WikiDer > История анимации

История анимация началось задолго до разработки кинематография. Люди, вероятно, пытались изобразить движение еще в палеолит период. Много позже, теневая игра и волшебный фонарь (примерно с 1659 г.) предлагали популярные шоу с проецируемыми изображениями на экране, движущимися в результате манипуляций вручную и / или незначительной механикой. В 1833 году стробоскопический диск (более известный как фенакистископ) представил стробоскопический принципы современной анимации, которые десятилетия спустя также станут основой кинематографии. Между 1895 и 1920 годами, во время подъема кинематографической индустрии, было разработано несколько различных методов анимации, в том числе остановка движения с предметами, марионетками, глина или же вырезы, а также нарисованная или раскрашенная анимация. Рисованная анимация, в основном нарисованная анимация cels, была доминирующей техникой на протяжении большей части 20-го века и стала известна как традиционная анимация.

На рубеже тысячелетий компьютерная анимация стала доминирующей техникой анимации в большинстве регионов (в то время как японские аниме и европейский нарисованный от руки постановки продолжают пользоваться большой популярностью). Компьютерная анимация в основном ассоциируется с трехмерным внешним видом с подробным затемнением, хотя многие различные стили анимации были созданы или смоделированы с помощью компьютеров. Некоторые постановки могут быть признаны Flash анимация, но на практике компьютерная анимация с относительно двумерным внешним видом, четкими контурами и небольшим затенением обычно считается «традиционной анимацией». Например, первый полнометражный фильм, снятый на компьютере без камеры, - это Спасатели внизу (1990), но его стиль трудно отличить от чел анимация.

В этой статье подробно рассказывается о история анимации который выглядит как нарисованная или раскрашенная анимация, независимо от используемой техники.

Ранние подходы к движению в искусстве

Рисунок пяти последовательных изображений, нанесенных на чашу с места проведения Сгоревший город в Иране, конец III тысячелетия до н. э.

Рисование Египтянин Погребальная камера фреска, приблизительно 4000 лет, показывая борцы в действии

Есть несколько примеров ранних последовательных изображений, которые могут показаться похожими на серии анимационных рисунков. Большинство из этих примеров допускают только очень низкий частота кадров когда они анимированы, в результате получаются короткие и грубые анимации, не очень похожие на живые. Однако маловероятно, что эти изображения предназначались для того, чтобы каким-то образом рассматривать их как анимацию. Можно представить себе технологии, которые могли использоваться в периоды их создания, но убедительных доказательств в артефактах или описаниях найдено не было. Иногда утверждают, что эти ранние последовательные изображения слишком легко интерпретируются как «до-кино» умами, привыкшими к фильмам, комиксам и другим современным последовательным изображениям, в то время как сомнительно, что создатели этих изображений предполагали что-то подобное.^[1] Плавная анимация требует правильного разбиения движения на отдельные изображения очень коротких экземпляров, которые трудно было представить до наших дней.^[2] Измерение экземпляров короче второго первого стало возможным с инструментами, разработанными в 1850-х годах.^[3]

Ранние примеры попыток запечатлеть феномен движение в неподвижный рисунок можно найти в палеолит наскальные рисунки, где животные иногда изображаются с несколькими ногами в наложенных друг на друга позициях или в серии, что можно интерпретировать как одно животное в разных положениях.^[4] Утверждалось, что эти наложенные друг на друга фигуры предназначались для формы анимации с мерцающим светом пламени костра или проходящего факела, поочередно освещающего разные части окрашенной каменной стены, показывая разные части движения.^[5][6]

Археологические находки небольших палеолитических дисков с отверстием посередине и рисунками на обеих сторонах были объявлены своего рода доисторическими. тауматропы которые показывают движение при вращении на веревке.^[5][7]

Керамическая чаша возрастом 5200 лет, обнаруженная в Shahr-e Sukhteh, Иран Вокруг нарисовано пять последовательных изображений, которые, кажется, показывают фазы козла, прыгающего, чтобы укусить дерево.^[8][9]

