WikiDer > Теория музыки

Иубал, Пифагор и Филолай занимался теоретическими исследованиями, создал ксилографию из Франчин Гафуриус, Музыка Theoricaæ (1492).

Теория музыки изучение практики и возможностей Музыка. Оксфордский компаньон музыки описывает три взаимосвязанных использования термина «теория музыки». Первый - это "рудименты", которые необходимы для понимания нотной записи (ключевые подписи, размеры и ритмическая нотация); вторая - изучение взглядов ученых на музыку с древности до наших дней; третья - подтема музыковедение который «стремится определить процессы и общие принципы в музыке». Музыковедческий подход к теории отличается от музыкального анализа «тем, что он принимает в качестве отправной точки не отдельное произведение или исполнение, а фундаментальные материалы, из которых оно построено».^[1]

Теория музыки часто связана с описанием того, как музыканты и композиторы создают музыку, включая системы настройки и методы композиции среди других тем. Из-за постоянно расширяющегося понимания того, что составляет музыку (см. Определение музыки), более широкое определение могло бы заключаться в том, что теория музыки - это рассмотрение любых звуковых явлений, включая тишину, в их отношении к музыке. Это не абсолютное руководство; например, изучение «музыки» в Квадривиум Учебная программа гуманитарных университетов, которая была распространена в средневековой Европе, представляла собой абстрактную систему пропорций, которую тщательно изучали вдали от реальной музыкальной практики.^[2] Однако эта средневековая дисциплина стала основой для систем настройки в более поздние века, и ее обычно включают в современные исследования по истории теории музыки.^[3]

Теория музыки как практическая дисциплина включает в себя методы и концепции композиторы и другие музыканты используют при создании музыки. Развитие, сохранение и передачу теории музыки в этом смысле можно найти в традициях устного и письменного создания музыки, музыкальных инструментах и ​​других артефактах. Например, старинные инструменты из Месопотамия, Китай,^[4] и доисторические сайты по всему миру раскрывают подробности о музыке, которую они создавали, и потенциально кое-что из музыкальной теории, которая могла быть использована их создателями (см. История музыки и Музыкальный инструмент). В древних и живых культурах по всему миру глубокие и давние корни теории музыки ясно видны в инструментах, устных традициях и современном создании музыки. Многие культуры, по крайней мере, еще в древней Месопотамии и древнем Китае, также рассматривали теорию музыки в более формальных формах, таких как письменные трактаты и нотная запись. Практические и научные традиции пересекаются, поскольку многие практические трактаты о музыке помещают себя в традицию других трактатов, которые регулярно цитируются, так же как научные статьи ссылаются на более ранние исследования.

В современной академической среде теория музыки - это подраздел музыковедение, более широкое изучение музыкальных культур и истории. Этимологически, теория музыки это акт созерцания музыки, от греческого θεωρία, взгляд, созерцание, созерцание, размышление, теория, а также зрение, зрелище.^[5] Таким образом, он часто связан с абстрактными музыкальными аспектами, такими как настройка и тональные системы, гаммы, созвучие и диссонанс, а также ритмические отношения, но есть также совокупность теории, касающейся практических аспектов, таких как создание или исполнение музыки, оркестровка, орнамент, импровизация и производство электронного звука.^[6] Человек, который исследует, преподает или пишет статьи о теории музыки, является теоретиком музыки. Учеба в университете, как правило, MA или же кандидат наук уровень, требуется для преподавания в качестве теоретика музыки в университете США или Канады. Методы анализа включают математику, графический анализ и особенно анализ, обеспечиваемый западной нотной записью. Также используются сравнительные, описательные, статистические и другие методы. Учебники теории музыки, особенно в Соединенных Штатах Америки, часто включают элементы музыкальная акустика, соображения нотная запись, и техники тонального сочинение (гармония и контрапункт) среди других тем.

История

Предыстория

Сохранившиеся доисторические инструменты, артефакты и более поздние изображения исполнения в произведениях искусства могут дать ключ к разгадке структуры систем высоты тона в доисторических культурах. См. Например Палеолитические флейты, Gǔdí, и Флейта анасази.

Античность

Месопотамия

Несколько сохранившихся шумерских и аккадских глиняных табличек содержат музыкальную информацию теоретического характера, в основном списки интервалов и настроек.^[7] Ученый Сэм Мирельман сообщает, что самый ранний из этих текстов датируется 1500 годом до нашей эры, что на тысячелетие раньше, чем сохранившиеся свидетельства из любой другой культуры сопоставимой музыкальной мысли. Далее: «Все месопотамские тексты [о музыке] объединены использованием терминологии для обозначения музыки, которая, согласно приблизительной датировке текстов, использовалась более 1000 лет».^[8]

Китай

Многое из истории и теории китайской музыки остается неясным.^[9]

Самые ранние тексты о китайской теории музыки начертаны на каменных и бронзовых колоколах, раскопанных в 1978 году из гробницы маркиза Йи (умер в 433 г. до н.э.) из государства Цзэн. Они включают более 2800 слов, описывающих теории и практики музыкальных нот того времени. Колокола производят две переплетенные пентатонические гаммы на расстоянии трех тонов друг от друга с дополнительными тонами, завершающими хроматическую гамму.^[10]

Китайская теория начинается с чисел, основные музыкальные числа - двенадцать, пять и восемь. Двенадцать относится к количеству полей, на которых могут быть построены шкалы. В Люши чуньцю примерно с 239 г. до н.э. вспоминает легенду о Лин Лун. По приказу Желтого Императора Лин Лунь собрал двенадцать бамбуковых кусков с толстыми и ровными узлами. Дунув в один из них, как в трубку, он нашел его звук приятным и назвал его Хуанчжун, "Желтый колокол". Затем он услышал пение фениксов. И самец, и самка феникса пели по шесть тонов. Лин Лун разрезал свои бамбуковые трубки, чтобы они соответствовали звуку фениксов, и произвел двенадцать трубок из смолы в двух наборах: шесть от мужского феникса и шесть от женского: они были названы Люлю или позже Shierlü.^[11]

В Люлю сформировали ритуальную гамму, на которую были настроены многие инструменты. Название самого низкого звука, Хуанчжун также подразумевает «музыкальную правильность». Его высота составляла стандарт высоты звука, устанавливая базовую высоту звука цитр, флейт и певцов императорских придворных оркестров. Прямоточные трубы без отверстий для пальцев изготавливались из литого металла, их длина определялась постановлением суда.^[12] В результате хроматическая гамма предоставила двенадцать основных нот для построения самих музыкальных гамм. В Люлю также имеет космологическое значение: его записи описывают энергетическую частоту двенадцати месяцев в году, суточный ритм двенадцати двухчасовых китайских часов, двенадцать основных меридианов акупунктуры и т. д.^[13]

Два набора тонов (мужской и женский), делящие двенадцатитонную шкалу, были сгенерированы «методом вычитания и сложения третей» или Санфен Суньи, который включал попеременное повышение пятой части и опускание четвертой путем вычитания или добавления трети длины предыдущей продольной трубы. Результирующие смолы, полученные путем добавления третьего (и нисходящего четвертого), назывались Сыма Цянь в Записки великого историка (91 г. до н. Э.) Как сцены «высшего поколения», то есть сцены с изображением мужчины-феникса Лин Луня; Высота звука, полученная путем вычитания одной трети (и увеличения до пятой части), называлась высотой звука «низшего поколения», то есть высотой звука женщины-феникса Лин Лун.^[11]

