, работавшие в Северной Европе примерно с 1500 по 1530 год, особенно Антверпенские маньеристы- группа, не имеющая отношения к итальянскому движению. Маньеризм также применялся по аналогии с Серебряный век латинской литературы.[7]

Номенклатура

Образец маньеризма: Лаокоон и его сыновья, древняя скульптура, заново открытая в 1506 году; сейчас в Музеи Ватикана. Художники маньеризма восхищались этой скульптурой.[4]

Слово «маньеризм» происходит от итальянского Maniera, что означает «стиль» или «манера». Как английское слово style, Maniera может указывать на определенный тип стиля (красивый стиль, абразивный стиль) или указывать на абсолют, который не требует уточнения (у кого-то «есть стиль»).[8] Во втором издании его Жизни выдающихся художников, скульпторов и архитекторов (1568), Джорджио Вазари использовал Maniera в трех разных контекстах: чтобы обсудить манеру или метод работы художника; для описания личного или группового стиля, например, термина Maniera Greca для обозначения византийского стиля или просто Maniera Микеланджело; и подтвердить положительное мнение о художественном качестве.[9] Вазари также был художником-маньеристом и описал период своей работы как «la maniera moderna», или «современный стиль».[10] Джеймс В. Миролло описывает, как поэты "bella maniera" пытались виртуозно превзойти сонеты Петрарка.[11] Это понятие «bella maniera» предполагает, что художники, вдохновленные таким образом, стремились копировать и улучшать своих предшественников, а не напрямую противостоять природе. По сути, "bella maniera" использовала лучшее из ряда исходных материалов, синтезируя это во что-то новое.[11]

Как стилистический ярлык, «маньеризм» определить нелегко. Его использовал швейцарский историк Джейкоб Буркхардт и популяризируется немецкими искусствоведы в начале 20-го века, чтобы классифицировать, казалось бы, неклассифицируемое искусство итальянского 16-го века - искусство, в котором больше не было обнаружено гармоничных и рациональных подходов, связанных с высоким ренессансом. «Высокое Возрождение» означало период, отмеченный гармонией, величием и возрождением классической античности. Термин «маньерист» был пересмотрен в 1967 г. Джон Ширман[12] после выставки картин маньеристов, организованной Фриц Гроссманн в Художественная галерея Манчестер Сити в 1965 г.[13] Ярлык «маньеризм» использовался в 16 веке, чтобы прокомментировать социальное поведение и передать изысканное виртуозное качество или обозначить определенную технику. Однако для более поздних писателей, таких как 17 век Джан Пьетро Беллори, La Maniera был уничижительным термином для обозначения упадка искусства после Рафаэля, особенно в 1530-х и 1540-х годах.[14] С конца 19 века историки искусства обычно использовали этот термин для описания искусства, которое следует за классицизмом эпохи Возрождения и предшествует барокко.

Однако историки расходятся во мнениях относительно того, является ли маньеризм стилем, движением или периодом; и хотя этот термин остается спорным, он все еще широко используется для обозначения европейского искусства и культуры 16 века.[15]

Происхождение и развитие

К концу Высокого Возрождения молодые художники пережили кризис:[4] казалось, что все, что можно было достичь, уже достигнуто. Больше никаких трудностей, технических или иных, не требовалось. Детальное знание анатомии, света, физиогномики и того, как люди регистрируют эмоции в выражениях и жестах, новаторское использование человеческой формы в фигуративной композиции, использование тонких градаций тона - все это почти достигло совершенства. Молодым художникам нужно было найти новую цель, и они искали новые подходы.[16] В этот момент начал проявляться маньеризм.[4] Новый стиль развивался между 1510 и 1520 годами во Флоренции,[17] или в Риме, или в обоих городах одновременно.[18]

Собранные рисунки, игнуди, с потолка Сикстинской капеллы Микеланджело

Истоки и образцы для подражания

Этот период был описан как «естественное продолжение»[6] искусства Андреа дель Сарто, Микеланджело и Рафаэль. Микеланджело разработал свой собственный стиль в раннем возрасте, глубоко оригинальный, который сначала вызывал восхищение, а затем часто копировал и подражал другим художникам той эпохи.[6] Одним из качеств, которым больше всего восхищались его современники, было его ужасный, чувство внушающего трепет величия, и последующие художники пытались имитировать его.[6] Другие художники научились страстному и очень индивидуальному стилю Микеланджело, копируя работы мастера, - стандартный способ, которым студенты учились рисовать и лепить. Его Потолок Сикстинской капеллы предоставил им примеры для подражания, в частности, его представление собранных фигур, часто называемых игнуди и из Ливийская сивилла, его вестибюль к Лаврентьевская библиотека, цифры на его Гробницы Медичи, и прежде всего его Страшный суд. Поздний Микеланджело был одним из великих образцов для подражания маньеризма.[6] Молодые художники ворвались в его дом и украли у него рисунки.[19] В его книге Жизнь самых выдающихся художников, скульпторов и архитекторовДжорджо Вазари отметил, что Микеланджело однажды сказал: «Те, кто являются последователями, никогда не могут пройти мимо того, за кем они следуют».[19]

Соревновательный дух

Соревновательный дух культивировали покровители, которые поощряли спонсируемых артистов подчеркивать виртуозную технику и соревноваться друг с другом за комиссии. Это побудило художников искать новые подходы и драматически освещенные сцены, тщательно продуманную одежду и композиции, удлиненные пропорции, стилизованные позы и отсутствие четкой перспективы. Леонардо да Винчи и Микеланджело получили заказ от Гонфалоньер Пьеро Содерини украсить стену Зала пятисот во Флоренции. Эти два художника были настроены рисовать бок о бок и соревноваться друг с другом, подпитывая стимул быть как можно более инновационным.

копия утраченной картины Микеланджело
Копия за утерянным оригиналом Микеланджело Battaglia di Cascina, к Бастиано да Сангалло, изначально предназначенный Микеланджело, чтобы конкурировать с работой Леонардо за ту же комиссию
копия утраченной картины Леонардо да Винчи
Копия после утерянного оригинала, Леонардо да Винчис Battaglia di Anghiari, к Рубенс, изначально предназначенный Леонардо, чтобы конкурировать с работой Микеланджело за ту же комиссию

Ранняя маньеризм

Якопо Понтормо, Погребение, 1528; Санта-Фелисита, Флоренция

Ранние маньеристы Флоренции - особенно ученики Андреа дель Сарто Такие как Якопо да Понтормо и Россо Фиорентино которые отличаются удлиненными формами, ненадежно сбалансированными позами, свернутой перспективой, иррациональной обстановкой и театральным освещением. Пармиджанино (студент Корреджо) и Джулио Романо (Главный помощник Рафаэля) двигались в аналогичном стилизованном эстетическом направлении в Риме. Эти художники созрели под влиянием Высокого Возрождения, и их стиль был охарактеризован как реакция на него или его преувеличенное расширение. Вместо непосредственного изучения природы молодые художники начали изучать эллинистическую скульптуру и картины мастеров прошлого. Поэтому этот стиль часто называют «антиклассическим»,[20] но в то время это считалось естественным продолжением Высокого Возрождения. Самая ранняя экспериментальная фаза маньеризма, известная своими «антиклассическими» формами, длилась примерно до 1540-1550 годов.[18] Марсия Б. Холл, профессор истории искусств Университета Темпл, отмечает в своей книге После Рафаэля что преждевременная смерть Рафаэля положила начало маньеризму в Риме.

