WikiDer > Академическое искусство

Эта статья включает в себя список общих использованная литература, но он остается в основном непроверенным, потому что ему не хватает соответствующих встроенные цитаты. Пожалуйста, помогите улучшить эта статья введение более точные цитаты. (Февраль 2014 года) (Узнайте, как и когда удалить этот шаблон сообщения)

Рождение Венеры, Александр Кабанель, 1863

Класс жизни на Королевская датская академия изящных искусств в 1826 г. Вильгельм Бендц

Академическое искусство, или академизм или академизм, это стиль картина, скульптура, и архитектура произведено под влиянием европейских академии художеств. В частности, академическое искусство - это искусство и художники, находящиеся под влиянием французских стандартов. Académie des Beaux-Arts, который практиковался под движениями Неоклассицизм и Романтизм, и искусство, которое следовало за этими двумя движениями в попытке синтезировать оба их стиля, и которое лучше всего отражено в картинах Вильям-Адольф Бугро, Томас Кутюр, и Ганс Макарт. В этом контексте его часто называют «академизмом», «академизмом» ».искусство помпир"(уничижительно) и" эклектизм ", иногда связанный с"историзм" и "синкретизм".

Академии истории

Первая академия искусств была основана в г. Флоренция в Италии Козимо I Медичи13 января 1563 г., под влиянием архитектора Джорджио Вазари кто назвал это Accademia e Compagnia delle Arti del Disegno (Академия и Компания искусств рисования), так как она была разделена на два различных оперативных подразделения. В то время как Компания была своего рода корпорацией, к которой мог присоединиться каждый работающий художник в Тоскане, Академия состояла только из самых выдающихся творческих личностей двора Козимо, и ей было поручено контролировать все художественное производство штата Медичи. В этом учебном заведении в Медичи студенты изучали «arti del discno» (термин, придуманный Вазари) и слушали лекции по анатомия и геометрия. Другая академия, Accademia di San Luca (назван в честь покровителя художников, Святой Лука), была основана примерно десятью годами позже в Рим. Accademia di San Luca выполняла образовательную функцию и больше занималась теория искусства чем флорентийский. В 1582 г. Аннибале Карраччи открыл свой очень влиятельный Академия Дезидерози в Болонья без официальной поддержки; В некотором смысле это было больше похоже на традиционную мастерскую художника, но то, что он чувствовал необходимость обозначить ее как «академию», демонстрирует привлекательность идеи в то время.

Академия ди Сан Лука позже послужила образцом для Королевская академия искусства и скульптуры основан в Франция в 1648 году, а позже стал Академия изящных искусств. Королевская академия искусства и скульптуры была основана с целью отличить художников, «джентльменов, практикующих свободное искусство», от мастеров, которые занимались ручным трудом. Этот упор на интеллектуальную составляющую художественного творчества оказал значительное влияние на предметы и стили академического искусства.

После реорганизации Королевской академии искусства и скульптуры в 1661 г. Людовик XIV чья цель состояла в том, чтобы контролировать всю художественную деятельность во Франции, разногласия возникли среди членов, которые доминировали в художественных взглядах на оставшуюся часть века. Эта «битва стилей» была конфликтом по поводу того, Питер Пауль Рубенс или Николя Пуссен была подходящей моделью для подражания. Последователи Пуссена, которых называли «пуссинистами», утверждали, что линия (конструкция) должна доминировать в искусстве, поскольку она обращается к интеллекту, в то время как последователи Рубенса, называемые «рубенистами», утверждали, что цвет (цвет) должен доминировать в искусстве, поскольку он обращение к эмоциям.

Дискуссия возобновилась в начале 19 века при движении Неоклассицизм типичным примером является произведение искусства Жан Огюст Доминик Энгр, и Романтизм типичным примером является произведение искусства Эжен Делакруа. Также велись споры о том, что лучше изучать искусство, глядя на природу, или учиться, глядя на мастеров искусства прошлого.