An Египтянин фреска приблизительно 4000 лет, найден в гробнице Хнумхотеп на Бени Хассан кладбище, имеет очень длинную серию изображений, которые, по-видимому, изображают последовательность событий в борьба матч.^[10]

В Парфенон Фриз (около 400 г. до н.э.) описывался как отображение анализа движения и представление фаз движения, структурированных ритмично и мелодично с контрапунктами, как в симфонии. Утверждалось, что части на самом деле образуют связную анимацию, если фигуры снимаются кадр за кадром.^[11] Хотя структура следует уникальному пространственно-временному континууму, в ней есть повествовательные стратегии.^[12]

Римский поэт и философ Лукреций (ок. 99 г. до н. э. - ок. 55 г. до н. э.) написал в своем стихотворении De rerum natura несколько строк, которые близки к основным принципам анимации: «... когда первое изображение исчезает, а второе создается в другой позиции, первое, кажется, изменило свою позу. Конечно, это должно быть размещаются очень быстро: так велика их скорость, так велик запас частиц в любой момент ощущения, что позволяет поднять запас ». Это было в контексте образов снов, а не изображений, созданных с помощью реальной или воображаемой технологии.^[13][14]

Средневековый кодекс Sigenot (около 1470 г.) имеет последовательный иллюминация с относительно короткими интервалами между разными фазами действия. На каждой странице есть изображение в рамке над текстом, с одинаковым размером и положением по всей книге (с постоянной разницей в размере для лицевой и оборотной сторон каждой страницы).^[15]

Страница рисунков^[16] к Леонардо да Винчи (1452–1519) показывают анатомические исследования с четырьмя разными углами мышц плеча, руки и шеи человека. Четыре рисунка можно рассматривать как вращательное движение.

Древние китайские записи содержат несколько упоминаний об устройствах, в том числе одно, сделанное изобретателем. Дин Хуань, которые, как сказано, "создают впечатление движения" на изображенных на них фигурах людей или животных,^[17] но эти отчеты неясны и могут относиться только к фактическому перемещению фигур в пространстве.^[18]

Еще до 1000 г. н.э. у китайцев был вращающийся фонарь, на тонких бумажных сторонах которого проецировались силуэты, которые, казалось, преследовали друг друга. Это называлось «фонарь бегущей лошади» [走馬燈], так как он обычно изображал лошадей и всадников. Вырезанные силуэты прикреплялись внутри фонаря к валу с крыльчаткой из бумаги наверху, вращаемой нагретым воздухом, выходящим из лампы. В некоторых версиях добавлено дополнительное движение с соединенными головами, ногами или руками фигур, приводимых в движение поперечно соединенной железной проволокой.^[19]

Volvelles имеют движущиеся части, но эти и другие бумажные материалы, которыми можно управлять в движении, обычно не считаются анимацией.

Теневая игра

Теневая игра фигурки, около 1780 г.

Игра теней имеет много общего с анимацией: люди смотрят движущиеся фигуры на экране как популярный вид развлечения, обычно это рассказ с диалогами, звуками и музыкой. Цифры могут быть очень подробными и четко сформулированными.

Самая ранняя проекция изображений, скорее всего, была сделана в примитивном стиле. тенография восходит к доисторическим временам. Он превратился в более изысканные формы теневого кукольного театра, в основном с плоскими сочлененными вырезанными фигурами, которые удерживаются между источником света и полупрозрачным экраном. Формы кукол иногда включают полупрозрачный цвет или другие виды деталей. История теневого кукольного театра сомнительна, но, похоже, зародилась в Азии, возможно, в 1 тысячелетии до нашей эры. Более четкие записи, кажется, относятся к 900 году нашей эры. Позже он распространился на Османская империя и, кажется, не достиг Европы до 17 века. Он стал популярен во Франции в конце 18 века. Франсуа Доминик Серафин начал свои сложные теневые шоу в 1771 году и исполнял их до своей смерти в 1800 году. Его наследники продолжали свою деятельность, пока их театр не закрылся в 1870 году. Серафин иногда использовал часовой механизм механизмы для автоматизации шоу.