В прошлых анализах было отмечено, что маньеризм возник в начале 16 века одновременно с рядом других социальных, научных, религиозных и политических движений, таких как Коперниканский гелиоцентризм, то Разграбление Рима в 1527 году, а Протестантская реформациярастущий вызов власти католической церкви. Из-за этого удлиненные формы и искаженные формы стиля когда-то интерпретировались как реакция на идеализированные композиции, преобладающие в искусстве Высокого Возрождения.[21] Это объяснение радикального стилистического сдвига c. 1520 год выпал из поля зрения ученых, хотя искусство раннего маньеризма по-прежнему резко контрастирует с традициями Высокого Возрождения; доступность и баланс, достигнутые Рафаэлем Школа Афин больше не интересовало молодых художников.

Высокая манера

Второй период маньеризма обычно различают[нужна цитата] из более ранней, так называемой «антиклассической» фазы. Последующие маньеристы подчеркивали интеллектуальное самомнение и художественную виртуозность - черты, которые побудили более поздних критиков обвинять их в работе в неестественной и притворной «манере» (Maniera). Художники Маньеры смотрели на своего старшего современника Микеланджело как на свою главную модель; Их искусство имитировало искусство, а не искусство имитации природы. Историк искусства Сидней Джозеф Фридберг утверждает, что интеллектуализирующий аспект манерного искусства предполагает ожидание, что аудитория заметит и оценит эту визуальную ссылку - знакомую фигуру в незнакомой обстановке, заключенную между «невидимыми, но ощутимыми кавычками».[22] Верх искусственности - это склонность художника Маньеры к преднамеренному присвоению цитаты. Аньоло Бронзино и Джорджио Вазари иллюстрируют эту разновидность Maniera, которая существовала примерно с 1530 по 1580 год. Основанная в основном при дворах и в интеллектуальных кругах по всей Европе, искусство Maniera сочетает преувеличенную элегантность с изысканным вниманием к поверхности и деталям: фигуры с фарфоровой кожей лежат в ровном, умеренном свете, признавая зрителю холодным взглядом, если он вообще смотрит в глаза. Тема Маньеры редко проявляет много эмоций, и по этой причине работы, иллюстрирующие эту тенденцию, часто называют «холодными» или «отчужденными». Это типично для так называемого «стильного стиля» или Maniera в зрелости.[23]

Распространение маньеризма

Английский маньеризм: Генри Ховард, граф Суррей, 1546 г., редкий портрет английского маньеризма, сделанный фламандским иммигрантом.

Города Рим, Флоренция и Мантуя были центрами маньеризма в Италии. Венецианская живопись преследовал другой курс, представленный Тициан за свою долгую карьеру. Ряд первых художников-маньеристов, которые работали в Риме в 1520-х годах, бежали из города после Мешок Рима в 1527 году. Когда они рассредоточились по континенту в поисках работы, их стиль распространился по всей Италии и Северной Европе.[24] Результатом стал первый международный художественный стиль со времен Готика.[25] В других частях Северной Европы не было преимущества такого прямого контакта с итальянскими художниками, но стиль маньеризма ощущался через гравюры и иллюстрированные книги. Европейские правители, среди прочего, покупали итальянские работы, в то время как североевропейские художники продолжали путешествовать в Италию, помогая распространять стиль маньеризма. Отдельные итальянские художники, работавшие на Севере, породили движение, известное как Северный маньеризм. Франциск I Франции, например, был подарен Бронзинос Венера, Амур, Безумие и Время. Этот стиль пришел в упадок в Италии после 1580 года, когда появилось новое поколение художников, в том числе Карраччи братья Караваджо и Cigoli, возродил натурализм. Вальтер Фридлендер определил этот период как «антиманьеризм», так же как ранние маньеристы были «антиклассическими» в своей реакции от эстетических ценностей Высокого Возрождения.[26] и сегодня братья Карраччи и Караваджо согласились начать переход к живописи в стиле барокко, которая доминировала к 1600 году.

Однако за пределами Италии маньеризм продолжался до 17 века. Во Франции, куда Россо поехал работать в суд в Фонтенбло, он известен как "Генрих II стиль"и оказали особое влияние на архитектуру. Другие важные континентальные центры Северный маньеризм включать суд Рудольф II в Прага, а также Харлем и Антверпен. Маньеризм как стилистическая категория реже применяется к английский изобразительное и декоративно-прикладное искусство, где местные ярлыки, такие какЕлизаветинский" и "Якобинский"применяются чаще. XVII век Ремесленный маньеризм является одним исключением, применяемым к архитектуре, которая полагается на книги образцов, а не на существующие прецеденты в континентальной Европе.[27]

Особо следует отметить фламандское влияние в Фонтенбло, которое объединило эротизм французского стиля с ранней версией французского стиля. Vanitas традиция, которая будет доминировать в голландской и фламандской живописи семнадцатого века. Преобладающим в это время был Питтор Ваго, описание художников с севера, которые вошли в мастерские Франции и Италии, чтобы создать поистине интернациональный стиль.

Скульптура

Как и в живописи, скульптура раннего итальянского маньеризма была в значительной степени попыткой найти оригинальный стиль, который превзошел бы достижения Высокое Возрождение, что в скульптуре, по сути, означало Микеланджело, и большая часть усилий по достижению этого была разыграна в комиссиях, чтобы заполнить другие места в Пьяцца делла Синьория во Флоренции, рядом с Микеланджелос Дэйвид. Баччо Бандинелли взял на себя проект Геркулес и Какус от самого мастера, но тогда он был немногим более популярен, чем сейчас, и злонамеренно сравнивал Бенвенуто Челлини на «мешок дынь», хотя он оказал долгосрочное влияние, очевидно, добавив рельефные панели на пьедестал статуй. Как и другие работы его и других маньеристов, он удаляет гораздо больше оригинального блока, чем это сделал бы Микеланджело.[28] Бронза Челлини Персей с головой Медузы это, безусловно, шедевр, созданный с восемью углами обзора, еще одна характеристика маньеризма, и искусственно стилизованный по сравнению с Дэйвидс Микеланджело и Донателло.[29] Первоначально ювелир, его знаменитые золото и эмаль Солонка (1543 г.) была его первой скульптурой, которая лучше всего показывает его талант.[30]