Академии, использующие французскую модель, формировались по всей Европе и подражали учениям и стилям французской Академии. В Англия, это был Королевская Академия. В Королевская датская академия изящных искусств Основанный в 1754 году, его можно рассматривать как успешный пример для небольшой страны, которая достигла своей цели создания национальной школы и снижения зависимости от импортных художников. Художники Золотой век Дании примерно 1800-1850 годов почти все прошли там обучение, и многие вернулись, чтобы преподавать и изучать историю искусство Дании гораздо меньше отмечен напряжением между академическим искусством и другими стилями, чем в других странах.

Одним из последствий перехода в академии стало затруднение обучения для женщины-художники, которые были исключены из большинства академий до второй половины 19 века (1861 год для Королевской академии). Отчасти это было из-за опасений по поводу неприличия обнаженной натуры. До 20-го века для студенток часто принимались специальные меры.

Развитие академического стиля

С момента возникновения дебатов Пуссиниста-Рубениста многие художники работали между двумя стилями. В XIX веке в возрожденной форме дискуссии внимание и цели мира искусства стали синтезировать линию Неоклассицизм с цветом Романтизм. Критики утверждали, что один художник за другим добились синтеза. Теодор Шассерио, Ари Шеффер, Франческо Хайес, Александр-Габриэль Декамп, и Томас Кутюр. Вильям-Адольф Бугро, более поздний академический художник, заметил, что уловка, чтобы стать хорошим художником, заключается в том, чтобы видеть «цвет и линию как одно и то же». Томас Кутюр продвигал ту же идею в своей книге о методах искусства, утверждая, что всякий раз, когда кто-то говорит, что картина имеет лучший цвет или лучшая линия - это ерунда, потому что всякий раз, когда цвет казался ярким, это зависело от линии, чтобы передать его, и наоборот; и этот цвет был действительно способом говорить о «ценности» формы.

Другое развитие в этот период включало принятие исторических стилей, чтобы показать эпоху в истории, которую изображала картина, называемая историзм. Лучше всего это видно в творчестве Барона. Ян Август Хендрик Лейс, более позднее влияние на Джеймс Тиссо. Это также заметно в развитии Neo-Grec стиль. Историзм также предназначен для обозначения веры и практики, связанных с академическим искусством, что нужно включать и согласовывать нововведения различных традиций искусства из прошлого.

Мир искусства также вырос, чтобы уделять все больше внимания аллегория в искусстве. Теории важности линии и цвета утверждали, что с помощью этих элементов художник контролирует среду, чтобы создавать психологические эффекты, в которых могут быть представлены темы, эмоции и идеи. Когда художники пытались синтезировать эти теории на практике, было подчеркнуто внимание к произведению искусства как к аллегорическому или образному средству. Считалось, что изображения в живописи и скульптуре должны вызывать Платонические формы, или идеалы, где за обычными изображениями можно было увидеть что-то абстрактное, некую вечную истину. Следовательно, Китса знаменитые размышления «Красота есть правда, правда красота». Желательно, чтобы картины были «идеей», полной и законченной идеей. Бугро известно, что он сказал, что он не будет рисовать «войну», а будет писать «войну». Многие картины академических художников представляют собой простые аллегории природы с названиями вроде Рассвет, Сумерки, Видя, и Дегустация, где эти идеи олицетворяет одна обнаженная фигура, составленная таким образом, чтобы раскрыть суть идеи.

Тенденция в искусстве также была в сторону большего идеализм, что противоречит реализм, в том, что изображенные фигуры были сделаны более простыми и абстрактными - идеализированными - чтобы иметь возможность представлять идеалы, которые они отстаивали. Это потребует как обобщения форм, видимых в природе, так и подчинения их единству и теме произведения искусства.

Потому что история и мифология рассматривались как пьесы или диалектика идей, благодатная почва для важных аллегорий, использование тем из этих предметов считалось наиболее серьезной формой живописи. А иерархия жанров, первоначально созданный в 17 веке, ценился, где историческая живопись- классические, религиозные, мифологические, литературные и аллегорические предметы - были помещены наверху, затем жанровая картина, тогда портретная живопись, натюрморт, и пейзаж. Историческая живопись была также известна как «гранд жанр». Картины Ганс Макарт часто бывают крупнее, чем жизненные исторические драмы, и он сочетал это с историзм в отделке доминирует стиль 19 века Вена культура. Поль Деларош является типичным примером французской исторической живописи.