Примерно в то время кинематография был развит, несколько театров на Монмартре показывали тщательно продуманные, успешные шоу "Ombres Chinoises". Известный Le Chat Noir произвел 45 различных шоу в период с 1885 по 1896 год.

Волшебный Фонарь

Эскизы Христиана Гюйгенса к проекции Смерти, отрывающейся от него в 1659 году

Слайд с изображением трапеции в стиле фанточчини и орнаментом из хроматропа (около 1880 г.)

Движущиеся изображения, возможно, проецировались с помощью волшебного фонаря с момента его изобретения Кристиан Гюйгенс в 1659 году. Его эскизы слайдов волшебных фонарей были датированы этим годом и являются старейшим известным документом, касающимся волшебного фонаря.^[20] Один обведенный эскиз изображает Смерть, поднимающую руку от пальцев ног к голове, другой показывает, как он двигает правой рукой вверх и вниз от локтя, а третий снимает череп с шеи и кладет его обратно. Пунктирными линиями обозначены предполагаемые движения.

Методы добавления движения к окрашенным стеклянным слайдам для волшебного фонаря были описаны примерно с 1700 года. Обычно это были детали (например, конечности), нарисованные на одном или нескольких дополнительных кусках стекла, перемещаемых вручную, или небольшие механизмы по неподвижному слайду, который показывал остальная часть картины.^[21] Популярные сюжеты для механических горок включали вращение парусов ветряной мельницы, процессию фигур, пьющего человека, опускающего и подносящего стакан ко рту, голову с движущимися глазами, очень длинный нос, крысы, прыгающие во рту спящего. человек. На более сложном стеллажном слайде XIX века были показаны восемь известных на тот момент планет и их спутников, вращающихся вокруг Солнца.^[22] Два слоя нарисованных волн на стекле могут создать убедительную иллюзию того, что спокойное море превращается в штормовое море, бросающее несколько лодок, за счет увеличения скорости манипулирования различными частями.

В 1770 г. Эдме-Жиль Гийо подробно описано, как спроецировать изображение волшебного фонаря на дым, чтобы создать прозрачное мерцающее изображение парящего призрака. Этот метод использовался в фантасмагория шоу, которые стали популярными в некоторых частях Европы в период с 1790 по 1830 годы. Были разработаны и другие методы для создания убедительных ощущений призраков. Фонарь был переносным, чтобы перемещать проекцию по экрану (который обычно был почти невидимым прозрачным экраном, за которым работал фонарь, скрытый в темноте). Может показаться, что призрак приближается к аудитории или становится больше, отодвигая фонарь от экрана, иногда с фонарем на тележке на рельсах. Несколько фонарей заставляли призраков двигаться независимо друг от друга и иногда использовались для наложение в композиции сложных сцен.^[23]

Растворяющиеся взгляды стало популярным шоу волшебных фонарей, особенно в Англии в 1830-х и 1840-х годах.^[23] Обычно в них пейзаж менялся с зимней версии на весеннюю или летнюю, медленно уменьшая свет от одной версии, одновременно вводя выровненную проекцию другого слайда.^[24] Другое использование показало постепенное превращение, например, рощ в соборы.^[25]

Между 1840-ми и 1870-ми годами было разработано несколько абстрактных эффектов волшебных фонарей. Это включало хроматроп, который проецировал ослепительные красочные геометрические узоры, вращая два окрашенных стеклянных диска в противоположных направлениях.^[26]

Иногда маленькие теневые марионетки использовались в представлениях фантасмагории.^[23] Волшебные горки-фонарики с шарнирными фигурами, приводимыми в движение рычагами, тонкими стержнями или кулачками и червячными колесами, также производились коммерчески и были запатентованы в 1891 году. Популярная версия этих «горок Фанточчини» представляла собой кувыркающуюся обезьяну с руками, прикрепленными к механизму, который их сделал кувыркаться с болтающимися ногами. Горки Fantoccini названы в честь итальянских кукол, таких как марионетки или прыгуны.^[27]

Анимация перед фильмом

Иллюстрации экспериментов Майкла Фарадея с вращающимися колесами с зубьями или спицами (1831 г.)