Помимо технических и структурных аспектов, древняя китайская теория музыки также обсуждает такие темы, как природа и функции музыки. В Юэджи («Музыкальные записи», 1–2 века до н.э.), например, демонстрирует конфуцианские моральные теории понимания музыки в ее социальном контексте. Эти теории, изученные и реализованные конфуцианскими учеными-чиновниками [...], помогли сформировать музыкальное конфуцианство, которое затмило, но не уничтожило конкурирующие подходы. К ним относятся утверждение Моцзы (c468 – c376 до н.э.), что музыка тратит впустую человеческие и материальные ресурсы, и утверждение Лаоцзы о том, что величайшая музыка не имеет звуков. [...] Даже музыка цинь цитра, жанр, тесно связанный с конфуцианскими учеными-чиновниками, включает в себя множество работ с даосскими отсылками, например Тяньфэн Хуанбэй («Небесный бриз и звуки нефритовых подвесок»).^[9]

Индия

В Самаведа и Яджурведа (ок. 1200–1000 до н. э.) являются одними из самых ранних свидетельств индийской музыки, но, собственно говоря, они не содержат теории. В Натья Шастра, написанный между 200 г. до н.э. по 200 г. н.э., обсуждает интервалы (Śrutis), напольные весы (Grāmas), созвучия и диссонансы, классы мелодической структуры (Мурчанас, режимы?), мелодические типы (Ятис), инструменты и др.^[14]

Греция

Ранние сохранившиеся греческие сочинения по теории музыки включают в себя два типа работ:^[15]

• технические руководства, описывающие греческую музыкальную систему, включая обозначения, гаммы, созвучие и диссонанс, ритм и типы музыкальных композиций
• трактаты о том, как музыка раскрывает универсальные закономерности порядка, ведущие к высочайшим уровням знания и понимания.

До этих работ известно несколько имен теоретиков, в том числе Пифагор (ок. 570 - ок. 495 до н. э.), Филолай (ок. 470 - ок. 385 г. до н. э.), Archytas (428–347 до н. Э.) И другие.

Работы первого типа (технические руководства) включают:

• Анонимный (ошибочно отнесен к Евклид) Подразделение канона, Κατατομή κανόνος, IV – III века до н. Э.^[16]
• Теон Смирнский, О математике, полезной для понимания Платона, Ωv κατά τό μαθηματικόν χρησίμων είς τήν Πλάτωνος άνάγνωσις, 115–140 CE.
• Никомах из Герасы, Руководство по гармоникам, Άρμονικόν έγχειρίδιον, 100–150 гг. Н. Э.
• Клеонид, Введение в гармоники, Είσαγωγή άρμονική, 2 век н. Э.
• Гаудентиус, Гармоническое введение, Άρμονική είσαγωγή, III или IV век н. Э.
• Вакхий Герон, Введение в музыкальное искусство, Είσαγωγή τέχνης μουσικής, 4 век н.э. или позже.
• Алипий, Введение в музыку, Είσαγωγή μουσική, IV – V вв. Н. Э.

Другие философские трактаты второго типа включают:

• Аристоксен, Гармонические элементы, Άρμονικά στοιχεία, 375/360 - после 320 г. до н. Э.
• Аристоксен, Ритмические элементы, Ρυθμικά στοιχεία.
• Клавдий Птолемей, Гармоники, Άρμονικά, 127–148 г. н.э.
• Порфирий, О гармониках Птолемея, Είς τά άρμονικά Πτολεμαίον ύπόμνημα, 232/3-c. 305 г. н.э.

Средний возраст

Китай

Некоторые импортированные ранние китайские инструменты стали важными компонентами развлекательной музыки Sui (581–618) и Тан (618–907) суды: изогнутая шея пипа (quxiang pipa), били, то Konghou и цзегу. Они породили не только новый репертуар и исполнительские практики, но и новые музыкальные теории. Пипа, например, несла в себе теорию музыкальных ладов, которая впоследствии привела к теории 84 музыкальных ладов Суй и Тан.^[17]

Арабские страны / персидские страны

Среди теоретиков средневековой арабской музыки:^[18]

• Абу Юсуф Якуб аль-Кинди († Багдад, 873 г. н.э.), который использует первые двенадцать букв алфавита для описания двенадцати ладов на пяти струнах уд, создавая хроматическую шкалу 25 градусов.^[19]
• [Йашья ибн] ал-Munajjim (Багдад, 856–912), автор книги Рисала фи аль-мусики ("Трактат о музыке", MS GB-Lbl Oriental 2361), в котором описывается Пифагорейский тюнинг из уд и система из восьми режимов, возможно, вдохновленная Исхак аль-Мавсили (767–850).^[20]
• Абу н-Нар Мухаммад аль-Фараби (Персия, 872? - Дамас, 950 или 951 г. н.э.), автор Китаб аль-Мусика аль-Кабир («Великая музыкальная книга»).^[21]
• Али ибн аль-Хусейн уль-Исфахани (897–967), известный как Абу аль-Фарадж аль-Исфахани, автор Китаб аль-Агхани («Книга песен»).
• Абу Али аль-Хусайн ибн Абдаллах ибн Сина, известный как Авиценна (ок. 980 - 1037), чей вклад в теорию музыки состоит в основном в главе 12 математического раздела его Китаб Аш-Шифа ("Книга исцеления").^[22]
• аль-Хасан ибн Ахмад ибн Али аль-Катиб, автор «Камала адаб аль-Гина» («Совершенство музыкального знания»), скопированного в 1225 году (Стамбул, музей Топкапы, г-жа 1727).^[23]
• Сафи ад-Дин аль-Урмави (1216–1294 гг. Н. Э.), Автор Китабу аль-Адвар («Трактат музыкальных циклов») и ар-Рисала аш-Шарафия («Послание к Шарафу»).^[24]
• Мубарак Шах, комментатор Сафи ад-Дина Китаб аль-Адвар (Британский музей, г-жа 823).^[25]
• Анон. LXI, Анонимный комментарий Сафи ад-Дина Китаб аль-Адвар.^[26]
• Шамс ад-Дун ас-Сайдува Аль-Дахаби (14 век н.э. (?)), Теоретик музыки. Автор Urjza fi'l-mῡsῑqᾱ («Дидактическая поэма о музыке»).^[27]

Европа

Латинский трактат De Institutione Musica римским философом Боэций (написано около 500 г.) было пробным камнем для других сочинений о музыке в средневековой Европе. Боэций представлял классический авторитет в области музыки в средние века, поскольку греческие сочинения, на которых он основывал свои произведения, не читались и не переводились более поздними европейцами до 15 века.^[28] В этом трактате тщательно сохраняется дистанция от реальной музыкальной практики, уделяя особое внимание математическим пропорциям, задействованным в системах настройки, и моральному характеру отдельных ладов. Спустя несколько столетий стали появляться трактаты, посвященные собственно составлению музыкальных произведений в равнодушный традиция.^[29] В конце девятого века Hucbald работал над более точным обозначением высоты звука для Neumes используется для записи plainchant.