Маленькие бронзовые фигурки для коллекционеров. шкафы, часто мифологические сюжеты с обнаженными телами, были популярной формой эпохи Возрождения, в которой Джамболоньяизначально Фламандский но базирующаяся во Флоренции, преуспела во второй половине века. Он также создал скульптуры в натуральную величину, две из которых вошли в коллекцию на Пьяцца делла Синьория. Он и его последователи изобрели элегантные удлиненные образцы фигура змеевидная, часто из двух переплетенных фигур, которые были интересны со всех сторон.[31]

Ранние теоретики

Пьетро Франкавилла, Аполлон, победивший питона, 1591. Художественный музей Уолтерса

Джорджио Вазари

Джорджио ВазариМнения художника об искусстве живописи выражаются в похвале, которую он воздает коллегам-художникам в своем многотомнике. Жития художников: он считал, что мастерство в живописи требует изысканности, изобретательности (Invenzione), выраженная виртуозной техникой (Maniera), остроумие и учёность, проявившиеся в готовой работе, - все критерии, подчеркивающие интеллект художника и чуткость покровителя. Художник больше не был просто обученным членом местной Гильдии Святого Луки. Теперь он занял свое место при дворе вместе с учеными, поэтами и гуманистами в атмосфере, которая способствовала пониманию элегантности и сложности. Герб Вазари Медичи Покровители появляются в верхней части его портрета, как если бы это был собственный портрет художника. Обрамление гравюры на дереве Вазари. Жизни будет называться "Якобинский"в англоязычной среде. В нем гробницы Медичи Микеланджело вдохновляют антиархитектурные" архитектурные "черты вверху, вырезанную из бумаги раму, обнаженные сатира в основании. Как простая рамка, это экстравагантно: маньеризм, в короткая.

Джан Паоло Ломаццо

Другой литературный деятель того периода - Джан Паоло Ломаццо, который создал две работы - практическую и метафизическую - которые помогли определить осознанное отношение художника-маньериста к своему искусству. Его Trattato dell'arte della pittura, scoltura et architettura (Милан, 1584 г.) частично является руководством к современным концепциям приличия, который Ренессанс частично унаследовал от античности, но развил маньеризм. Систематическая кодификация эстетики Ломаццо, которая олицетворяет более формализованные и академические подходы, типичные для конца XVI века, подчеркивает соответствие между функциями интерьеров и подходящими видами окрашенных и скульптурных декоров. Иконография, часто запутанная и непонятная, является более заметным элементом стилей маньеризма. Его менее практичный и более метафизический Idea del tempio della pittura (Идеальный храм живописи, Милан, 1590) предлагает описание в духе "четыре темперамента«теория человеческой природы и личности, определяющая роль индивидуальности в суждении и художественном изобретении.

Характеристики произведений искусства, созданных в период маньеризма

Маньеризм был антиклассическим движением, которое сильно отличалось от эстетических идеологий эпоха Возрождения.[32] Хотя изначально маньеризм был принят позитивно, основываясь на трудах Вазари,[32] Позже он рассматривался в негативном свете, потому что рассматривался исключительно как «изменение естественной истины и банальное повторение естественных формул».[32] Как художественный момент маньеризм включает в себя множество характеристик, которые уникальны и специфичны для экспериментов с восприятием искусства. Ниже приведен список многих конкретных характеристик, которые художники-маньеристы использовали в своих произведениях.

  • Удлинение фигур: часто в маньеристских работах фигурировало удлинение человеческой фигуры - иногда это способствовало возникновению причудливых образов в некоторых маньеристских искусствах.[33] 
  • Искажение перспективы: в картинах искажение перспектива исследовали идеалы для создания идеального пространства. Однако идея совершенства иногда подразумевала создание уникальных образов. Одним из способов исследования искажения была техника ракурс. Иногда, когда использовалось сильное искажение, это делало изображение почти невозможным для расшифровки.[33]
  • Черный фон: художники-маньеристы часто использовали плоский черный фон, чтобы представить полный контраст контуров и создать драматические сцены. Черный фон также способствовал созданию ощущения фантазии в рамках предмета.[33]  
  • Использование тьмы и света: многие маньеристы были заинтересованы в том, чтобы передать сущность ночного неба с помощью преднамеренного освещения, часто создавая ощущение фанатичных сцен. Примечательно, что особое внимание было уделено факелу и лунному свету для создания драматических сцен.[33]
  • Скульптурные формы: на маньеризм большое влияние оказала скульптура, которая приобрела популярность в шестнадцатом веке. В результате художники-маньеристы часто основывали свои изображения человеческих тел на скульптурах и гравюрах. Это позволило художникам-маньеристам сосредоточиться на создании измерения.[33]
  • Четкость линий: внимание, которое уделялось чистым очертаниям фигур, было заметно в рамках маньеризма и во многом отличалось от маньеризма. Барокко и Высокое ВозрождениеОчертания фигур часто позволяли уделять больше внимания деталям.[33]  
  • Сочинение и космос: художники-маньеристы отвергли идеалы эпоха Возрождения, особенно техника одноточечная перспектива. Вместо этого был сделан упор на атмосферные эффекты и искажение звука. перспектива. Использование пространства в работах маньеристов вместо привилегированных переполненных композиций с различными формами и фигурами или скудных композиций с акцентом на черном фоне.[33]  
  • Движение маньеристов: интерес к изучению человеческого движения часто приводит к тому, что художники-маньеристы создают уникальный тип движения, связанный с серпантинные позиции. Эти позиции часто предвосхищают движения будущих позиций из-за их часто нестабильных фигур движения. Кроме того, эта техника объясняет экспериментирование художника с формой.[33]
  • Окрашенные рамы: в некоторых маньеристских работах расписные рамы использовались, чтобы сливаться с фоном картин и иногда вносить вклад в общую композицию произведения искусства. Это часто бывает, когда особое внимание уделяется декоративным деталям.[33]
  • Атмосферные эффекты: многие маньеристы использовали технику сфумато, известное как «отображение мягких и размытых контуров или поверхностей»[33] в своих картинах для передачи потоков света.[33]  
  • Цвет маньеризма: уникальный аспект маньеризма заключался в том, что в дополнение к экспериментам с формой, композицией и светом, много того же любопытства было применено к цвету. Многие произведения искусства играли с чистым и интенсивным оттенки синего, зеленого, розового и желтого, которые иногда отвлекают от общего дизайна произведений искусства, а иногда дополняют его. Кроме того, при изменении тона кожи художники часто сосредотачиваются на создании чрезмерно кремового и светлого цвета лица и часто используют оттенки синего.[33]

Художники-маньеристы и примеры их работ

Иоахим Втевал Персей и Андромеда, 1616, Лувр, композиция с изображением Ваните костей и ракушек на переднем плане и тщательно продуманная академическая обнаженная натура с палитрой, заимствованной у щек Андромеды. Дракон, кажется, имеет китайско-восточное влияние.

