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Jazz
Amerikanisches Jazzmuseum im Kansas City
Stilistische Herkunft	Blues, Ragtime, Mars
Kulturelle Herkunft	Vereinigte Staaten
Häufig verwendet Instrumente	Bassgitarre, Gitarre, Schlagzeug, Klavier, Mundharmonika, Saxophon, Trompete, Kontrabass, Klarinette, Tuba, Posaune, Vibraphon
Popularität	1915 – heute
Abgeleitete Varianten	Rhythmus und Blues, schwingen, Felsen, Puppe, Seele, Funk, ska
Untergeordnetes Genre
Avantgarde-Jazz · bebop · große Band · cooler Jazz · Free-Jazz · Zigeunerjazz · harter Schlag · Neo-Bop · lateinamerikanischer Jazz
Fusion-Genres
Acid-Jazz · afrobeat · Blaugras · Bossa Nova · Jam-Band · Jazzpunk · Jazzrock · Jazz-Funk · Jazz-Rap · kwela · Mambo · Manila-Sound · jetzt Jazz · Ska Jazz · glatter Jazz · yé-yé · Folk-Jazz · shibuya-kei
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Jazz ist improvisationsbasiert Musikstil die von westafrikanischen Rhythmen beeinflusst ist und ihren Ursprung in der afroamerikanischen Gemeinschaft von New Orleans aus einer Fremdbestäubung von Ragtime, Blues, Volk und Neger Spirituals. Ursprünglich bedeutete das Wort Jazz ein "hochenergetischer Tanz". Jazz wurde in den Anfangsjahren von der breiten Öffentlichkeit nicht allgemein akzeptiert, hauptsächlich weil diese Art von Musik mit lockerer Moral und einem niedrigen sozialer Status. Wenn weiße und gemischte Jazzorchester wie Benny Goodman Diese Musik begann in den 1930er Jahren zu spielen und wurde auch für Weiße zu einer akzeptierten Form der Unterhaltung. Das Schwungperiode die damals begann, markierte einen Höhepunkt in der Popularität des Jazz, was vor allem daran lag, dass Jazz damals noch ausschließlich Tanzmusik war. Wenn Jazz aus der die fünfziger zu experimentelleren Musikformen entwickelt und durch das Aufkommen aufregender Tanzmusik wie Rock'n'Roll, der Verkauf von Jazzplatten ging stark zurück. Der Jazz ist jedoch geblieben und erneuert sich ständig. Dieser Artikel gibt einen Überblick über die Jazzgeschichte von Ragtime und heißer Jazz bis zum Fusionsstile der letzten Jahrzehnte.

Musik des Augenblicks

Im Prinzip ist Jazz Musik des Augenblicks – in jedem Moment werden neue musikalische Entscheidungen getroffen, die bis in die Form und alle in diesem Moment spielenden Musiker (siehe die unten genannten Jazzbewegungen) hineinreichen, was zu einem persönlichen und intensiven Musikerlebnis führt . Diese Eigenschaft fehlt in der klassischen Musik und in der Popmusik fast. Im Jazz wird ein Thema oder eine kleine Komposition oder Vereinbarung nur als Grundlage für die Improvisation verwendet. Aufgrund dieser Charakteristik berührt Jazz als Stil viele andere Strömungen wie Blues, (Pop-)Welt, Folk, Heavy Metal, Funk, Soul, Klassik und Alte Musik und es sind viele Mischformen entstanden.

Das Gewicht der Improvisation zeigt sich in der Geschichte des Jazz, in der limitierende Faktoren – gehalten von der menschlichen Skala und dem Kommerz – beseitigt werden; Loslassen von Tanzmusik, die niedrigere und höhere Tempi und komplexere Rhythmen erlaubt, Ästhetik zulässt, Themen loslässt und nach völliger Freiheit strebt und andere musikalische Bewegungen verwendet.

Der Anfang

Die wichtigste Quelle für Jazz liegt wohl in Afrika. Die Afrikaner, die als Sklaven nach Amerika gebracht wurden, brachten ihre traditionelle, stark rhythmische Musik mit. Auf ihrem Weg in die Vereinigten Staaten wurden viele Sklaven zunächst auf die Westindischen Inseln gebracht, vor allem nach Hispaniola (Haiti und der Dominikanische Republik); nach einer Weile wurden viele von ihnen in New Orleans verkauft. Sie nahmen ihr religiöses und musikalisches Erbe mit. Die Sklaven raus Santo Domingo (die Hauptstadt der Dominikanischen Republik, gegründet vom Bruder von Christoph Kolumbus) legen ihre alten Voodoo-Praktiken unverändert in New Orleans.

Diese Musik basierte auf a Fünftonskala. Ein charakteristisches Beispiel für eine fünftönige (pentatonische) Tonleiter in der Tonart c-moll die Töne sind c–es–f–g–b-flat. Afrikanische Musik hat eine starke pentatonische Tradition.

Auf den Plantagen entwickelten sich Arbeitssklaven als Gesangsstil was als Ursprung von was jetzt Blues kann als heiß bezeichnet werden. In New Orleans spielten Percussion-Bands in den Straßen, zu denen Schwarze tanzten. Diese Orte in der Stadt wurden „Kongo-Platz“ genannt.

Musiker in Kneipen und Bordellen (oft auch Afrikaner) verwendeten unter anderem musikalische Elemente aus der europäischen Klassik und fügten diese der Basis des „Plantagengesangs“ hinzu.