Гвидо д'Ареццо'написал в 1028 году письмо Михаилу Помпосскому под названием Epistola de ignoto cantu,^[30] в котором он ввел практику использования слогов для описания нот и интервалов. Это был источник гексахордального сольмизация это должно было использоваться до конца средневековья. Гвидо также писал об эмоциональных качествах ладов, фразовой структуре простого языка, временном значении неймов и т.д .; его главы о полифонии «ближе к описанию и иллюстрированию реальной музыки, чем любой предыдущий рассказ» в западной традиции.^[28]

В XIII веке появилась новая система ритмов, названная мензуральная запись возникла из более раннего, более ограниченного метода записи ритмов в терминах фиксированных повторяющихся паттернов, так называемых ритмических режимов, которые были разработаны во Франции около 1200 года. Ранняя форма мензуральной записи была впервые описана и систематизирована в трактате Ars cantus mensurabilis («Искусство размеренного пения») Франко Кельнский (ок. 1280). Мензуральная нотация использовала разные формы нот для определения разной продолжительности, что позволяло писцам фиксировать ритмы, которые менялись, вместо того, чтобы повторять один и тот же фиксированный образец; это пропорциональное обозначение в том смысле, что каждое значение ноты равно в два или три раза меньшему значению или половине или трети большего значения. Та же самая нотация, преобразованная посредством различных расширений и улучшений в эпоху Возрождения, формирует основу для ритмической нотации в современной европейской классической музыке.

Современное

Страны Ближнего Востока и Центральной Азии

• Bqiyᾱ Nᾱyinῑ (Узбекистан, 17 век н.э.), узбекский писатель и теоретик музыки. Автор Замзама э вахдат-и-мῡску («Воспевание единства в музыке»).^[27]
• Барон Франсуа Родольф д'Эрланжер (Тунис, Тунис, 1910–1932 гг.), Французский музыковед. Автор Арабская музыка и Ta'rkh al-mῡsῑqᾱ al-arabiyya wa-usluha wa-tatawwurᾱtuha («История арабской музыки, ее принципы и развитие»)

Д'Эрланжер сообщает, что арабская музыкальная гамма произошла от греческой музыкальной гаммы и что арабская музыка связана с определенными чертами арабской культуры, такими как астрология.^[27]

Европа

• эпоха Возрождения

• Барокко

• 1750–1900
  • Поскольку западное музыкальное влияние распространилось по всему миру в 1800-х годах, музыканты приняли западную теорию в качестве международного стандарта, но другие теоретические традиции как в текстовой, так и в устной традициях продолжают использоваться. Например, длинные и богатые музыкальные традиции, уникальные для древних и нынешних культур Африки, в основном являются устными, но описывают конкретные формы, жанры, практики исполнения, настройки и другие аспекты теории музыки.^[31][32]
  • Священная арфа музыка использует другую шкалу и теорию на практике. В музыке акцент делается на сольфеджио «фа, соль, ля» музыкальной гаммы. Sacred Harp также использует другую нотацию, включающую «ноты формы» или ноты, которые имеют форму, соответствующую определенному слогу сольфеджио на музыкальной шкале. Музыка Священной арфы и ее музыкальная теория возникли у преподобного Томаса Симмеса в 1720 году, когда он разработал систему «пения по нотам», чтобы помочь членам своей церкви с точностью нот.^[33]

Современный

Основы музыки

Музыка состоит из слуховой явления; «Теория музыки» рассматривает, как эти явления применяются в музыке. Теория музыки рассматривает мелодию, ритм, контрапункт, гармонию, форму, тональные системы, гаммы, настройку, интервалы, созвучие, диссонанс, длительные пропорции, акустику систем высоты тона, композицию, исполнение, оркестровку, орнамент, импровизацию, производство электронного звука и т. Д. .^[34]

Подача

Средний C (261,626 Гц) Играть в (помощь·Информация).

Питч - это низость или высочество тон, например, разница между средний C и более высокий C. Частота звуковых волн, производящих высоту звука, может быть измерена точно, но восприятие высоты звука более сложное, потому что отдельные ноты из естественных источников обычно представляют собой сложную смесь многих частот. Соответственно, теоретики часто описывают высоту звука как субъективное ощущение, а не как объективное измерение звука.^[35]

Определенным частотам часто присваиваются буквенные названия. Сегодня большинство оркестров назначают Концерт А (A выше средний C на фортепиано) до частоты 440 Гц. Это назначение несколько произвольно; например, в 1859 году во Франции тот же А был настроен на 435 Гц. Такие различия могут заметно повлиять на тембр инструментов и другие явления. Таким образом, в исторически обоснованная производительность Для более старой музыки настройку часто устанавливают в соответствии с настройкой того периода, когда она была написана. Кроме того, во многих культурах не делается попыток стандартизировать высоту тона, часто полагая, что ему следует разрешить варьироваться в зависимости от жанра, стиля, настроения и т.

Разница в высоте между двумя нотами называется интервал. Самый простой интервал - это унисон, это просто две ноты одной высоты. В октава интервал - это две высоты звука, которые либо в два раза, либо вдвое ниже друг друга. Уникальные характеристики октав породили концепцию класс поля: высоты тона одного и того же буквенного названия, встречающиеся в разных октавах, могут быть сгруппированы в один «класс», игнорируя разницу в октаве. Например, высокий C и низкий C являются членами одного класса высоты тона - класса, который содержит все C. ^[36]

Музыкальные системы настройки, или темпераменты, определяют точный размер интервалов. Системы настройки сильно различаются внутри и между культурами мира. В Западная культура, уже давно существует несколько конкурирующих систем настройки, все с разным качеством. На международном уровне система, известная как равный темперамент сегодня чаще всего используется, потому что он считается наиболее удовлетворительным компромиссом, позволяющим инструментам с фиксированной настройкой (например, фортепиано) звучать приемлемо гармонично во всех тональностях.

Весы и режимы

Образец целых и половинных шагов в ионическом режиме или крупном масштабе на C Играть в (помощь·Информация).

Заметки можно расположить в различных напольные весы и режимы. Теория западной музыки обычно делит октаву на серию из двенадцати тонов, называемую хроматическая шкала, в пределах которого интервал между соседними тонами называется полушагом или полутон. Выбор тонов из этого набора из 12 и их расположение в образцах полутонов и целых тонов создает другие гаммы.^[37]

Чаще всего встречаются семитональные гаммы. основной, то гармонический минор, то мелодический минор, а натуральный минор. Другими примерами шкал являются октатоническая шкала и пентатоника или пятицветная шкала, которая распространена в Народная музыка и блюз. Незападные культуры часто используют гаммы, которые не соответствуют разделению октавы на двенадцать тонов поровну. Например, классический Османский, Персидский, Индийский и арабский музыкальные системы часто используют кратные четверти тона (половина полутона, как указывает название), например, в «нейтральных» секундах (три четверти тона) или в «нейтральных» третях (семь четвертей тона) - они не обычно используют саму четверть тона как прямой интервал.^[37]