Якопо да Понтормо

Якопо да ПонтормоЕго работы были известны как один из самых важных вкладов в маньеризм.[34] Большая часть его тематики основана на религиозных повествованиях, а также на влиянии произведений Микеланджело.[34] и ссылка на скульптуру для создания человеческих форм.[32] Известный элемент его работ - это передача взглядов различными фигурами, которые часто пронзают зрителя в разных направлениях.[32] Посвященный своей работе, Понтормо часто выражал беспокойство по поводу качества своей работы и, как известно, работал медленно и методично.[32] Его наследие высоко ценится, так как он оказал влияние на таких художников, как Аньоло Бронзино и эстетические идеалы позднего маньеризма.[34]

Понтоморо Иосиф в Египте, написана в 1517 г.,[32] изображает непрерывное повествование о четырех библейских сценах, в которых Джозеф воссоединяется со своей семьей. В левой части композиции Понтоморо изображает сцену, в которой Иосиф представляет свою семью фараон из Египет. Справа Джозеф едет на скатной скамейке, а херувимы заполняют композицию вокруг него в дополнение к другим фигурам и большим камням на тропинке вдали. Над этими сценами находится винтовая лестница, по которой Иосиф ведет одного из своих сыновей к их матери наверху. Последняя сцена справа - финальная стадия смерти Иакова, когда его сыновья наблюдают за происходящим поблизости.[32]

Понтормо Иосиф в Египте имеет много элементов маньеризма. Одним из элементов является использование несовместимых цветов, таких как различные оттенки розового и синего, которые составляют большинство холст. Дополнительным элементом маньеризма является бессвязная трактовка времени в истории Иосифа через различные сцены и использование пространства. За счет включения четырех разных повествований Понотормо создает загроможденную композицию и общее ощущение занятости.

Россо Фьорентино и школа Фонтенбло

Россо Фиорентино, который был однокурсником Понтормо по мастерской Андреа дель Сарто, в 1530 г. принес флорентийский маньеризм Фонтенбло, где он стал одним из основоположников французского маньеризма 16-го века, широко известного как Школа Фонтенбло.

Примеры богатого и беспокойного декоративного стиля в Фонтенбло способствовали дальнейшему распространению итальянского стиля через гравюры к Антверпен, а оттуда по всей Северной Европе, от Лондона до Польши. Дизайн маньеризма был распространен на предметы роскоши, такие как серебро и резная мебель. Чувство напряженной контролируемой эмоции, выраженное в сложной символике и аллегория, и идеал женской красоты, характеризующийся удлиненными пропорциями, - черты этого стиля.

Аньоло Бронзино

Высокий маньеризм: Венера, Амур, Безумие и Время к Бронзино, c. 1545; Национальная галерея, Лондон.

Аньоло Бронзино был учеником Понтормо,[35] чей стиль был очень влиятельным и часто сбивал с толку с точки зрения определения авторства многих произведений искусства.[35] За свою карьеру Бронзино также сотрудничал с Вазари как сценограф для спектакля «Комедия фокусников», где нарисовал много портреты.[35] Работы Бронзино пользовались большим спросом, и он пользовался большим успехом, когда стал придворный художник для Медичи семья в 1539 году.[35] Уникальной маньеристской характеристикой работы Бронзино была передача молочного цвета. цвет лица.[35]

В картине Венера, Амур, Безумие и Время, Бронзино изображает эротическую сцену, которая оставляет у зрителя больше вопросов, чем ответов. На переднем плане, Амур и Венера почти целуются, но делают паузу, как будто застали их на месте. Над парой мифологические фигуры, Время отца справа, который задергивает занавеску, чтобы показать пару и изображение богиня ночи слева. В композиции также присутствует группировка масок, гибридное существо состоит из черт девушки и змеи, а также мужчины, изображенного в мучительной боли. Существует много теорий о картине, например, о том, что она передает опасность сифилис, или что картина функционировала как корт игра.[36]

Портреты-маньеристы Бронзино отличаются безмятежной элегантностью и тщательной проработкой деталей.В результате ситтеры Бронзино, как говорят, излучают отчужденность и заметную эмоциональную дистанцию ​​от зрителя. Также существует виртуозная концентрация на передаче точного рисунка и блеска богатых тканей. В частности, в рамках Венера, Амур, Безумие и ВремяБронзино использует тактику движения маньеризма, внимание к деталям, цвету и скульптурным формам. Свидетельства движения маньеризма проявляются в неуклюжих движениях Купидона и Венеры, когда они изгибаются, чтобы частично обнять. В частности, Bronzino окрашивает цвет лица с множеством форм как идеальный фарфоровый белый цвет с плавным стиранием их мускулов, что дает нам ссылку на гладкость скульптуры.

Алессандро Аллори

Алессандро Аллори(1535–1607) Сусанна и старшие (ниже) отличается скрытой эротичностью и осознанно яркими деталями натюрморта, в скученной, искаженной композиции.

Якопо Тинторетто

Якопо Тинторетто, Последний ужин, 1592–1594

Якопо Тинторетто был известен своим совершенно разным вкладом в Венецианская живопись после наследия Тициан. Его работы, которые сильно отличались от его предшественников, подвергались критике со стороны Вазари за его «фантастический, экстравагантный, причудливый стиль».[37] В своей работе Тиниторетто перенял элементы маньеризма, которые дистанцировали его от классического представления о венецианской живописи, поскольку он часто создавал произведения, содержащие элементы фантазии и сохраняющие натурализм.[37] Среди других уникальных элементов работы Тинторетто - его внимание к цвету за счет регулярного использования грубых мазков.[37] и эксперименты с пигментом для создания иллюзий.[37]

Произведение искусства, связанное с характеристиками маньеризма, - это Последний ужин; он был заказан Микеле Алабарди для Сан-Джорджо Маджоре в 1591 г.[37] В Тинторетто Последний ужин, сцена изображена с точки зрения группы людей по правой стороне композиции. В левой части картины Христос и Апостолы занимают одну сторону стола и выделяют Иуда. В темном пространстве мало источников света; один источник исходит от Христа гало и висит факел над столом.

В своем отличном составе Последний ужин изображает маньеристские характеристики. Одна из характеристик, которую использует Тинторетто, - черный фон. Хотя картина дает некоторое представление о внутреннем пространстве за счет использования перспектива, края композиции большей частью окутаны тенью, что придает драматизм центральной сцене Последний ужин. Кроме того, Тинторетто использует эффекты прожектора со светом, особенно с нимбом Христа и висящим факелом над столом. Третья характеристика маньеризма, которую использует Тинторетто, - это атмосферные эффекты фигур, сформированных в дыме и плавающих вокруг композиции.