Ragtime war in den 'Honky Tonks' zu hören. Im Ragtime versteht es der Pianist, mit zwei Händen einen starken Rhythmus mit Themen zu verbinden. Diese Musik ist daher polyrhythmisch, hat aber weniger Möglichkeiten zur Improvisation.

Experten sind sich einig, dass Arbeitslieder der Baumwollfelder, Blues von Stadt und Land, Banjo-Stile von Varietés, synkopierte Blaskapellen (Fanfarenorchester) und Ragtime (synkopierte Tanzmusik) alle spielten eine wichtige Rolle in der Entwicklung des Jazz. Das Synkopierung (Akzentverschiebung) als Hauptbestandteil des Jazz, entwickelt als rhythmische Adaption der Afrikaner. Die Synkope war der offensichtlichste und beste Ersatz für die komplizierte Polyrhythmus (die gleichzeitige Kombination kontrastierender Rhythmen in einer musikalischen Komposition), die ein wesentlicher Bestandteil ihres musikalischen Erbes ist. Es ist diese Synkope, die die Musik zum Schwingen bringt.

Als die afrikanischen Musik- und Tanztraditionen der Öffentlichkeit zugänglich gemacht wurden, fand eine gegenseitige Beeinflussung mit der europäischen Musiktradition statt. Die einzigartige rhythmische Betonung dieser Tänze und viele andere Zutaten kamen zusammen, um eine Art Musik zu ergeben, die als Jazz bekannt wurde.

Der Name Jazz kommt von dem nicht mehr existierenden Wort jass, den sexuellen Akt auf vulgäre Weise bezeichnend. Jazz war ein Symptom der glorreichen Befreiung von den einschränkenden Fesseln der Moral. Es hat seinen Ursprung in den Slums und wurde hauptsächlich für den Einsatz in Bordellen entwickelt; ein Bordell versuchte das andere mit den Besten zu übertrumpfen Jazz-Band.

New Orleans und Dixieland

Um 1900 findet man eine gut funktionierende Kombination von Instrumenten, um Blues und Ragtime zu spielen; Instrumente, die von der Blaskapelle leichter erhältlich waren und ausreichenden Klang erzeugten, wie z Saxophon, Trompete, Posaune und Klarinette und Tuba. Drinnen, die Klavier bereits bekannt. Als Rhythmusinstrument, außer Schlagzeug auch der Banjo die neben Harmonie auch einen klaren Rhythmus erzeugen kann.

Mit diesen Bands wurde Blues und Ragtime gespielt und den Musikern Raum zur Improvisation gegeben und so den Ausdruck gestärkt. Im Storyville-Viertel von New Orleans war das Interesse so groß, dass Musiker genug Geld zum Leben verdienen konnten, was die Entwicklung dieser Musik beschleunigte. Nach 1917 zogen die Musiker woanders hin – insbesondere nach Chicago –, nachdem die Regierung die wilden Szenen in Storyville verboten hatte. Dies markiert den Beginn des sogenannten New Orleans Jazz Style Periode.

Auch weiße Musiker gehen mit und nicht lange danach folgt die erste Aufnahme einer (weißen) Jazzband; die Original Dixieland Jass Band. Weitere weiße Musiker aus Chicago würden folgen, wie der Trompeter Bix Beiderbecke, Saxophonist Frankie Trumbauer und Bud Freeman. Sie spielten etwas weniger stark als ihre farbigen Zeitgenossen.

In Chicago ist die Creole Jazz Band of Joe "König" Oliver berühmt, mit dem gebürtigen New Orleans Louis Armstrong. Olivers Sound war weniger beschwingt und schien weniger mit Ragtime zu tun zu haben. Armstrong spielt dann vorübergehend in Fletcher Hendersons Orchester und beginnt dann, sich mit seinen Formationen 'Hot Five' und 'Heiße Sieben“ (besonders die Aufnahmen von 1925-1927 sind empfehlenswert). Er entwickelt sich weiter und spielt leichter mit mehr Kontrasten als die meisten seiner Zeitgenossen. Zusammen mit Earl Hines gab er den New-Orleans-Ansatz auf und wechselte zum Swing. Er wird erst in der Erweckungszeit nach dem Zweiten Weltkrieg darauf zurückkommen.

Ausgestattet mit dem 'New Orleans Vibrato' auch bewegt Sidney Bechet langsam aber sicher in Richtung Swing. Besonders bekannt wurde er in Europa durch seinen Aufenthalt in Frankreich.

Der afro-kreolische Pianist Jelly Roll Morton begann in Storyville und tourte ab 1904 mit Vaudeville-Shows. Als Orchesterleiter hat er weitreichende Arrangements für sein Orchester getroffen. Sein 1905er "Jelly Roll Blues" wurde 1915 veröffentlicht und war damit das erste gedruckte Jazzarrangement. Er stimmte seine Kompositionen oder Arrangements auf die musikalischen Eigenschaften bestimmter Solisten seines Orchesters ab. Morton war damit ein Vorläufer der größeren Big Bands und der Arbeit von Duke Ellington. Er sah sich – laut seiner Visitenkarte – als Erfinder des Jazz.

Man könnte sagen, dass sich der Jazz in den 1920er Jahren entlang zweier paralleler Spuren entwickelt hat: einer „blanken“ Spur und einer „schwarzen“ Spur. Die frühen Jazzstile werden zu New Orleans (der „schwarze“ Zweig) und dixieland (der „weiße“ Zweig).