В традиционных западных обозначениях шкала, используемая для композиции, обычно обозначается значком подпись ключа в начале обозначьте высоту звука, составляющую эту шкалу. По мере того, как музыка прогрессирует, используемая высота звука может изменяться и вводить другую гамму. Музыка может быть транспонированный от одной гаммы к другой для различных целей, часто для соответствия диапазону вокалиста. Такая транспозиция увеличивает или понижает общий диапазон высоты тона, но сохраняет интервальные отношения исходной гаммы. Например, транспозиция из тональности до мажор в ре мажор поднимает все тональности до мажор одинаково на весь тон. Поскольку отношения интервалов остаются неизменными, транспонирование может быть незаметным для слушателя, однако другие качества могут заметно измениться, поскольку транспонирование изменяет соотношение общей высоты звука. классифицировать по сравнению с диапазоном инструментов или голосов, исполняющих музыку. Это часто влияет на общее звучание музыки, а также имеет технические последствия для исполнителей.^[38]

Взаимосвязь клавиш, наиболее часто используемых в западной тональной музыке, удобно продемонстрировать круг пятых. Также иногда для определенной композиции разрабатываются уникальные ключевые подписи. В период барокко эмоциональные ассоциации с определенными ключами, известными как учение о привязанностях, были важной темой в теории музыки, но уникальные тональные оттенки клавиш, которые привели к этому учению, были в значительной степени стерты с принятием равного темперамента. Однако многие музыканты по-прежнему считают, что одни клавиши более соответствуют определенным эмоциям, чем другие. Индийская классическая музыка Теория по-прежнему прочно связывает клавиши с эмоциональными состояниями, временем дня и другими внемузыкальными концепциями и, в частности, не использует одинаковый темперамент.

Созвучие и диссонанс

В идеальная октава, согласный интервал Играть в (помощь·Информация)

В второстепенная секунда, диссонирующий интервал Играть в (помощь·Информация)

Созвучие и диссонанс - это субъективные качества звучности интервалов, которые сильно различаются в разных культурах и на протяжении веков. Консонанс (или согласие) - это качество интервала или аккорда, которое само по себе кажется стабильным и законченным. Диссонанс (или диссонанс) противоположен тому, что он чувствует себя неполным и «хочет» разрешиться до интервала согласных. Диссонирующие интервалы кажутся конфликтующими. Кажется, что интервалы согласных звучат вместе комфортно. Обычно согласными считаются совершенные четверти, квинты и октавы, а также все мажорные и второстепенные трети и шестые. Все остальные в большей или меньшей степени диссональны.^[39]

Контекст и многие другие аспекты могут повлиять на кажущийся диссонанс и созвучие. Например, в прелюдии Дебюсси мажорная секунда может звучать стабильно и созвучно, а тот же интервал может звучать диссонансно в фуге Баха. в Эра общей практикиидеальная четверть считается диссонирующей, если не поддерживается нижней третью или пятой. С начала 20 века Арнольд ШенбергКонцепция «эмансипированного» диссонанса, в которой традиционно диссонирующие интервалы можно трактовать как «более высокие», более отдаленные созвучия, получила более широкое признание.^[39]

Ритм

Метрические уровни: уровень ударов показан посередине с уровнями деления выше и несколькими уровнями ниже.

Ритм создается последовательным расположением звуков и пауз во времени. Метр измеряет музыку в регулярных группах импульсов, называемых меры или стержни. В размер или подпись метра определяет, сколько ударов в такте, и какое значение записанной ноты считается или ощущается как одна доля.

Из-за повышенного напряжения, изменения продолжительности или артикуляции могут усиливаться определенные тона. В большинстве музыкальных традиций существуют правила регулярного и иерархического акцентирования ударов для усиления определенного размера. Синкопированный ритмы противоречат этим условностям, акцентируя внимание на неожиданных частях такта.^[40] Воспроизведение одновременных ритмов более чем в одном размере называется полиритмия.^[41]

В последние годы ритм и метр стали важной областью исследований среди ученых-музыковедов. Наиболее цитируемыми из этих недавних ученых являются: Мори Йестон,^[42] Фред Лердал и Рэй Джекендофф,^[43] Джонатан Крамер,^[44] и Джастин Лондон.^[45]

Мелодия

"Поп идет ласка"мелодия^[46] Играть в (помощь·Информация)

А мелодия это серия тонов воспринимается как сущность,^{[нужна цитата]} звучание последовательно, которые обычно достигают кульминации напряжения, а затем переходят в состояние покоя. Поскольку мелодия является важным аспектом в музыке, ее построение и другие качества составляют основной интерес теории музыки.

Основные элементы мелодии - высота, продолжительность, ритм и темп. Тональности мелодии обычно берутся из систем высоты тона, таких как напольные весы или же режимы. Мелодия может в большей степени состоять из фигуры, мотива, полуфразы, предшествующей и последующей фразы, а также точки или предложения. Период может рассматриваться как полная мелодия, однако в некоторых примерах сочетаются два периода или используются другие комбинации составляющих для создания мелодий более крупной формы.^[47]

Аккорд

Триада до мажор представлены в обозначение персонала.
Играть в (помощь·Информация) в просто интонация
Играть в (помощь·Информация) в Равный темперамент
Играть в (помощь·Информация) в 1/4 запятой означает один
Играть в (помощь·Информация) в Молодой темперамент
Играть в (помощь·Информация) в Пифагорейский тюнинг

Аккорд в Музыка, любой гармонический набор из трех и более Примечания что слышно как будто звучит одновременно.^[48][49] На самом деле не обязательно играть вместе: арпеджио а оборванные аккорды для многих практических и теоретических целей могут составлять аккорды. Аккорды и последовательности аккордов часто используются в современных западных, западноафриканских,^[50] и океанический^[51] музыка, в то время как они отсутствуют в музыке многих других частей мира.^[52]

Наиболее часто встречающиеся аккорды: триады, так называемые, потому что они состоят из трех отдельных нот: могут быть добавлены дополнительные ноты, чтобы септаккорды, расширенные аккорды, или же добавлены тональные аккорды. Большинство общие аккорды являются основной и незначительный триады а затем дополненный и уменьшился триады. Описания основной, незначительный, дополненный, и уменьшился иногда вместе именуются хордовыми качественный. Аккорды также обычно классифицируются по их корень нота - так, например, аккорд C мажор можно описать как триаду основных качеств, построенных на ноте C. Аккорды также можно классифицировать по инверсия, порядок, в котором уложены банкноты.

Серия аккордов называется аккордная прогрессия. Хотя в принципе за любым аккордом может следовать любой другой аккорд, определенные образцы аккордов были приняты как устанавливающие. ключ в обычная гармония. Чтобы описать это, аккорды пронумерованы, используя римские цифры (вверх от ключевой ноты),^[53] по их диатоническая функция. Общие способы обозначение или представление аккордов^[54] в западной музыке кроме традиционной обозначение персонала включают римские цифры, фигурный бас (много используется в Эпоха барокко), буквы аккорда (иногда используется в современных музыковедение), и различные системы таблицы аккордов обычно встречается в свинцовые листы используется в популярная музыка расположить последовательность аккордов так, чтобы музыкант мог играть аккорды аккомпанемента или импровизировать соло.

Гармония

Квартеты парикмахерских, такие как эта группа ВМС США, поют пьесы из 4 частей, состоящие из мелодической линии (обычно второй по высоте голос, называемый «ведущим») и 3 частей гармонии.