На все эти направления повлияли теории философа Гегель, который считал историю диалектикой конкурирующих идей, которые в конечном итоге разрешились в синтезе.

К концу XIX века академическое искусство проникло в европейское общество. Выставки проводились часто, и самой популярной из них была выставка Парижский салон и начиная с 1903 г. Осенний салон. Эти салоны были сенсационными событиями, которые привлекли толпы посетителей, как отечественных, так и зарубежных. Это не только художественное мероприятие, но и социальное, 50 000 человек могут посетить за одно воскресенье, и до 500 000 могут увидеть выставку в течение двух месяцев. Были выставлены тысячи картинок, подвешенных чуть ниже уровня глаз до потолка в манере, теперь известной как «салонный стиль». Успешный показ в салоне был знаком одобрения художника, сделав его работы доступными для растущих рядов частных коллекционеров. Бугро, Александр Кабанель и Жан-Леон Жером были ведущими фигурами этого мира искусства.

В эпоху господства академического искусства картины художников Рококо эра, ранее пользовавшаяся низкой популярностью, была возрождена к популярности, и темы, часто используемые в искусстве рококо, такие как Эрос и Психея снова были популярны. Мир академического искусства тоже боготворил Рафаэль, для идеальность его работы, фактически предпочитая его Микеланджело.

Академический Искусство в Польше процветал под Ян Матейко, который учредил Краковская Академия изящных искусств. Многие из этих работ можно увидеть вГалерея польского искусства XIX века в Сукеннице в Краков.

Академическое искусство не только имело влияние в Европе и США, но и распространило свое влияние на другие западные страны. Особенно это касалось Латиноамериканская нации, которые, поскольку их революции были смоделированы французская революция, стремился подражать французской культуре. Примером латиноамериканского академического художника является Анхель Заррага из Мексика.

Академическая подготовка

Студенты рисуют «с натуры» в Школе. Снято в конце 1800-х годов.

Молодые художники четыре года проходили серьезную подготовку. Во Франции в школу академии принимали только студентов, сдавших экзамен и имеющих рекомендательное письмо от известного профессора искусств. École des Beaux-Arts. Рисунки и картины обнаженных людей, называемые «академиями», были основными строительными блоками академического искусства, и процедура их обучения была четко определена. Сначала студенты копировали гравюры с классических скульптур, знакомясь с принципами контура, света и тени. Копия считалась важной для академического образования; копируя работы художников прошлого, можно усвоить их методы создания искусства. Чтобы перейти к следующему шагу, и к каждому последующему, ученики представляли рисунки для оценки.

Демосфен на берегу моряРисунок, получивший приз Королевской академии, 1888 г.

В случае одобрения они будут рисовать по гипсовым слепкам известных классических скульптур. Только после приобретения этих навыков художникам разрешалось посещать классы, в которых позировала живая модель. Живопись не преподавалась в Школе изящных искусств до 1863 года. Чтобы научиться рисовать кистью, студент сначала должен был продемонстрировать навыки рисования, которые считались основой академической живописи. Только после этого ученик мог попасть в мастерскую академика и научиться рисовать. На протяжении всего процесса соревнования с заранее определенным предметом и определенным выделенным периодом времени измеряли успеваемость каждого ученика.

Самым известным художественным конкурсом для студентов стал Prix ​​de Rome. Лауреат Prix de Rome был удостоен стипендии для обучения в Французской академии наук. школа на вилле Медичи в Рим на срок до пяти лет. Для участия в конкурсе артист должен быть французского происхождения, мужчиной до 30 лет и холостым. Он должен был соответствовать вступительным требованиям школы и иметь поддержку известного учителя рисования. Соревнование было изнурительным и включало несколько этапов перед финальным, в котором 10 участников были изолированы в студиях на 72 дня, чтобы написать свои последние исторические картины. По сути, победителю была обеспечена успешная профессиональная карьера.

Как уже отмечалось, успешный показ в Салоне стал знаком одобрения художника. Художники обратились в комитет по подвешиванию с просьбой об оптимальном размещении «на линии» или на уровне глаз. После открытия выставки художники жаловались на то, что их работы «завешиваются» или слишком высоко. Конечным достижением профессионального художника было избрание в члены Французской академии и право называться академиком.