Boogie Woogie

Um dem Ragtime (der noch von Musikern wie still noch existierte) mehr Improvisation hinzuzufügen Fette Waller und Willie der Löwenschmied) in den Jahren 1925-30 wurden der linken Hand mehr rhythmische Muster zugeordnet, die mehr rollten als Sprünge. Die Boogie-Woogie-Pianisten verwendeten auch erkennbare kurze Stücke, die fast schon Signalfunktion hatten. Wichtige Boogie Woogie Pianisten sind Kiefer Top Smith, Albert Ammons und Jimmy Yancey. Der Boogie Woogie weicht rhythmisch vom New Orleans-Stil ab und scheint strukturell auf die Swing-Ära vorauszublicken. Eine Fortsetzung sehen wir in den Ursprüngen des Harlem Jump und damit des Rock 'n' Roll.

Swing-Ära

Im Allgemeinen bezieht sich die Swing-Ära auf die Zeit vor dem Aufkommen des Bebop, der in den 1940er Jahren aufkam, genauer gesagt ist es auch die Zeit nach der New Orleans-Periode.

Die Wirtschaftskrise kurz vor 1930 bedeutete für viele New Orleans Orchester das Ende. In Kansas City gefiel dem Bürgermeister das Verbot nicht (oder er bekam Vorschläge, die er nicht ablehnen konnte), die es dem Nachtleben ermöglichten, neben dem Verbrechen zu florieren. Dies machte Kansas City zu einem wichtigen Treffpunkt für Musiker. Solisten und in größeren Hallen sogar ganze Bands traten bis spät in die Nacht gegeneinander an. Vielleicht könnte das Musizieren auf den zunehmend präsenten Radio- und Grammophonspielern andere Musiker und die Öffentlichkeit über die Entwicklungen im Jazz informieren, so dass die Veränderungen weniger regionalspezifisch werden.

Swing zeichnet sich durch einen Rhythmus aus, der in normalerweise zwei Momenten pro Takt weniger und mehr „Hüpfer“ oder „Sprünge“ mit sich zieht; ein schwerer Moment auf dem ersten und ein leichter Moment auf dem zweiten, das gleiche auf dem dritten und vierten Schlag.Indem man dies energisch und meist leicht spielt, entsteht ein Rhythmus, der tanzbar ist und „in den Beinen kriecht“ ( zu tanzen beginnen oder sich zur Musik bewegen). In dieser Zeit finden wir viele Tanz- und Showorchester. Solisten und Arrangement verleihen der Musik mehr Geschichte, die Rhythmusgruppe trägt hauptsächlich weiterhin zur Basis des Arrangements bei.

Harmonisch wurden die Arrangements komplizierter und das hatte auch Konsequenzen für die Soli.

Bands wuchsen zu Bigbands mit 10 bis 20 Musikern (Küken Webb, Benny Carter, Jimmy Lucceford, Graf Basie). Die Rhythmusgruppe blieb unangepasst, aber die Bläsergruppe war in Gruppen organisiert. Ein in ein attraktives Arrangement verpacktes Thema wurde von Solisten gefolgt. Manchmal wurden auch Sänger aus einer Variante der Blues-Tradition, den sogenannten Blues-Shouters, eingesetzt. Herzog Ellington vom Pianisten zum Bandleader, Komponisten und Arrangeur entwickelt. Mit Musikern wie Saxophonist Ben Webster und Trompeter Cootie Williams in seiner Band konnte er sich nach spezifischen Merkmalen der Solisten arrangieren. Ellington bemerkte den jungen Bassisten Jimmy Blanton der auch die ersten befreienden Schritte des Bassisten in Richtung Bebop machte.

Auch kleinere Combos scheinen sich gut zu machen, wie die Mitarbeit der Sängerin Billie Urlaub mit Teddy Wilson. Trotz der Tatsache, dass Jazz beim amerikanischen und europäischen Publikum populär geworden war und immer mehr Orchester mit schwarzen und weißen Musikern entstanden, blieb die Rassentrennung in der Nachtlebensszene bestehen. Klarinettist Benny Goodman für seine kleinere Besetzung neben dem weißen Schlagzeuger verwendet Gene Krupa der schwarze Vibraphonist Lionel Hampton und Pianist Teddy Wilson und auch Gitarrist Charlie Christian (siehe auch bei bebop). Auch in größeren Orchestern fand er es kein Problem, wichtige Aufführungen mit gemischten Orchestern durchzuführen. Sein Ruhm machte dies möglich. Billie Holiday hat einige Aufnahmen gemacht von Seltsame Frucht.

In Europa fällt Django Reinhardt mit seinem innovativen Stil.

Bis nach dem Zweiten Weltkrieg war die schwingen Flut. Nach der Entstehung des bebop in den 1940er Jahren hielt der Swing an und ist bis heute nicht verschwunden. In den Niederlanden am 5. Mai1945 das Niederländische Swing College Band etabliert. Später unter anderem die Down Town Jazzband, Synkopatoren von New Orleans und der Dixieland Pipers.

Harlem-Sprung

Allmählich wurde New York bekannter als Kansas City. In New York Harlem sie tanzten den Jitterbug extrem energisch in einem stark swingenden Stil mit einer Kombination aus Boogie Woogie und Blues Shoutern. Wichtige Dolmetscher waren Lionel Hampton und Illinois Jacquet.