В Музыка, гармония - это использование одновременных поля (тона, Примечания), или же аккорды.^[52] Изучение гармонии включает аккорды, их построение и аккорды и принципы связи, которыми они руководствуются.^[55] Часто говорят, что гармония относится к «вертикальному» аспекту музыки, в отличие от мелодическая линия, или «горизонтальный» аспект.^[56] Контрапункт, который относится к переплетению мелодических линий, и полифония, который относится к отношениям отдельных независимых голосов, поэтому иногда отличается от гармонии.^[57]

В популярный и джазовая гармония, аккорды названы по их корень плюс различные термины и символы, указывающие на их качества. Например, свинцовый лист может обозначать аккорды, такие как до мажор, ре минор и доминирующий септакт соль. Во многих музыкальных стилях, особенно в стиле барокко, романтизма, модерна и джаза, аккорды часто дополняются «напряжением». Натяжение - это дополнительный элемент хорды, который создает относительно диссонирующий интервал по отношению к басу. Это часть аккорда, но не один из тонов аккорда (1 3 5 7). Обычно в классическом период общей практики диссонирующий аккорд (аккорд с натяжением) «разрешается» в согласный аккорд. Гармонизация обычно звучит приятно для уха, когда есть баланс между согласными и диссонирующими звуками. Проще говоря, это происходит, когда есть баланс между «напряженным» и «расслабленным» моментами.^{[58][ненадежный источник?]}

Тембр

Спектрограмма первой секунды аккорда E9, сыгранного на гитаре Fender Stratocaster с бесшумными звукоснимателями. Ниже приведен звук аккорда E9:

Тембр, иногда называемый «цветом» или «цветом тона», является основным явлением, которое позволяет нам отличить один инструмент от другого, когда оба играют с одинаковой высотой тона и громкости, качество голоса или инструмента, часто описываемое в терминах «яркий , тупой, пронзительный и т. д. Он представляет значительный интерес для теории музыки, особенно потому, что это один из компонентов музыки, который еще не имеет стандартизированной номенклатуры. Это было названо «... многомерной категорией корзины для мусора психоакустика для всего, что не может быть названо высотой или громкостью».^[59] но может быть точно описан и проанализирован Анализ Фурье и другие методы^[60] потому что это результат комбинации всех звуков частоты, конверты атаки и выпуска и другие качества, которые включает в себя тон.

Тембр в основном определяется двумя вещами: (1) относительным балансом обертоны производятся данным инструментом из-за его конструкции (например, формы, материала), и (2) конверт звука (включая изменения в структуре обертона с течением времени). Тембр широко варьируется между разными инструментами, голосами и, в меньшей степени, между инструментами одного и того же типа из-за различий в их конструкции и, в значительной степени, техники исполнителя. Тембр большинства инструментов можно изменить, используя различные техники игры. Например, тембр трубы меняется, когда в колокол вставляется немой, игрок меняет амбушюр или громкость.^{[нужна цитата]}

Голос может изменять свой тембр в зависимости от того, как исполнитель манипулирует своим голосовым аппаратом (например, форма речевой полости или рта). В нотной записи часто указывается изменение тембра за счет изменения техники звучания, громкости, акцента и других средств. Они обозначаются по-разному символическими и словесными инструкциями. Например, слово сладкий (сладко) указывает на неспецифический, но обычно понимаемый мягкий и «сладкий» тембр. Сул Тасто указывает струнному исполнителю поклониться возле грифа или над ним, чтобы добиться менее яркого звука. Cuivre инструктирует медного музыканта производить форсированный и резкий медный звук. Акцентные символы, такие как Marcato (^) и динамические индикации (pp) также может указывать на изменение тембра.^{[нужна цитата]}

Динамика

Эта секция не цитировать любой источники. Пожалуйста помоги улучшить этот раздел к добавление цитат в надежные источники. Материал, не полученный от источника, может быть оспорен и удаленный. (Июль 2015 г.) (Узнайте, как и когда удалить этот шаблон сообщения)

^{[соответствующий? – обсуждать]}

Иллюстрация шпильки в нотной записи.

В музыке "динамика"обычно относится к вариациям интенсивности или громкости, которые могут быть измерены физиками и звукорежиссерами в децибелы или же телефоны. Однако в нотной записи динамика рассматривается не как абсолютная, а как относительная величина. Поскольку они обычно измеряются субъективно, существуют факторы помимо амплитуды, которые влияют на исполнение или восприятие интенсивности, такие как тембр, вибрато и артикуляция.

Условные обозначения динамики - это аббревиатуры итальянских слов вроде форте (ж) для громких и пианино (п) для софт. Эти два основных обозначения изменяются указаниями, включая меццо-фортепиано (mp) для умеренно мягких (буквально «полумягких») и меццо форте (мф) для умеренно громких, сфорцандо или же сфорцато (SFZ) для скачкообразной или "толкаемой" атаки, или фортепиано (fp) для громкой атаки с резким снижением до мягкого уровня. Полный спектр этих маркировок обычно варьируется от почти неслышимого пианиссиссиссимо (pppp) как можно громче Fortissississimo (ffff).

Большие крайности pppppp и fffff и такие нюансы как р + или же пи пианино иногда встречаются. Другие системы индикации громкости также используются как в обозначениях, так и в анализе: дБ (децибелы), числовые шкалы, цветные ноты или ноты разного размера, слова на языках, отличных от итальянского, и символы, например, для постепенно увеличивающейся громкости (крещендо) или уменьшение громкости (diminuendo или же декрещендо), часто называемый "заколки для волос"когда обозначено расходящимися или сходящимися линиями, как показано на рисунке выше.

Артикуляция

Эта секция не цитировать любой источники. Пожалуйста помоги улучшить этот раздел к добавление цитат в надежные источники. Материал, не полученный от источника, может быть оспорен и удаленный. (Июль 2015 г.) (Узнайте, как и когда удалить этот шаблон сообщения)

Примеры знаков сочленения. Слева направо: стаккато, стаккатиссимо, Мартеллато, акцент, Tenuto.

Артикуляция - это способ звучания нот исполнителем. Например, стаккато сокращение продолжительности по сравнению со значением письменной ноты, легато исполняет ноты в плавно соединенной последовательности без разделения. Артикуляция часто описывается, а не количественно, поэтому есть возможность интерпретировать, как точно выполнить каждую артикуляцию.

Например, стаккато часто упоминается как «отделенный» или «отделенный», а не как имеющий определенную или пронумерованную величину, на которую сокращается обозначенная продолжительность. Скрипачи используют разные техники для исполнения разных качеств стаккато. Способ, которым исполнитель решает исполнить ту или иную артикуляцию, обычно зависит от контекста пьесы или фразы, но многие артикуляционные символы и словесные инструкции зависят от инструмента и музыкального периода (например, альта, духовые; классика, барокко и т. Д.) ).

Существует набор артикуляций, которые большинство инструментов и голосов исполняют совместно. Они - от длинного до короткого: легато (гладкие, связанные); Tenuto (нажата или воспроизведена до полной нотной длительности); Marcato (акцентированный и отстраненный); стаккато («отделен», «отделен»); мартеле (сильно подчеркнутый или "забитый").^{[противоречивый]} Многие из них можно комбинировать для создания определенных «промежуточных» артикуляций. Например, Portato это сочетание Tenuto и стаккато. Some instruments have unique methods by which to produce sounds, such as spicatto for bowed strings, where the bow bounces off the string.