Эль Греко

Эль Греко пытался выразить религиозные эмоции с преувеличенными чертами. После реалистичного изображения человеческой формы и мастерства перспективы, достигнутого в Высоком Возрождении, некоторые художники начали намеренно искажать пропорции в разрозненном, иррациональном пространстве для эмоционального и художественного эффекта. Эль Греко по-прежнему остается глубоко оригинальным художником. Современные ученые характеризуют его как художника, настолько индивидуального, что он не принадлежит ни к какой традиционной школе.[6] Ключевые аспекты маньеризма в Эль Греко включают резкую «кислотную» палитру, вытянутую и мучительную анатомию, иррациональную перспективу и свет, а также темную и тревожную иконографию.[38][39] Стиль Эль Греко стал кульминацией уникальных разработок, основанных на его греческом наследии и поездках в Испанию и Италию.[40]

Работы Эль Греко отражают множество стилей, включая византийский элементы, а также влияние Караваджо и Пармиджанино в добавление к Венецианская окраска.[40] Важным элементом является его внимание к цвету, поскольку он считал это одним из самых важных аспектов своей живописи.[41] На протяжении своей карьеры работы Эль Греко пользовались большим спросом, поскольку он выполнял важные заказы в таких местах, как Colegio de la Encarnación de Madrid.[40]

Эль Греко, Лаокоон (1610–1614), Национальная художественная галерея

Уникальный стиль живописи Эль Греко и связь с чертами маньеризма особенно распространены в его творчестве. Лаокоон. Написана в 1610 г.[42] он изображает мифологический рассказ о Лаокоон, который предупредил Трояны об опасности деревянная лошадь который был преподнесен греками как мирная жертва богине Минерва. В результате Минерва отомстила, вызвав змей, чтобы убить Лаокоона и двух его сыновей. Вместо того, чтобы быть настроенным на фоне Трой, Эль Греко расположил сцену рядом с Толедо, Испания для того, чтобы «универсализировать историю, выявив ее актуальность для современного мира».[42]

Уникальный стиль Эль Греко в Лаокоон иллюстрирует многие характеристики маньеризма. Одна из них - это удлинение многих человеческих форм по всей композиции в сочетании с их змеевидным движением, что придает ощущение элегантности. Дополнительным элементом стиля маньеризма являются атмосферные эффекты, в которых Эль Греко создает туманное небо и размытие ландшафта на заднем плане.

Бенвенуто Челлини

Бенвенуто Челлини создал Соляной погреб Челлини золота и эмали 1540 г. Посейдон и Амфитрит (вода и земля) размещены в неудобных положениях и имеют вытянутые пропорции. Считается шедевром маньеристской скульптуры.

Минерва Дрессинг (1613) по Лавиния Фонтана (1552–1614). Галерея Боргезе, Рим.

Лавиния Фонтана

Лавиния Фонтана (1552–1614) была портретистом-маньеристом, которого часто признавали первой женщиной-художником в Западной Европе.[43] Она была назначена портретистом в ординарном искусстве. Ватикан.[44] Ее стиль характеризуется влиянием Семья Карраччи художников красками венецианской школы. Она известна своими портретами дворянок и изображением обнаженных фигур, что было необычно для женщины того времени.[45]

Таддео Зуккаро (или Зуккари)

Таддео Зуккаро родился в Сант-Анджело-ин-Вадо, недалеко от Урбино, сына Оттавиано Цуккари, почти неизвестного художника. Его брат Федерикородился около 1540 года, был художником и архитектором.

Федерико Зуккаро (или Зуккари)

Федерико ЦуккароЗадокументированная карьера художника началась в 1550 году, когда он переехал в Рим, чтобы работать под Таддео, его старший брат. Он продолжал завершать украшения для Пий IV, и помогите завершить фрески на Вилла Фарнезе в Капрароле. Между 1563 и 1565 годами он работал в Венеция с Гримани семья Санта-Мария-Формоза. Во время своего венецианского периода он путешествовал вместе с Палладио во Фриули.

Иоахим Втевал

Иоахим Втевал (1566–1638) продолжал писать в Северный маньерист стиль до конца своей жизни, игнорируя прибытие Искусство барокко, что делает его, возможно, последним значительным художником-маньеристом, над которым еще предстоит работать. Его сюжетами были большие сцены с натюрмортами в манере Питер Аэрцен, и мифологические сцены, множество мелких кабинетные картины красиво выполнено на меди, и большинство из них изображает наготу.

Джузеппе Арчимбольдо

Джузеппе Арчимбольдо наиболее известен своими работами, в которых натюрморт и портретная живопись.[46] Его стиль рассматривается как маньеризм со стилем сборки фруктов и овощей, в котором их композиция может быть изображена различными способами - лицевой стороной вверх и вверх ногами.[46] Работы Арчимбольдо также применимы к маньеризму с точки зрения юмора, который он передает зрителям, потому что он не обладает такой же степенью серьезности, как произведения эпохи Возрождения.[46] Стилистически картины Арчимбольдо известны своим вниманием к природе и концепцией «чудовищной внешности».[46]

Одна из картин Арчимбольдо, которая содержит различные характеристики маньеризма: Вертумн. На черном фоне нарисован портрет Рудольф II, тело которого состоит из различных овощей, цветов и фруктов.[46] Картина рассматривается на разных уровнях как шутка и несет серьезный посыл. Шутка на картине передает юмор силы, заключающийся в том, что император Рудольф II скрывает темную внутреннюю сущность за своим публичным имиджем.[46] С другой стороны, серьезный тон картины предвещает удачу, которая будет преобладать во время его правления.[46]

Вертумн содержит различные элементы маньеризма с точки зрения его состава и сообщения. Одним из элементов является плоский черный фон, который Арчимбольдо использует, чтобы подчеркнуть статус и личность Императора, а также подчеркнуть фантазию его правления. На портрете Рудольфа II Арчимбольдо также отклоняется от натуралистический представляет эпоху Возрождения и исследует построение композиции, воссоздавая его из беспорядка фруктов, овощей, растений и цветов. Еще один элемент маньеризма, изображенный на картине, - это двойное повествование шутки и серьезного сообщения; Юмор обычно не использовался в произведениях искусства эпохи Возрождения.

Маньеристская архитектура

Влишал в Харлем, Нидерланды
Ратуша в Замосць, Польша, разработано Бернардо Морандо.

Архитектура маньеризма характеризовалась визуальным обманом и неожиданными элементами, которые бросали вызов эпоха Возрождения норм.[47] Фламандские художники, многие из которых путешествовали в Италию и находились под влиянием развития маньеризма там, были ответственны за распространение тенденций маньеризма в Европе к северу от Альп, в том числе в сфере архитектуры.[48] В этот период архитекторы экспериментировали с использованием архитектурных форм, чтобы подчеркнуть твердые и пространственные отношения. Идеал гармонии эпохи Возрождения уступил место более свободным и творческим ритмам. Самый известный архитектор, связанный со стилем маньеризма, и пионер в Лаврентьевская библиотека, был Микеланджело (1475–1564).[49] Ему приписывают изобретение гигантский заказ, большая пилястра, тянущаяся от низа до верха фасада.[50] Он использовал это в своем дизайне для Пьяцца дель Кампидольо в Риме.