Bebop

In den frühen 1940er Jahren begannen Musiker, nach einem Stil zu suchen, der Soli weniger restriktiv machen und mehr Dynamik ermöglichen würde. Sie fanden den „alten Stil“ für ihre musikalischen Fähigkeiten zu begrenzt. Gitarrist Charlie Christian spielt sich harmonisch komplizierter als sonst im Swing-Zeitraum, der Pianist Theloniöser Mönch sucht nach Wegen, Harmonie und Rhythmus zu verbessern, die noch nicht jedem gefallen (Monks Musik wurde auch Zombiemusik genannt). Der Anpfiff wird hauptsächlich mit Trompeter gegeben Schwindliger Gillespie und Saxophonist Charlie Parker.

Aufgrund fehlender Aufnahmen in der ersten Hälfte der 1940er Jahre aufgrund der due große Musiker streiken Es gibt kein gutes Bild von dem, was in dieser Zeit passiert ist. Seltsamerweise wurden wenig oder keine Interviews mit Musikern oder Toningenieuren der Zeit über diese Änderung geführt.

Die Lösung wurde in der Veränderung des Rhythmus und der Bereicherung der Harmonie gefunden. Der Rhythmus wurde nicht mehr zweistimmig (Heavy-Light) gespielt, sondern vierstimmig und bekam einen fließenden Charakter. Dadurch konnten rhythmische Akzente freier gesetzt werden, ohne den Rhythmus zu stören. Harmonie wurde durch die Verwendung zwingenderer Akkorde und Themen kraftvoller. Dadurch wurden mehr musikalische Möglichkeiten geschaffen und mehr konnte „ausgepackt“ werden. Dies wurde dadurch verstärkt, dass der tanzbare Charakter der Swingmusik freigesetzt wurde und die Musik für sich allein stehen lässt. der frühe bebop klingt meistens energisch und virtuos und manchmal etwas sprunghaft.

In Europa, durch den Krieg beraubt, Gitarrist Django Reinhardt einer der ersten, der Bebop abholte.

In den späten 1940er Jahren wurden auch kubanische Elemente in den Bebop aufgenommen.

Der Begriff "bebop" ist ein sogenanntes Lautmalerei oder eine Klangimitation. Ein häufig verwendetes Riff im Bebop ist be-bop-be-bop, wobei das -be- der höchste Ton ist. Dies ist wahrscheinlich der Namensgeber des Musikstils.

Auch der Bühnenakt ist jetzt unberechenbarer; Mützen und Sonnenbrillen und Spitzbart. Der galante Stil der 1930er Jahre wird durch Eigenart ersetzt. Die kleinen Ensembles erweisen sich als agiler und schneller als die großen Tanzorchester und damit mindestens ebenso spektakulär. Die Fähigkeiten (Tempo und Harmonie zu erzeugen), die zum Spielen von Bebop erforderlich sind, sind höher als in der Swing-Zeit und damit auch das Verständnis des Publikums. Der schwarzen Bevölkerung geht es besser, aber in den Anfangsjahren des Bebop gibt es nur wenige Enthusiasten in der weißen Öffentlichkeit. Ein Teil würde auf den Jive und Rock 'n' Roll fallen, der nicht lange nach dem ab Mitte der 1940er Jahre sehr beliebten Harlem Jump von schwarzen Rhythm-and-Blues-Orchestras (wie Eddie Vinson) und Weiß auftauchte Westernschaukel.

Wiederbelebung

Nicht alle waren mit dem plötzlichen Aufstieg des Bebop zufrieden. In der weißen Öffentlichkeit entsteht ein neues Interesse an den ersten Jazzstilen. Musiker wie Louis Armstrong und Sidney Bechet profitieren davon.

Unter anderem Lu Watters und Turk Murphy bevorzugte es, die frühere New-Orleans-Musik hauptsächlich schwarzer Musiker zu spielen. Sie trafen sich in San Francisco und gründeten die Jazzband Lu Watters Yerba Buena, spielten wie Joe "König" Oliver mit zwei Kornetten an der Spitze und frischten den Rhythmus auf, indem sie den Afterbeat (zweiter und vierter Takt) betonten.

An der amerikanischen Westküste entwickelte sich ein Stil, der auf die Ragtime und das auch Frisco-Jazz wird genannt. Meist Türke Murphy, Bob Scobey und der Disney Mitarbeiter Orchestramedewerker Die Feuerwache Fünf plus Zwei spielen hier eine anregende Rolle.

Manche Jazz-Liebhaber sehen die Rückkehr zu den älteren Stilrichtungen als Rückschlag oder schlicht die Bevorzugung des finanziellen Erfolgs gegenüber der musikalischen Entwicklung.

cooler Jazz

Kurz darauf – als Reaktion auf die Rührung bebop - das cooler Jazz, von was Meilen davis war einer der wichtigsten und bekanntesten Interpreten (siehe Alben Birth of the Cool und Kind Of Blue).

Cool Jazz klingt weniger skurril, subtiler und ernster und die Leute scheinen mehr nach Schönheit und Organisation als nach Ekstase zu suchen. Hier klingen auch die Anfänge des Einsatzes modaler Techniken ausgewogener als die zwingenden Konsonanzen des frühen Bebop.