Критика и наследие

Карикатура (Французский буржуазия): В этом году снова Венеры ... Всегда Венеры!. Оноре Домье, №2 из серии в Le Charivati, 1864.

Академическое искусство сначала подверглось критике за использование идеализм, от Реалист художники, такие как Гюстав Курбе, как основанные на идеалистических клише и представляющие мифические и легендарные мотивы, в то время как современные социальные проблемы игнорировались. Еще одна критика со стороны реалистов: "ложная поверхность"картин - изображенные объекты выглядели гладкими, гладкими и идеализированными - не имели реальной текстуры. Реалист Теодюль Рибо работал против этого, экспериментируя с грубыми, незаконченными текстурами в его картинах.

Стилистически Импрессионистов, который быстро выступил живопись на открытом воздухе именно то, что видит глаз и что ставит рука, критикует законченный и идеализированный стиль живописи. Хотя академические художники начинали рисовать, сначала рисовали, а затем рисовали. эскизы маслом Что касается предмета, то высокая полировка, которую они придавали своим рисункам, казалась импрессионистам равносильна лжи. После масляного наброска художник создавал финальную картину с академическим «фини», изменяя картину в соответствии со стилистическими стандартами и пытаясь идеализировать изображения и добавить идеальные детали. Так же, перспектива Построен геометрически на плоской поверхности и на самом деле не является продуктом зрения, импрессионисты отказались от приверженности механическим техникам.

Реалисты и импрессионисты также отказались от размещения натюрморта и пейзажа в нижней части иерархии жанров. Важно отметить, что большинство реалистов, импрессионистов и других представителей раннего авангарда, восставших против академизма, изначально были учениками академических школ. ателье. Клод Моне, Гюстав Курбе, Эдуард Мане, и даже Анри Матисс были учениками академических художников.

Так как современное искусство и его авангард приобрел большую силу, академическое искусство стало еще более очерняться и рассматриваться как сентиментальное, клишированное, консервативное, неинновационное, буржуазный, и «без стиля». Французы насмешливо называли стиль академического искусства L'art Pompier (помпезный означает «пожарный») со ссылкой на картины Жак-Луи Давид (которого уважала академия), на котором часто изображались солдаты в касках, похожих на пожарные. Картины назывались «грандиозными машинами», которые, как говорили, вызывали ложные эмоции с помощью уловок и уловок.

Это очернение академического искусства достигло своего пика в трудах искусствоведов. Клемент Гринберг который заявил, что все академическое искусство "китч". Другие художники, например Художники-символисты и некоторые из Сюрреалисты, были добрее традиции^{[нужна цитата]}. Как художники, которые стремились воплотить в жизнь воображаемые виды, эти художники были более склонны учиться у строго репрезентативной традиции. Когда традиция стала считаться старомодной, аллегорический Обнаженные тела и театрально поставленные фигуры показались некоторым зрителям причудливыми и сказочными.

С целями Постмодернизм Благодаря более полному, социологическому и плюралистическому изложению истории академическое искусство было возвращено в учебники истории и дискуссии. С начала 1990-х академическое искусство даже пережило ограниченное возрождение через Классический реалист ателье движение.^[1] Кроме того, искусство получает все более широкое признание широкой публики, и если академические картины когда-то продавались на аукционах всего за несколько сотен долларов, то теперь за некоторые можно купить миллионы.

Основные художники

использованная литература

дальнейшее чтение

• Искусство и Академия в девятнадцатом веке. (2000). Денис, Рафаэль Кардосо и Тродд, Колин (редакторы). Издательство Университета Рутгерса. ISBN 0-8135-2795-3
• L'Art-Pompier. (1998). Lécharny, Louis-Marie, Que sais-je ?, Press Universitaires de France. ISBN 2-13-049341-6
• L'Art pompier: изображения, значения, присутствие dell'altro Ottocento francese (1860–1890). (1997). Людерин, Пьерпаоло, Карманная библиотека исследований по искусству, Ольшки. ISBN 88-222-4559-8

внешние ссылки

СМИ, связанные с Академическое искусство в Wikimedia Commons