До 20 века термин Маньеризм имел негативный оттенок, но теперь он используется для описания исторического периода в более общих, непредвзятых терминах.[51] Архитектура маньеризма также использовалась для описания тенденции 1960-х и 1970-х годов, которая включала нарушение норм модернистской архитектуры и в то же время признание их существования.[52] Определяя маньеризм в этом контексте, архитектор и автор Роберт Вентури писал: «Маньеризм для архитектуры нашего времени, который признает условный порядок, а не оригинальное выражение, но ломает условный порядок, чтобы приспособиться к сложности и противоречию и тем самым недвусмысленно допускает двусмысленность».[52]

Примеры эпохи Возрождения

Примером маньеристской архитектуры является Вилла Фарнезе в Caprarola,[53] в суровой сельской местности за пределами Рим. Распространение граверов в 16 веке распространило стили маньеризма быстрее, чем любые предыдущие стили.

Плотный орнаментом из «римских» деталей дверной проем витрины на Замок Кольдиц олицетворяет северный стиль, который обычно применяется в качестве изолированной «декорации» на фоне неприхотливой народной стены.[нужна цитата]

С конца 1560-х годов многие здания в Валлетта, новая столица Мальта, были спроектированы архитектором Джироламо Кассар в стиле маньеризма. К таким постройкам относятся Собор Святого Иоанна, то Гроссмейстерский дворец и семь оригинальных Auberges. Многие здания Кассара были изменены с годами, особенно в Барокко период. Однако несколько построек, таких как Auberge d'Aragon и внешний вид Собора Св. Иоанна до сих пор сохраняют большую часть оригинального маньеристского дизайна Кассара.[54]

Маньеризм в литературе и музыке

Смотрите также: Метафизические поэты

В английской литературе маньеризм обычно отождествляется с качествами «метафизических» поэтов, наиболее известными из которых являются Джон Донн.[56] Остроумная выходка писателя эпохи барокко, Джон Драйденв отличие от стихов Донна из предыдущего поколения, представляет собой краткий контраст между целями барокко и маньеризма в искусстве:

Он воздействует на метафизику не только в своих сатирах, но и в любовных стихах, где только природа должен царствовать; и сбивает с толку представительниц прекрасного пола с отлично[57] предположения философии, когда он должен задействовать их сердца и развлекай их нежностью любви.[58]:15 (курсив добавлен)

Богатые музыкальные возможности поэзии конца 16 - начала 17 веков послужили привлекательной основой для мадригал, которая быстро приобрела известность как выдающаяся музыкальная форма в итальянской музыкальной культуре, о чем говорил Тим Картер:

Мадригал, особенно в его аристократическом обличье, очевидно, был средством для «стильного стиля» маньеризма, когда поэты и музыканты упивались остроумным тщеславием и другими визуальными, словесными и музыкальными трюками, чтобы порадовать знатока.[59]

Слово маньеризм также использовалось для описания стиля очень витиеватого и контрапунктно сложный полифонический музыка, созданная во Франции в конце 14 века.[60] Этот период сейчас принято называть ars subtilior.

Маньеризм и театр

Ранняя комедия дель арте (1550–1621): контекст маньеризма Пол Кастаньо обсуждает влияние маньеризма на современный профессиональный театр.[61] Кастаньо было первым исследованием, в котором театральная форма была определена как маньеризм, с использованием словаря маньеризма и маньеризма для обсуждения типизации, преувеличения и Эффетто Меравильозо из comici dell'arte. См. Часть II вышеупомянутой книги для полного обсуждения характеристик маньеризма в комедия дель арте. Исследование в значительной степени является иконографическим и представляет собой наглядное свидетельство того, что многие художники, которые рисовали или печатали изображения комедии, на самом деле, выходцы из мастерских того времени, в значительной степени укоренились в традиции маниеры.

Превосходство в Жак КаллоМельчайшие гравюры, кажется, опровергают гораздо больший масштаб действия. Калло Балли ди Сфессания (буквально, танец ягодиц) прославляет вопиющий эротизм комедии с выступающими фаллосами, копьями, позирующими в предвкушении комической сцены, и сильно преувеличенными масками, смешивающими звериное с человеческим. Эротика бездельник (любовники), в том числе обнажение груди или чрезмерное прикрытие вуали, были в моде на картинах и гравюрах второго периода. Школа Фонтенбло, особенно те, которые обнаруживают франко-фламандское влияние. Кастаньо демонстрирует иконографические связи между жанровой живописью и фигурами комедии дель арте, демонстрирующие, как эта театральная форма была встроена в культурные традиции позднего периода. чинквеченто.[62]

Комедия дель арте, внутренняя конструкция, а Discordia concors

Важные следствия существуют между внутренняя конструкция, который заменил Disgno Esterno (внешний дизайн) в маньеристской живописи. Это представление о проецировании глубоко субъективного взгляда как вытесняющего природу или устоявшихся принципов (например, перспективы), по сути, акцент с объекта на его предмет, теперь подчеркивающий исполнение, демонстрацию виртуозности или уникальные техники. Это внутреннее видение лежит в основе комедийного представления. Например, в момент импровизации актер выражает свою виртуозность, не обращая внимания на формальные границы, приличия, единство или текст. Арлекино стал символом маньеризма Discordia concors (союз противоположностей), в какой-то момент он был бы нежным и добрым, а затем, на копейке, стал бы вором, яростно разыгрывающим свою битву. Арлекино мог двигаться изящно, только в следующем такте, чтобы неуклюже споткнуться о ноги. Освободившись от внешних правил, актер праздновал мимолетность момента; во многом Бенвенуто Челлини ослеплял своих покровителей драпировкой своих скульптур, раскрывая их световыми эффектами и ощущением чудесного. Представление объекта стало таким же важным, как и сам объект.