Eine fast wringende Kombination ist in 'The Man I Love' auf dem Album 'Miles Davis and the Modern Jazz Giants' zu hören, wo Meilen davis und Theloniöser Mönch spielten zusammen und - so die Geschichte - kam es während Davis' Spiel fast zu Schlägen durch Monks stark fesselnde Harmonien.

Besteht auch das Streben nach harmonischen, aber eigenständigen längeren Melodielinien (Polyphonie), so erhält man eher den Namen 'Westcoast'. Denken Sie an die bewusst akkordinstrumentlose Instrumentierung mit Gerry Mulligan und Chet Baker und der schwieriger einzuordnende Pianist Lennie Tristano. Dies verleiht der Musik einen organisierteren Eindruck. Auffallend ist, dass relativ viele weiße Musiker in diesem Bereich tätig sind.

Musiker, die man zum Cool-Jazz zählen kann, sind auch Chet Baker, Dave Brubeck und Paul Desmond, Stan Getz, Lee Konitz, Art Pepper, Russ Freeman und in den Niederlanden Ann Burton und Rita Reys.

Der innovative und organisierende Charakter des Cool Jazz ist weiterhin vorhanden und wir sehen ihn in späteren Zeiten in Initiativen von Toots Thielemans (Bluesette), Joe Vanenkhuizen (wer 6/8 Taktarten bevorzugt) und Schlagzeuger Pierre Courbois wer absichtlich andere Zähler verwendet. Im Vorfeld des Free Jazz (siehe unten) wird auch nach neuen, rhythmisch freien Möglichkeiten gesucht (afrikanische Rhythmen, frei schwebende Rhythmen, wesentlich komplexere indische Rhythmusmuster), die dann weniger bescheiden eingesetzt werden (der Ansatz von ' Meine Lieblingssachen' von John Coltrane).

Der zurückhaltende Charakter kehrte in den späten 1980er und 1990er Jahren zurück, wo nach dem Streben nach Ausdruck zu klarer Struktur und Harmonie zurückkehrt, die Intensität jedoch aus Kontrasten mit zurückhaltender Basis kommt.

Westküste

Da die meisten Musiker, die Cool Jazz spielten, aus Los Angeles kamen, wurde Cool Jazz manchmal als Westküste bezeichnet. Allerdings spielten nicht alle 'West Coasters' 'cool' und der coole Jazz wurde auch anderswo gespielt.

Ostküste

Als Pendant wurde insbesondere in New York die Bebop-Linie weitergeführt. Die Musik sollte schließlich in Hard Bop gipfeln.

harter Schlag

Im Gegensatz zum Cool Jazz ist der harter Schlag (auch Hard-Bop-Regression genannt). Denn der coole Jazz an der Westküste der USA (West Coast Jazz), vor allem in Los Angeles, wo sich die Filmstudios befanden, hatten die Jazzmusiker in New York wenig Arbeit. Also machten sie sich daran, einen neuen, extrovertierten Jazzstil voller Emotionen einzuführen. Die Akkordfolgen wurden einfacher, hauptsächlich Blues-Schemata, und der treibende Rhythmus wurde wieder wichtig (einschließlich des Shuffle-Rhythmus). Es wurde eine Verbindung zur Gospelmusik hergestellt, obwohl Hardbop nie in der Kirche aufgeführt wurde. Das spiegelt sich in den Titeln echter Hard-Bop-Songs wie stöhnen, Der Prediger und Die Predigt.

Die 1950er und 1960er Jahre waren die Jahre der größten Popularität des Hard Bop, aber die Musiker sind bis heute populär geblieben. Nat Hentoff schrieb 1957, dass der Begriff harter Schlag wurde vom Pianisten John Mehegan, Jazzkritiker der New York Herald Tribune In dieser Zeit.

Soul Jazz entwickelte sich aus Hard Bop.

Wichtige Musiker im Hardbop sind Art Blakey and his Jazz Messengers, Horace Silver, Clifford Brown, Miles Davis, John Coltrane, Cannonball Adderley, Sonny Stitt, Donald Byrd, Sonny Clark, Lou Donaldson, Kenny Drew, Benny Golson, Dexter Gordon, Joe Henderson, Andrew Hill, Freddie Hubbard, Jackie McLean, Charles Mingus, Blue Mitchell, Hank Mobley, Thelonious Monk, Lee Morgan und Sonny Rollins.

Soul-Jazz

Soul-Jazz war eine Entwicklung aus Hardbop mit Einflüssen aus Blues, Gospel und Rhythm and Blues mit kleinen Formationen.

Eine stereotype Formation ist die (Hammond-)Orgel-Combo (auch Tenorgelcombo genannt), bestehend aus einer Hammond-Orgel, Tenorsaxophon und Schlagzeug als Basis. Wichtige Soul-Jazz-Organisten sind Bill Doggett, Charles Earland, Richard "Groove" Holmes, Les McCann, "Bruder" Jack McDuff, Jimmy McGriff, Lonnie Smith, Lou Donaldson, Big John Patton, Don Patterson, Ruben Wilson, Jimmy Smith und Johnny Hammond Smith.

Tenorsaxophon und Gitarre sind im Soul Jazz wichtig; sind Soul-Jazz-Tenöre Gen Ammons, Eddie "Lockjaw" Davis, Eddie Harris, Houston Person, und Stanley Turrentine; und die Gitarristen mögen Grant Green und George Benson. Weitere wichtige Beiträge kamen vom Altsaxophonisten Lou Donaldson und Hank Crawford, Trompetenspieler Blaue Mitchell, Schlagzeuger Idris Muhammed (Leo Morris).