Текстура

Введение в Соуза"s"Washington Post March," mm. 1–7Играть в (помощь·Информация) Особенности octave doubling ^[61] and a homorhythmic texture.

В Музыка, texture is how the мелодичный, ритмичный, и гармонический materials are combined in a сочинение, thus determining the overall quality of the sound in a piece. Texture is often described in regard to the density, or thickness, and классифицировать, or width, between lowest and highest pitches, in relative terms as well as more specifically distinguished according to the number of voices, or parts, and the relationship between these voices. For example, a thick texture contains many "layers" of instruments. One of these layers could be a string section, or another brass.

The thickness also is affected by the amount and the richness of the instruments playing the piece. The thickness varies from light to thick. A lightly textured piece will have light, sparse scoring. A thickly or heavily textured piece will be scored for many instruments. A piece's texture may be affected by the number and character of parts playing at once, the тембр of the instruments or voices playing these parts and the harmony, темп, and rhythms used.^[62] The types categorized by number and relationship of parts are analyzed and determined through the labeling of primary textural elements: primary melody, secondary melody, parallel supporting melody, static support, harmonic support, rhythmic support, and harmonic and rhythmic support.^[63]

Common types included однотонный texture (a single melodic voice, such as a piece for solo soprano or solo flute), biphonic texture (two melodic voices, such as a duo for bassoon and flute in which the bassoon plays a drone note and the flute plays the melody), полифонический texture and гомофонический texture (chords accompanying a melody).^{[нужна цитата]}

Form or structure

Музыкальный каноник. Британская энциклопедия calls a "canon" both a compositional technique and a musical form.^[64]

The term musical form (or musical architecture) refers to the overall structure or plan of a piece of music, and it describes the layout of a composition as divided into sections.^[65] In the tenth edition of Оксфордский компаньон музыки, Перси Скоулз defines musical form as "a series of strategies designed to find a successful mean between the opposite extremes of unrelieved repetition and unrelieved alteration."^[66] В соответствии с Ричард Миддлтон, musical form is "the shape or structure of the work." He describes it through difference: the distance moved from a повторение; the latter being the smallest difference. Difference is quantitative and qualitative: how far, и of what type, different. In many cases, form depends on statement and restatement, unity and variety, and контраст and connection.^[67]

Выражение

A violinist performing

Musical expression is the art of playing or singing music with emotional communication. The elements of music that comprise expression include dynamic indications, such as forte or piano, формулировка, differing qualities of timbre and articulation, color, intensity, energy and excitement. All of these devices can be incorporated by the performer. A performer aims to elicit responses of sympathetic feeling in the audience, and to excite, calm or otherwise sway the audience's physical and emotional responses. Musical expression is sometimes thought to be produced by a combination of other parameters, and sometimes described as a transcendent quality that is more than the sum of measurable quantities such as pitch or duration.

Expression on instruments can be closely related to the role of the breath in singing, and the voice's natural ability to express feelings, sentiment and deep emotions.^{[требуется разъяснение]} Whether these can somehow be categorized is perhaps the realm of academics, who view expression as an element of musical performance that embodies a consistently recognizable эмоция, ideally causing a sympathetic emotional response in its listeners.^[68] The emotional content of musical expression is distinct from the emotional content of specific sounds (e.g., a startlingly-loud 'bang') and of learned associations (e.g., a Национальный гимн), but can rarely be completely separated from its context.^{[нужна цитата]}

The components of musical expression continue to be the subject of extensive and unresolved dispute.^{[69][70][71][72][73][74]}

Обозначение

тибетский musical score from the 19th century

Musical notation is the written or symbolized representation of music. This is most often achieved by the use of commonly understood graphic symbols and written verbal instructions and their abbreviations. There are many systems of music notation from different cultures and different ages. Traditional Western notation evolved during the Middle Ages and remains an area of experimentation and innovation.^[75]In the 2000s, computer форматы файлов have become important as well.^[76] Spoken language and знаки руки are also used to symbolically represent music, primarily in teaching.

In standard Western music notation, tones are represented graphically by symbols (notes) placed on a сотрудники or staves, the vertical axis corresponding to pitch and the horizontal axis corresponding to time. Note head shapes, stems, flags, ties and dots are used to indicate duration. Additional symbols indicate keys, dynamics, accents, rests, etc. Verbal instructions from the дирижер are often used to indicate tempo, technique, and other aspects.

In Western music, a range of different music notation systems are used. В западных Классическая музыка, conductors use printed scores that show all of the instruments' parts and orchestra members read parts with their musical lines written out. In popular styles of music, much less of the music may be notated. A rock band may go into a recording session with just a handwritten диаграмма аккордов indicating the song's аккордная прогрессия using chord names (e.g., C major, D minor, G7, etc.). All of the chord voicings, rhythms and accompaniment figures are improvised by the band members.

Music theory as academic discipline

The scholarly study of music theory in the twentieth century has a number of different subfields, each of which takes a different perspective on what are the primary phenomenon of interest and the most useful methods for investigation.

Анализ

Typically a given work is analyzed by more than one person and different or divergent analyses are created. For instance, the first two bars of the prelude to Клод Дебюссис Пеллеас и Мелизанда are analyzed differently by Leibowitz, Laloy, van Appledorn, and Christ. Leibowitz analyses this succession harmonically as D minor:I-VII-V, ignoring melodic motion, Laloy analyses the succession as D:I-V, seeing the G in the second measure as an орнамент, and both van Appledorn and Christ analyses the succession as D:I-VII. Играть в (помощь·Информация)

Musical analysis is the attempt to answer the question how does this music work? The method employed to answer this question, and indeed exactly what is meant by the question, differs from analyst to analyst, and according to the purpose of the analysis. В соответствии с Ian Bent, "analysis, as a pursuit in its own right, came to be established only in the late 19th century; its emergence as an approach and method can be traced back to the 1750s. However, it existed as a scholarly tool, albeit an auxiliary one, from the Средний возраст onwards."^[77] Адольф Бернхард Маркс was influential in formalising concepts about composition and music understanding towards the second half of the 19th century. The principle of analysis has been variously criticized, especially by composers, such as Эдгар Варез's claim that, "to explain by means of [analysis] is to decompose, to mutilate the spirit of a work".^[78]

Шенкеровский анализ is a method of musical analysis of tonal music based on the theories of Генрих Шенкер (1868–1935). The goal of a Schenkerian analysis is to interpret the underlying structure of a tonal work and to help reading the score according to that structure. The theory's basic tenets can be viewed as a way of defining тональность в музыке. A Schenkerian analysis of a passage of music shows hierarchical relationships among its pitches, and draws conclusions about the structure of the passage from this hierarchy. The analysis makes use of a specialized symbolic form of musical notation that Schenker devised to demonstrate various techniques of elaboration. The most fundamental concept of Schenker's theory of tonality may be that of tonal space.^[79] The intervals between the notes of the tonic triad form a tonal space that is filled with passing and neighbour notes, producing new triads and new tonal spaces, open for further elaborations until the surface of the work (the score) is reached.