Неоманьеризм

По мнению искусствоведа Джерри Зальц«Неоманьеризм» (новый маньеризм) - одно из нескольких клише, «выдавливающих жизнь из мира искусства».[63] Неоманьеризм описывает искусство 21-го века, созданное студентами, чьи академические учителя «напугали [их], сделав их приятно кроткими, подражательными и обычными».[63]

Смотрите также

Примечания

  1. ^ Моффетт, Мэриан; Fazio, Майкл В .; Вудхаус, Лоуренс (2003). Всемирная история архитектуры. Издательство Лоуренс Кинг. п. 330. ISBN 978-1-85669-371-4.
  2. ^ Буске, Жак (1964). Маньеризм: живопись и стиль позднего Возрождения. Бразиллер.
  3. ^ Фридберг 1971, 483.
  4. ^ а б c d Гомбрич 1995,[страница нужна].
  5. ^ «Маньеризм: Бронзино (1503–1572) и его современники». Метрополитен-музей. Получено 19 мая 2013.
  6. ^ а б c d е ж Искусство и иллюзия, Э. Х. Гомбрич, ISBN 9780691070001
  7. ^ "манерный". artsconnected.org. Архивировано из оригинал 20 июня 2012 г.. Получено 9 января 2015.
  8. ^ Джон Ширман, «Маниера как эстетический идеал», в Cheney 2004, 37.
  9. ^ Чейни 1997, 17.
  10. ^ Бриганти 1961, 6.
  11. ^ а б Миролло 1984,[страница нужна]
  12. ^ Ширман 1967.
  13. ^ Гроссманн 1965.
  14. ^ Смит 1962, 1-2.
  15. ^ Чейни[нужна цитата], «Предисловие», xxv – xxxii, и Манфред Вундрам, «Маньеризм», Grove Art Online. Oxford University Press, [доступ 23 апреля 2008 г.].
  16. ^ «Блестящие невротики позднего Возрождения». Зритель. 17 мая 2014 г.
  17. ^ Фридлендер 1965,[страница нужна]
  18. ^ а б Фридберг 1993, 175–77.
  19. ^ а б Джорджо Вазари, жизни самых выдающихся художников, скульпторов и архитекторов
  20. ^ Фридлендер 1965,[страница нужна].
  21. ^ Манфред Вундрам, «Маньеризм», Grove Art Online. Oxford University Press, [доступ 23 апреля 2008 г.].
  22. ^ Фридберг 1965.
  23. ^ Shearman 1967, стр. 19
  24. ^ Бриганти 1961, 32–33
  25. ^ Бриганти 1961, 13.
  26. ^ Фридлендер 1957,[страница нужна].
  27. ^ Саммерсон 1983, 157–72.
  28. ^ Олсон, 179–182
  29. ^ Олсон, 183–187
  30. ^ Олсон, 182–183
  31. ^ Олсон, 194–202
  32. ^ а б c d е ж грамм час Маркетти Летта, Элизабетта (1995). Понтормо, Россо Фьорентино. Констебль. п. 6. ISBN 0094745501. OCLC 642761547.
  33. ^ а б c d е ж грамм час я j k л Умный, Аластер (1972). Ренессанс и маньеризм в Северной Европе и Испании. Нью-Йорк: Харкорт Брейс Йованович. п. 118.
  34. ^ а б c Кокс-Рерик, Джанет. "Понтормо, Якопо да". Grove Art Online. Получено 1 апреля 2019.
  35. ^ а б c d е Чекки, Алессандро; Бронзино, Аньоло; фургоны, Кристофер Э (1996). Бронзино. Антелла, Флоренция: Библиотека великих мастеров. п. 20.
  36. ^ Стокстад, Мэрилин; Котрен, Майкл Ватт (2011). История искусства. Река Аппер Сэдл, штат Нью-Джерси: Пирсон / Прентис-Холл. стр.663.
  37. ^ а б c d е Николс, Том (1 октября 2015 г.). Тинторетто: традиции и самобытность. п. 234. ISBN 9781780234816. OCLC 970358992.
  38. ^ «Национальная художественная галерея - Эль Греко». Nga.gov. Получено 19 мая 2013.
  39. ^ «Метрополитен-музей Эль Греко (Доменикос Теотокопулос) (1541–1614)». Metmuseum.org. Получено 19 мая 2013.
  40. ^ а б c Мариас, Фернандо (2003). «Греко, Эль». Grove Art Online. Получено 1 апреля 2019.
  41. ^ Ламбраки-Плака, Марина (1999). Эль Греко-Грек. Кастаниотис. С. 47–49. ISBN 960-03-2544-8.
  42. ^ а б Дэвис, Дэвид; Греко, Дж. Н; Метрополитен-музей; Национальная галерея (2003). Эль Греко. Лондон: Национальная галерея. п. 245.
  43. ^ Мерфи, Кэролайн (2003). Лавиния Фонтана: художник и ее покровители в Болонье шестнадцатого века. Нью-Хейвен: издательство Йельского университета. ISBN 0300099134. OCLC 50478433.
  44. ^ Чейни, Лиана (2000). Алисия Крэйг Факсон; Кэтлин Люси Руссо (ред.). Автопортреты женщин-художников. Олдершот, Хантс, Англия: Ашгейт. ISBN 1859284248. OCLC 40453030.
  45. ^ «Обнаженная Минервас Лавинии Фонтаны. - Бесплатная онлайн-библиотека». www.thefreelibrary.com. Получено 10 марта 2019.
  46. ^ а б c d е ж грамм Кауфманн, Томас ДаКоста (2010). Арчимбольдо. Издательство Чикагского университета. п. 167. Дои:10.7208 / Чикаго / 9780226426884.001.0001. ISBN 9780226426877.
  47. ^ "Руководство по стилю: маньеризм". Виктория и Альберт. 19 декабря 2012 г.. Получено 11 января 2015.
  48. ^ Вундрам, Манфред (1996). Словарь искусств. Роща. п. 281.
  49. ^ Пейчева, Мария (2016). Микеланджело: 240 цветных пластин. StreetLib. п. 2. ISBN 978-88-925-7791-6.
  50. ^ [требуется проверка]Марк Ярзомбек, "Пилястр Плей" (PDF), Пороги, 28 (зима 2005 г.): 34–41
  51. ^ Арнольд Хаузер. Маньеризм: кризис Возрождения и истоки современного искусства. (Кембридж: издательство Гарвардского университета, 1965).
  52. ^ а б Вентури, Роберт. «Архитектура как знаки и системы» (PDF). Получено 11 января 2015.
  53. ^ Гроб Давида, Вилла в жизни Рима эпохи Возрождения, Princeton University Press, 1979: 281–85
  54. ^ Эллул, Майкл (2004). «В поисках Джироламо Кассара: неопубликованная рукопись в Государственном архиве Лукки» (PDF). Melita Historica. XIV (1): 37. ISSN 1021-6952. Архивировано из оригинал (PDF) 13 марта 2016 г.
  55. ^ «Исторический центр Сальвадора де Баия», Список всемирного наследия, Париж: ЮНЕСКО
  56. ^ "Электронные книги Гейла - Документ - Джон Донн". go.gale.com. Получено 3 февраля 2020.
  57. ^ «Красиво» в смысле «хорошо аргументировано».
  58. ^ Гарднер, Хелен (1957). Метафизические поэты. Издательство Оксфордского университета, Лондон. ISBN 9780140420388. Получено 15 августа 2014.
  59. ^ Картер 1991, 128.
  60. ^ Апель 1946–47, 20.
  61. ^ Кастаньо 1992,[страница нужна].
  62. ^ Кастаньо 1994,[страница нужна].
  63. ^ а б Зальц, Джерри (10 октября 2013 г.). "Джерри Зальц о новом коварном клише искусства: неоманьеризме". Гриф. Получено 16 августа 2014.