Im Gegensatz zu Hard Bop legt der Soul Jazz mehr Wert auf sich wiederholende Grooves und melodische Themen, und die Improvisationen sind in der Regel weniger kompliziert.

Soul Jazz entwickelte sich Ende der 1950er Jahre und erreichte die Öffentlichkeit mit der Veröffentlichung von Das Cannonball Adderley Quintett in San Francisco und erlebte seinen Höhepunkt Mitte bis Ende der 1960er Jahre, obwohl viele Soul-Jazzmusiker populär geblieben sind.

Bekannte Soul-Jazz-Aufnahmen sind Lee MorgansDer Sidewinder (1963), Herbie HancocksCantaloupe-Insel (1964), Horace SilversLied für meinen Vater (1964), Ramsey Lewis' Die In Menge (1965) und Adderleys Cannonball Barmherzigkeit, Barmherzigkeit, Barmherzigkeit (1966).

Soul Jazz sollte in den 1970er Jahren einen wesentlichen Beitrag zur Entwicklung des Jazz Funk leisten.

Free Jazz: der Wunsch nach maximaler Freiheit

Einerseits wurde im Soul Jazz Jazz erschlossen, andererseits wurden Grenzen von Harmonie und Rhythmus gesucht und überschritten (John Coltrane, Pharao Sanders). Das Ergebnis war eine freiere und ausdrucksstärkere improvisierte Musik, manchmal mit einer fast religiösen Ekstase.

Inwieweit eine Grundlage für die Improvisation genutzt wird, führte zu musikethischen Meinungsverschiedenheiten über Improvisation. Die Diskussionen zu diesem Thema – durch Publikationen und in Foren – werden heutzutage hitzig geführt. Man verfolgt Musik ohne Vereinbarung oder Stereotypisierung (ähnliche Ansichten von views John Cage), der andere sah es als unvermeidlichen Teil einer musikalischen Persönlichkeit an. Da im Free Jazz Improvisation als das Hauptziel der völligen Freiheit über das Einbringen einer Melodie oder eines Themas gesehen wird, befinden wir uns hier in einem Übergangsbereich. Denn wenn alles verwendet werden kann, gibt es keine spezifischen Eigenschaften, die Musik in Jazz, Klassik oder Pop einordnen könnten, vergleichbar mit dem Loslassen von figurativer Malerei. Ungeachtet seiner Relevanz akzeptieren Jazz-Aficionados Free Jazz als unvermeidliche Folge improvisierter Musik, aber manche wollen das Ergebnis nicht als Jazz bezeichnen, weil eine Startmelodie, ein Startthema oder eine Startstruktur fehlt oder festhält. Interessant ist daher die Problematik der Definition von Jazz in modernen Mischformen (siehe unten), bei der ein zu großer Mangel an Improvisation als Argument angeführt wird. Wenn (theoretische) Kritik am Free Jazz geübt wird, dass die Vermeidung jedes limitierenden Faktors immer noch ein Stilmerkmal, ein Manierismus ist, es sei denn, man verwendet Zen-Ansichten Wie mit John Cage (Man kann nicht ziellos sein). Die moment-authentische Spontanperformance von 'Maple Leaf Rag' ist Teil des 'Happening' geworden und die fehlende Abwechslung wird als Spannungsfeld erlebt. Es findet eine andere musikalische Aktivität statt, als das eigenständige Ragtime-Stück zu spielen.

Da bewusst nach Freiheit gestrebt wurde, sehen wir nun eine Suche nach mehr Abwechslung in den Instrumenten und dem musikalischen Zusammenspiel. Was als Exotik angesehen wurde, war willkommen; Tampoura, Harfe (Alice Coltrane), Elektronik, mehr Percussion, freierer Umgang mit der Stimme, Reaktion auf den Zufall, spätes Ankommen und Weggehen während eines Konzerts. Alles durfte den Ausdruck erweitern und die musikalischen Möglichkeiten des Augenblicks maximal nutzen – und anregen –, ohne stilistische Eigenheiten oder Absprachen zu „stören“.

In den späten 1950er Jahren war es Sonne Rac und besonders Ornette Coleman dass die Free Jazz Flow gestartet: Einer der Ausgangspunkte war Colemans Album Freier Jazz (1960); darauf spielten zwei Quartette, jeweils eine Seite des Stereokanals, 38 Minuten lang ohne Termin improvisierend. Spätere Musiker waren Albert Ayler und Eric Dolphy.

In den Niederlanden sind die niederländischen Musiker Mischa Mengelberg, Willem Breuker und Han Bennink und der ICP Orchester aktiv (sie benutzten und verwenden den Begriff sofortiges Komponieren Anstatt von Improvisation). Auch die Zusammenarbeit des italienischen Ensembles „Zu“ mit den Saxophonisten Mats Gustafsson und Luca Mai ist ein Beispiel für zeitgenössische, freiere Musik.

Free Jazz hat dafür gesorgt, dass sich der Arbeitsbereich der Musiker erweitert hat. Es gibt auch Jazzmusiker, die immer wieder einen spannenden Trip vom Hard Bop zum Free Jazz machen oder sich daran reiben.

Während sich der Free Jazz als kommerziell unattraktiv erwies, entstand gleichzeitig die viel besser verkaufte Fusion (siehe unten).