Although Schenker himself usually presents his analyses in the generative direction, starting from the fundamental structure (Ursatz) to reach the score, the practice of Schenkerian analysis more often is reductive, starting from the score and showing how it can be reduced to its fundamental structure. График Ursatz is arrhythmic, as is a strict-counterpoint cantus firmus exercise.^[80] Even at intermediate levels of the reduction, rhythmic notation (open and closed noteheads, beams and flags) shows not rhythm but the hierarchical relationships between the pitch-events. Schenkerian analysis is субъективный. There is no mechanical procedure involved and the analysis reflects the musical intuitions of the analyst.^[81] The analysis represents a way of hearing (and reading) a piece of music.

Transformational theory is a branch of music theory developed by David Lewin in the 1980s, and formally introduced in his 1987 work, Generalized Musical Intervals and Transformations. The theory, which models musical transformations as elements of a mathematical group, can be used to analyze both тональный и атональная музыка. The goal of transformational theory is to change the focus from musical objects—such as the "C major chord" or "G major chord"—to relations between objects. Thus, instead of saying that a C major chord is followed by G major, a transformational theorist might say that the first chord has been "transformed" into the second by the "Доминирующий operation." (Symbolically, one might write "Dominant(C major) = G major.") While traditional musical set theory focuses on the makeup of musical objects, transformational theory focuses on the интервалы or types of musical motion that can occur. According to Lewin's description of this change in emphasis, "[The transformational] attitude does not ask for some observed measure of extension between reified 'points'; rather it asks: 'If I am в s and wish to get to t, what characteristic жест should I perform in order to arrive there?'"^[82]

Music perception and cognition

Music psychology or the psychology of music may be regarded as a branch of both психология и musicology. It aims to explain and understand музыкальный поведение и опыт, including the processes through which music is perceived, created, responded to, and incorporated into everyday life.^[83][84] Modern music psychology is primarily эмпирический; its knowledge tends to advance on the basis of interpretations of data collected by systematic наблюдение of and interaction with human participants. Music psychology is a field of research with practical relevance for many areas, including music спектакль, сочинение, образование, критика, и терапия, as well as investigations of human aptitude, навык, интеллект, creativity, и социальное поведение.

Music psychology can shed light on non-psychological aspects of musicology and musical practice. For example, it contributes to music theory through investigations of the восприятие и computational modelling of musical structures such as мелодия, гармония, тональность, ритм, метр, и форма. Исследования в история музыки can benefit from systematic study of the history of musical syntax, or from psychological analyses of composers and compositions in relation to perceptual, affective, and social responses to their music. Этномузыкология can benefit from psychological approaches to the study of music cognition in different cultures.^{[85][нужна цитата]}

Genre and technique

Классический piano trio is a group that plays камерная музыка, включая сонаты. The term "piano trio" also refers to works composed for such a group.

A music genre is a conventional category that identifies some pieces of Музыка as belonging to a shared tradition or set of conventions.^[86] It is to be distinguished from musical form и музыкальный стиль, although in practice these terms are sometimes used interchangeably.^{[87][неудачная проверка]}

Music can be divided into different жанры in many different ways. The artistic nature of music means that these classifications are often subjective and controversial, and some genres may overlap. There are even varying academic definitions of the term genre сам. В его книге Form in Tonal Music, Douglass M. Green distinguishes between genre and форма. He lists мадригал, мотет, канцона, Ричеркар, and dance as examples of genres from the эпоха Возрождения период. To further clarify the meaning of genre, Green writes, "Beethoven's Op. 61 and Mendelssohn's Op. 64 are identical in genre—both are violin concertos—but different in form. However, Mozart's Rondo for Piano, K. 511, and the Agnus Dei from his Mass, K. 317 are quite different in genre but happen to be similar in form."^[88] Some, like Питер ван дер Мерве, treat the terms genre и стиль as the same, saying that genre should be defined as pieces of music that came from the same style or "basic musical language."^[89]

Others, such as Allan F. Moore, state that genre и стиль are two separate terms, and that secondary characteristics such as subject matter can also differentiate between genres.^[90] A music genre or subgenre may also be defined by the musical techniques, the style, the cultural context, and the content and spirit of the themes. Geographical origin is sometimes used to identify a music genre, though a single geographical category will often include a wide variety of subgenres. Timothy Laurie argues that "since the early 1980s, genre has graduated from being a subset of popular music studies to being an almost ubiquitous framework for constituting and evaluating musical research objects".^[91]

Musical technique is the ability of инструментальный и вокал musicians to exert optimal control of their instruments or голосовые связки to produce precise musical effects. Improving technique generally entails practicing exercises that improve muscular sensitivity and agility. To improve technique, musicians often practice fundamental patterns of notes such as the естественный, незначительный, основной, и хроматические гаммы, незначительный и основные трезвучия, доминирующий и diminished sevenths, formula patterns and арпеджио. Например, триады и седьмые teach how to play chords with accuracy and speed. Напольные весы teach how to move quickly and gracefully from one note to another (usually by step). Arpeggios teach how to play сломанные аккорды over larger intervals. Many of these components of music are found in compositions, for example, a scale is a very common element of классический и романтичный era compositions.^{[нужна цитата]}

Генрих Шенкер argued that musical technique's "most striking and distinctive characteristic" is репетиция.^[92] Works known as этюды (meaning "study") are also frequently used for the improvement of technique.

Математика

Музыка theorists sometimes use математика to understand music, and although music has no аксиоматический foundation in modern mathematics, mathematics is "the basis of sound" and sound itself "in its musical aspects... exhibits a remarkable array of number properties", simply because nature itself "is amazingly mathematical".^[93] The attempt to structure and communicate new ways of composing and hearing music has led to musical applications of теория множеств, абстрактная алгебра и теория чисел. Some composers have incorporated the Золотое сечение и Числа Фибоначчи into their work.^[94][95] There is a long history of examining the relationships between music and mathematics. Though ancient Chinese, Egyptians and Mesopotamians are known to have studied the mathematical principles of sound,^[96] то Пифагорейцы (особенно Филолай и Archytas)^[97] of ancient Greece were the first researchers known to have investigated the expression of музыкальные гаммы in terms of numerical соотношения.

The first 16 harmonics, their names and frequencies, showing the exponential nature of the octave and the simple fractional nature of non-octave harmonics.

In the modern era, musical теория множеств uses the language of mathematical set theory in an elementary way to organize musical objects and describe their relationships. To analyze the structure of a piece of (typically atonal) music using musical set theory, one usually starts with a set of tones, which could form motives or chords. By applying simple operations such as транспозиция и инверсия, one can discover deep structures in the music. Operations such as transposition and inversion are called изометрии because they preserve the intervals between tones in a set. Expanding on the methods of musical set theory, some theorists have used abstract algebra to analyze music. For example, the pitch classes in an equally tempered octave form an абелева группа with 12 elements. It is possible to describe just intonation с точки зрения свободная абелева группа.^[98]

Serial composition and set theory

Tone row from Альбан Бергс Лирическая сюита, mov. Я. Играть в (помощь·Информация)

In music theory, serialism is a method or technique of сочинение that uses a series of values to manipulate different musical elements. Serialism began primarily with Арнольд Шенбергс двенадцатитоновая техника, though his contemporaries were also working to establish serialism as one example of посттональный мышление. Twelve-tone technique orders the twelve notes of the хроматическая шкала, forming a ряд or series and providing a unifying basis for a composition's мелодия, гармония, structural progressions, and вариации. Other types of serialism also work with наборы, collections of objects, but not necessarily with fixed-order series, and extend the technique to other musical dimensions (often called "parameters"), Такие как продолжительность, динамика, и тембр. The idea of serialism is also applied in various ways in the Изобразительное искусство, дизайн, и архитектура^[99]