Рекомендации

  • Апель, Вилли. 1946–47. «Французская светская музыка конца четырнадцатого века». Acta Musicologica 18: 17–29.
  • Бриганти, Джулиано. 1962 г. Итальянский маньеризм, перевод с итальянского Маргарет Кунцле. Лондон: Темза и Гудзон; Принстон: Ван Ностранд; Лейпциг: Издание ВЭБ. (Первоначально опубликовано на итальянском языке, как La Maniera Italiana, La pittura italiana 10. Рим: Редакция Риунити, 1961).
  • Картер, Тим. 1991 г. Музыка в Италии позднего Возрождения и раннего барокко. Лондон: Амадеус Пресс. ISBN 0-9313-4053-5[требуется проверка]
  • Кастаньо, Пол С. 1994. Ранняя комедия дель арте (1550–1621): контекст маньеризма. Нью-Йорк: П. Ланг. ISBN 0-8204-1794-7.
  • Чейни, Лиана де Джиролами (ред.). 2004 г. Чтения по итальянскому маньеризму, второе издание, с предисловием Крейга Хью Смита. Нью-Йорк: Питер Лэнг. ISBN 0-8204-7063-5. (Предыдущее издание, без форварда Смита, Нью-Йорк: Питер Ланг, 1997. ISBN 0-8204-2483-8).
  • Кокс-Рерик, Джанет. «Понтормо, Якопо да». Grove Art Online (11 апреля 2019). http://www.oxfordartonline.com/groveart/view/10.1093/gao/9781884446054.001.0001/oao-9781884446054-e-7000068662.
  • Дэвис, Дэвид, Греко, Дж. Эллиотт, Музей искусств Метрополитен (Нью-Йорк, Нью-Йорк) и Национальная галерея (Великобритания). Эль Греко. Лондон: Национальная галерея, 2003.
  • Фридберг, Сидней Дж. 1965. "Наблюдения за живописью Маниеры".[требуется полная цитата] Перепечатано в Cheney 2004, 116–23.
  • Фридберг, Сидней Дж. 1971. Живопись в Италии, 1500–1600 гг., первое издание. История искусства пеликанов. Хармондсворт и Балтимор: Книги Пингвина. ISBN 0-14-056035-1
  • Фридберг, Сидней Дж. 1993. Живопись в Италии, 1500–1600 гг., 3-е издание, Нью-Хейвен и Лондон: Издательство Йельского университета. ISBN 0-300-05586-2 (ткань) ISBN 0-300-05587-0 (pbk)
  • Фридлендер, Вальтер. 1965. Маньеризм и антиманьеризм в итальянской живописи. Нью-Йорк: Шокен. LOC 578295 (первое издание, Нью-Йорк: Columbia University Press, 1958 г.)
  • Гомбрих, Э [рнст] Х [анс]. 1995 г. История искусства, шестнадцатое издание. Лондон: Phaidon Press. ISBN 0-7148-3247-2.
  • Кауфманн, Томас ДаКоста. Арчимбольдо: визуальные анекдоты, естествознание и натюрморт. Чикаго: Издательство Чикагского университета, 2010. ProQuest Ebook Central.
  • Ламбраки-Плака, Марина (1999). Эль Греко-Грек. Кастаниотис. ISBN 960-03-2544-8.
  • Маркетти Летта, Элизабетта, Якопо да Понтормо и Россо Фьорентино. Понтормо, Россо Фьорентино. Библиотека великих мастеров. Антелла, Флоренция: Скала, 199
  • Мариас, Фернандо. 2003 "Греко, Эл." Grove Art Online. 2 апреля 2019. http://www.oxfordartonline.com/groveart/view/10.1093/gao/9781884446054.001.0001/oao-9781884446054-e-7000034199.
  • Миролло, Джеймс В. 1984. Маньеризм и поэзия эпохи Возрождения: концепция, режим, внутренний дизайн. Нью-Хейвен: издательство Йельского университета. ISBN 0-300-03227-7.
  • Николс, Том. Тинторетто: традиции и идентичность. Лондон: Реакция, 1999.
  • Ширман, Джон К. Г. 1967. Маньеризм. Стиль и цивилизация. Хармондсворт: Пингвин. Перепечатано, Лондон и Нью-Йорк: Пингвин, 1990. ISBN 0-14-013759-9
  • Олсон, Роберта Дж. М., Скульптура итальянского Возрождения, 1992, Темза и Гудзон (Мир искусства), ISBN 9780500202531
  • Умно, Аластер. Ренессанс и маньеризм в Северной Европе и Испании. История искусства Harbrace. Нью-Йорк: Харкорт Брейс Йованович, 1972.
  • Смит, Крейг Хью. 1992 г. Маньеризм и маниера, с введением Элизабет Кроппер. Вена: IRSA. ISBN 3-900731-33-0.
  • Саммерсон, Джон. 1983 г. Архитектура в Великобритании 1530–1830 гг., 7-е исправленное и дополненное (3-е интегрированное) издание. История искусства пеликанов.

Хармондсворт и Нью-Йорк: Пингвин. ISBN 0-14-056003-3 (в корпусе) ISBN 0-14-056103-X (PBK) [Перепечатано с исправлениями, 1986; 8-е издание, Хармондсворт и Нью-Йорк: Пингвин, 1991 г.]

  • Стокстад, Мэрилин и Майкл Ватт Котрен. История искусства. 4-е изд. Река Аппер Сэдл, Нью-Джерси: Пирсон / Прентис Холл, 2011.

дальнейшее чтение

  • Гарднер, Хелен Луиза. 1972 г. Метафизические поэты, избранные и отредактированные, исправленное издание. Вступление. Хармондсворт, Англия; Нью-Йорк: Книги Пингвинов. ISBN 0-14-042038-X.
  • Гроссманн Ф. 1965. Между ренессансом и барокко: европейское искусство: 1520–1600 гг.. Художественная галерея Манчестер Сити
  • Холл, Марсия Б. 2001 г. По Рафаэлю: Живопись Центральной Италии XVI века, Издательство Кембриджского университета. ISBN 0-521-48397-2.
  • Пинелли, Антонио. 1993 г. La bella maniera: artisti del Cinquecento tra regola e licenza. Турин: Piccola biblioteca Einaudi. ISBN 88-06-13137-0
  • Сайфер, Вайли. 1955 г. Четыре этапа стиля Возрождения: трансформации в искусстве и литературе, 1400–1700 гг.. Гарден-Сити, Нью-Йорк: Doubleday. Классический анализ эпохи Возрождения, маньеризма, барокко и позднего барокко.
  • Würtenberger, Franzsepp. 1963 г. Маньеризм: европейский стиль шестнадцатого века. Нью-Йорк: Холт, Райнхарт и Уинстон (первоначально опубликовано на немецком языке, как Der Manierismus; der europäische Stil des sechzehnten Jahrhunderts. Вена: А. Шролль, 1962).

внешняя ссылка