Verschmelzung

Philipp Katharina

Ende der 1960er Jahre betrat Miles Davis Neuland. Er und seine Gruppe begannen, Jazz mit populärer Musik, hauptsächlich Rock, zu mischen. Deshalb heißt Fusion auch Jazzrock erwähnt. Das Album Hündinnen brauen von Miles Davis wird oft als Ausgangspunkt für diese Bewegung angesehen. Musiker wie John McLaughlin, Herbie Hancock, Chick Corea, Joe Zawinul, Tony Williams, die alle mit Miles Davis spielten, gründeten ihre eigenen Fusionsgruppen: Lifetime, Mahavishnu Orchestra, Weather Report. Andere betrachten Larry Coryell als den ersten, der bereits 1966 mit einer Verschmelzung von Jazz, Rock und Blues experimentierte, zuerst 1966 mit Chico Hamilton, 1967 mit den Free Spirits und 1968 mit Gary Burton. Fusion als Stil blieb während der 1970er Jahre populär Rob Franken ist auf über 400 Aufnahmen zu hören, vor allem auf der Fender Rhodes Klavier. Der belgische Gitarrist Philipp Katharina gilt international als einer der ganz Großen des Jazzrock und hat neben eigenen Alben auch zahlreiche Aufnahmen als Begleiter von Jazzlegenden wie Dexter Gordon und Stephane Grappellic, Charles Mingus, Benny Goodman, Toots Thielemans und Chet Baker.

Neobop: Einfachheit als Intensität

Ende der 1980er Jahre, nach dem Streben nach maximaler Ausdruckskraft und Freiheit – vielleicht gleichbedeutend mit Minimal Music (Steve Reich, Arvo Teil), neoklassisch (Samuel Barber) und ästhetischere Musik (Ton de Leeuw) in der klassischen Musik, auch wenn es sich nicht um harmonische oder melodische Klänge handelt (Sofia Gubaidulina) – die Notwendigkeit einer anderen Intensität, basierend auf der Verbesserung der Erfahrung durch die Vergrößerung von Unterschieden und Geräuschen. Dies geschieht daher auf bescheidenere Weise unter Verwendung einiger Dynamiken (Unterschiede). Die Musik ist im Allgemeinen aufgeräumt und scheint einige melodische und harmonische Komponenten betonen zu wollen, anstatt viele zu spielen. Dies erfordert eine gewisse Balance zwischen dem Dekor und der musikalischen Geschichte. Diese Musik klingt manchmal langsam-beschwörend. Beispiele sind James Carter auf Der wahre ruhige Sturm und Joshua Redman auf Stimmungsumschwung. Obwohl dies kein Revival des Cool Jazz ist, lässt sich eine ähnliche Bewegung vom Free Jazz direkt vom Bebop bis zum Cool erkennen.

Gegenwart und Zukunft

Jazz gemischt aus dem sechziger Jahre allmählich mit populärer Musik, und auch Bebop und Swing Jazz entwickeln sich weiter, wie zum Beispiel Stile wie Neo-Bop, jetzt Jazz, Acid-Jazz, modernes Kreatives und Free-Jazz. Der Begriff Jazz repräsentiert heute ein viel breiteres Spektrum an Musikgenres als in den 1930er und 1940er Jahren. Musik entwickelt sich, Jazz auch. Ständig entstehen neue Stilrichtungen des Jazz, aber auch unzählige Mischungen mit Pop, Soul, Funk und Rock und Weltmusik. Jazz-Fusion und lateinamerikanischer Jazz (wie die Formation Nueva Manteca) sind Beispiele dafür. In der Jazz-Weltmusik verbindet Renaud Garcia-Fons Verwandte des Tangos mit dem Jazz. Vor allem die Unterschiede in An- und Abwesenheit von Ausdrucks- und Improvisationsraum nehmen zu. Junge Absolventen der Jazz-Studiengänge der Musikhochschulen lassen lebendige Musik weiterleben.

Es gibt jetzt nur noch sehr wenige Musiker, die die älteren Stile verwenden können, wie z New Orleans und Dixieland sind treu geblieben. Die größere Verfügbarkeit von Tonträgern und Informationsaustausch ermöglicht es jedoch neuen Musikern, sich mit diesen Stilen zu befassen und eine genaue und fundierte Wertschätzung zu entwickeln. Das Interesse ist daher sowohl bei Musikern als auch bei Hörern immer geblieben, sowohl aus genuss- als auch aus musikhistorischer und aufführungstechnischer Sicht (Wynton Marsalis). Auch an den Leistungen der früheren Musiker besteht weiterhin ein nostalgiefreies Interesse. Bezeugt dies Jules Deelder mit seinen CD-Compilations und Radioshows mit meist energiegeladenen Auftritten vor allem aus Bebop, Hardbop und Ostküste.

Live Musik?

Seit dem Aufkommen der Handhabbarkeit und Zugänglichkeit der digitalen Tonwiedergabe wurden aufgenommene Jazzstücke in die Popmusik integriert (Salon und Jazz Tanz). Ook worden er compilaties gemaakt op cd met onder andere jazz uit verschillende stromingen die gezamenlijk een (uitgaans)sfeer opwekken, zoals de Blue Note Trip-serie samengesteld door DJ Maestro, voortgekomen uit het live kiezen van muziek op geluidsdragers door diskjockeys in uitgaansgelegenheden. Hoewel meestal deze compilaties en fragmentarische toepassingen doorgaans minder expressief zijn komen op deze wijze de jongere generaties ook in contact met (afgeleiden van) de jazz.