"Integral serialism" or "total serialism" is the use of series for aspects such as duration, dynamics, and register as well as pitch. ^[100] Other terms, used especially in Europe to distinguish post–World War II serial music from twelve-tone music and its American extensions, are "general serialism" and "multiple serialism".^[101]

Musical set theory provides concepts for categorizing musical objects and describing their relationships. Many of the notions were first elaborated by Говард Хэнсон (1960) in connection with tonal music, and then mostly developed in connection with atonal music by theorists such as Аллен Форте (1973), drawing on the work in twelve-tone theory of Milton Babbitt. The concepts of set theory are very general and can be applied to tonal and atonal styles in any equally tempered tuning system, and to some extent more generally than that.^{[нужна цитата]}

One branch of musical set theory deals with collections (sets and permutations) of pitches and pitch classes (pitch-class set theory), which may be ordered or unordered, and can be related by musical operations such as транспозиция, инверсия, и дополнение. The methods of musical set theory are sometimes applied to the analysis of rhythm as well.^{[нужна цитата]}

Musical semiotics

Семиотик Roman Jakobson

Music semiology (семиотика) is the study of signs as they pertain to Музыка on a variety of levels. Следующий Roman Jakobson, Kofi Agawu adopts the idea of musical semiosis being introversive or extroversive—that is, musical signs within a text and without.^{[нужна цитата]} "Topics," or various musical conventions (such as horn calls, dance forms, and styles), have been treated suggestively by Agawu, among others.^{[нужна цитата]} Понятие жест is beginning to play a large role in musico-semiotic enquiry.^{[нужна цитата]}

"There are strong arguments that music inhabits a semiological realm which, on both онтогенетический и филогенетический levels, has developmental priority over verbal language."^{[102][103][104][105][106][107][108][109][требуется разъяснение]}

Writers on music semiology include Kofi Agawu (on topical theory,^{[нужна цитата]} Генрих Шенкер,^[110][111] Robert Hatten (on topic, gesture)^{[нужна цитата]}, Раймонд Монель (on topic, musical meaning)^{[нужна цитата]}, Жан-Жак Наттиез (on introversive taxonomic analysis and ethnomusicological applications)^{[нужна цитата]}, Anthony Newcomb (on narrativity)^{[нужна цитата]}, и Ээро Тарасти^{[нужна цитата]} (generally considered the founder of musical semiotics).

Роланд Барт, himself a semiotician and skilled amateur pianist, wrote about music in Image-Music-Text,^{[требуется полная цитата]} The Responsibilities of Form,^{[требуется полная цитата]} и Eiffel Tower,^{[требуется полная цитата]} though he did not consider music to be a semiotic system^{[нужна цитата]}.

Signs, meanings in music, happen essentially through the connotations of sounds, and through the social construction, appropriation and amplification of certain meanings associated with these connotations. Работа Филип Тагг (Ten Little Tunes,^{[требуется полная цитата]} Фернандо Флейта,^{[требуется полная цитата]} Music's Meanings^{[требуется полная цитата]}) provides one of the most complete and systematic analysis of the relation between musical structures and connotations in western and especially popular, television and film music. Работа Leonard B. Meyer в Style and Music^{[требуется полная цитата]} theorizes the relationship between ideologies and musical structures and the phenomena of style change, and focuses on romanticism as a case study.

Образование и карьера

Колумбийский университет music theorist Pat Carpenter in a 2013 photo

Music theory in the practical sense has been a part of education at conservatories and music schools for centuries, but the status music theory currently has within academic institutions is relatively recent. In the 1970s, few universities had dedicated music theory programs, many music theorists had been trained as composers or historians, and there was a belief among theorists that the teaching of music theory was inadequate and that the subject was not properly recognised as a scholarly discipline in its own right.^[112] A growing number of scholars began promoting the idea that music theory should be taught by theorists, rather than composers, performers or music historians.^[112] Это привело к созданию Общество теории музыки in the United States in 1977. In Europe, the French Société d'Analyse musicale was founded in 1985. It called the First European Conference of Music Analysis for 1989, which resulted in the foundation of the Société belge d'Analyse musicale in Belgium and the Gruppo analisi e teoria musicale in Italy the same year, the Society for Music Analysis in the UK in 1991, the Vereniging voor Muziektheorie in the Netherlands in 1999 and the Gesellschaft für Musiktheorie в Германии в 2000 году.^[113] They were later followed by the Russian Society for Music Theory в 2013 году и Polish Society for Music Analysis in 2015, and others are in construction. These societies coordinate the publication of music theory scholarship and support the professional development of music theory researchers.

As part of their initial training, music theorists will typically complete a B.Mus или Б.А. in music (or a related field) and in many cases an M.A. in music theory. Some individuals apply directly from a bachelor's degree to a PhD, and in these cases, they may not receive an M.A. In the 2010s, given the increasingly interdisciplinary nature of university graduate programs, some applicants for music theory PhD programs may have academic training both in music and outside of music (e.g., a student may apply with a B.Mus and a Masters in Music Composition or Philosophy of Music).

Most music theorists work as instructors, lecturers or professors in колледжи, университеты или же консерватории. The job market for tenure-track professor positions is very competitive: with an average of around 25 tenure-track positions advertised per year in the past decade, 80-100 PhD graduates are produced each year (according to the Survey of Earned Doctorates) who compete not only with each other for those positions but with job seekers that received PhD's in previous years who are still searching for a tenure-track job. Applicants must hold a completed PhD or the equivalent degree (or expect to receive one within a year of being hired—called an "ABD", for "All But Dissertation" stage) and (for more senior positions) have a strong record of publishing in peer-reviewed journals. Some PhD-holding music theorists are only able to find insecure positions as sessional lecturers. The job tasks of a music theorist are the same as those of a professor in any other humanities discipline: teaching undergraduate and/or graduate classes in this area of specialization and, in many cases some general courses (such as Music Appreciation or Introduction to Music Theory), conducting research in this area of expertise, publishing research articles in peer-reviewed journals, authoring book chapters, books or textbooks, traveling to conferences to present papers and learn about research in the field, and, if the program includes a Высшая школа, supervising M.A. and PhD students and giving them guidance on the preparation of their theses and dissertations. Some music theory professors may take on senior administrative positions in their institution, such as Декан или же Стул of the School of Music.

Смотрите также

• Теория музыки AP
• Список музыкальных теоретиков
• Музыкальная психология
• Музыковедение
• Теория живописи

Примечания

Источники

дальнейшее чтение

внешняя ссылка

В Викиучебнике есть больше по темам: Теория музыки

• Ресурсы по теории музыки

• Диллен, Оскар ван, Изложение базовой теории музыки (2011)
• Почему важна небольшая часть теории
• "Теория музыки в Интернете: руководства, уроки и упражнения". musictheoryhelp.co.uk. Получено 17 декабря 2017.
• «Основы музыки | Искусство и гуманитарные науки». Ханская академия. Получено 17 декабря 2017.
• «Теория музыки». musictheoryis.com. Получено 17 декабря 2017.