Door het machinaal reproduceren van opgenomen geluid in plaats van zelf spelen van een muzikaal gegeven zijn er geen of beperkte livevariatiemogelijkheden en is de vrijheid van improvisatie afwezig. Maar mengvormen zoals het samenwerken van diskjockeys en spelende muzikanten zoals Wicked Jazz (voornamelijk dansbare muziek) en de al eerdere initiatieven van Ben van den Dungen en Jarmo Hoogendijk komen hieraan weer tegemoet. Voor- en tegenstanders van deze ontwikkelingen zijn overal te vinden en soms zijn de discussies verhit. Beide kampen hebben goede argumenten, maar vaak zijn deze niet op dezelfde basis geënt; is muziek met afwezigheid van elektrische gitaren en de aanwezigheid van blaasinstrumenten en een soepel ritme, maar zonder dat het muzikale doel live-improvisatie is, nu wel of geen jazz?

Jazzstandards

Muziek die zich goed leent als basis voor improvisatie, kan eindeloos opnieuw worden gebruikt. Door de jaren heeft een aantal werken zich vastgezet in het collectief geheugen van jazzmusici. Deze worden jazzstandards genoemd. Het betreft doorgaans werken waarvan beroemde uitvoeringen zijn opgenomen en die sterke melodische en/of harmonische of juist modale eigenschappen hebben.

Harmonische en ritmische kenmerken

Kenmerkend aan jazz (vooral de modernere varianten, maar met uitzondering van freejazz) is het hernieuwd gebruik van allerlei kerktoonladders en gebruik van complexe akkoorden; vrijwel ieder moment wordt met septiem, none, undeciem, tredeciem geharmoniseerd. 'Kale' akkoorden zijn een hoge uitzondering.

De meeste vormen van jazz swingen, dat wil zeggen, er wordt gebruikgemaakt van de "triolenfeel" met swingende achtsten. Dit houdt in dat loopjes van – op papier – allemaal even lange (achtste) noten zo worden gespeeld dat de oneven achtsten ongeveer tweemaal zo lang duren als de even achtsten. Dit wordt ook wel genoteerd in de vorm van paren van een achtste noot met een punt gevolgd door een zestiende noot (duurverhouding 3:1 in plaats van 2:1), maar dat wordt dan toch meer gespeeld in een 2:1 verhouding.

Jazz is wat Wittgenstein een Typusbegriff noemde: alle kenmerken van jazz zijn ook in andere muziek terug te vinden. Het is de combinatie die de ware jazz onderscheidt. Grensgevallen geven echter te denken: hoe moet de jazzsuite van de klassieke componist Stravinsky worden geplaatst, en hoe de suites voor groot orkest die jazzmusicus Duke Ellington in zijn latere leven schreef?

Veelgebruikte muziekinstrumenten

Veel instrumenten zijn bruikbaar voor jazz, een exclusief jazzinstrument bestaat feitelijk niet, al zijn er wel instrumenten die met name door gebruik in de jazz bekendheid genieten (meestal dan ook in combinatie met een beroemde bespeler ervan):

banjo –basgitaar –contrabas –kornet –drumstel –dwarsfluit –hammondorgel –klarinet –mondharmonica –piano –saxofoon –semiakoestische gitaar –trombone –trompet –vibrafoon

Beroemde jazzmuzikanten

Zie Lijst van jazzmusici voor het hoofdartikel over dit onderwerp.

Jazzstijlen

Zie Lijst van muziekstijlen per genre#Jazz voor het hoofdartikel over dit onderwerp.

Belgische jazz

Zie Jazz in België voor het hoofdartikel over dit onderwerp.

Nederlandse jazzorkesten

Zie Jazz in Nederland voor het hoofdartikel over dit onderwerp.

Metropole Orkest – Dutch Swing College Band – Harbour Jazzband – Jazz Orchestra of the Concertgebouw – The Skymasters – Nederlands Studenten Jazz Orkest – Nationaal Jeugd Jazz Orkest – The Ramblers – Monsieur Dubois – Dixieland Crackerjacks – Alice in Dixieland – Jazz Connection-New Rotterdam Jazz Orchestra

Jazzcomponisten

Zie Lijst van jazzcomponisten voor het hoofdartikel over dit onderwerp.

Beroemde hedendaagse jazzensembles

Aka Moon (Belg.) –Big Phat Band (VS) –Bob Mintzer Big Band (VS) –Brussels Jazz Orchestra (Belg.) –Carla Bley Bigband (VS) –Dave Holland Bigband (VS) –Flat Earth Society (Belg.) –ICP Orchestra –Jaga Jazzist (No.) –Jazz Orchestra of the Concertgebouw (JOC) (Ned.) –Joe Vanenkhuizen Europeanjazz Trio (Ned.) –Maria Schneider Orchestra (VS) –Mathew Herbert Bigband (UK) –Metropole Orkest –New Cool Collective (Ned.) –Skalbeaggar –Tetzepi –Vienna Art Ensemble (Oos.)- New Rotterdam Jazz Orchestra (NL)

Zie ook

• Lijst van jazzmusici
• Lijst van jazzcomponisten
• Lijst van jazzstandards
• Jazzballet
• Jazzmuziektheorie
• Swing (dans)
• Jazzstandard

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