Проф. Штампферс Stroboscopische Scheibe № X (1833)

Иллюстрация кинеографа 1868 года

Воспроизвести медиа

Le Singe Musicien (1878) праксиноскоп анимация

Многочисленные устройства, успешно отображавшие анимированные изображения, были представлены задолго до появления кино. Эти устройства использовались, чтобы развлекать, удивлять, а иногда даже пугать людей. Большинство этих устройств не проецировали свои изображения и могли просматриваться только одним или несколькими людьми одновременно. Они считались оптические игрушки а не устройства для больших масштабов индустрия развлечений нравится более поздняя анимация.^{[нужна цитата]} Многие из этих устройств до сих пор создаются студентами, изучающими основы анимации, и для них.

Прелюдия

Статья в Ежеквартальный журнал науки, литературы и искусства (1821)^[28] вызвали интерес к оптическим иллюзиям изогнутых спиц во вращающихся колесах, видимых через вертикальные отверстия. В 1824 г. Питер Марк Роже предоставил математические подробности о появившихся изгибах и добавил наблюдение, что спицы кажутся неподвижными. Роже утверждал, что иллюзия возникает из-за того, что «отпечаток, производимый пучком лучей на сетчатке, если он достаточно яркий, останется в течение определенного времени после того, как причина исчезнет». ^[29] Позже это было рассмотрено как основа теории «постоянства зрения» как принципа того, как мы видим фильм как движение, а не как последовательный поток неподвижных изображений, фактически представляемых глазу. Эта теория была отвергнута как (единственный) принцип эффекта с 1912 года, но остается во многих объяснениях истории кино. Однако эксперименты и объяснения Роже вдохновили на дальнейшие исследования. Майкл Фарадей и Джозефом Плато, который в конечном итоге привел к изобретению анимации.

Тауматроп (1825)

В апреле 1825 г. тауматроп был опубликован W. Phillips (в анонимной ассоциации с Джон Айртон Пэрис) и стала популярной игрушкой.^[30] Картинки по обе стороны небольшого картонного диска кажутся сливающимися в одно комбинированное изображение, когда его быстро вращают прикрепленными нитками. Это часто используется как иллюстрация того, что часто называют "постоянство зрения", предположительно имея в виду эффект, при котором сохраняется впечатление от одного изображения, хотя на самом деле два разных изображения представлены с перерывами. Неясно, какая часть эффекта связана с положительные остаточные изображения. Хотя тауматроп также может использоваться для двухфазной анимации, известно, что не было примеров создания с этим эффектом до тех пор, пока фенакистоп не установил принцип анимации.

Phénakisticope (1833)

В phénakisticope (более известный как фенакистископ или фенакистоскоп с ошибками) был первым устройством анимации, использующим быструю последовательную замену последовательных изображений. Снимки равномерно распределены по кругу по радиусу, с небольшими прямоугольными отверстиями по краю диска. Анимацию можно было просматривать через прорези вращающегося диска перед зеркалом. Он был изобретен в ноябре или декабре 1832 года бельгийцем. Плато Джозеф и почти одновременно австрийским Саймон фон Штампфер. Плато впервые опубликовал о своем изобретении в январе 1833 года. Публикация включала иллюстративную пластину фантаскопа с 16 рамками, изображающими танцора, танцующего пируэт.

Phénakisticope был успешным как новинка игрушки, и в течение года в Европе было издано множество наборов стробоскопических дисков с почти таким же количеством разных названий устройства, включая Фантаскоп (Плато), Стробоскоп (Штампфер) и Phénakisticope (Парижское издательство Giroux & Cie).

Зоотроп (1833/1866)

В июле 1833 года Саймон Штампфер описал возможность использования принципа стробоскопа в цилиндре (а также на полосах с петлями) в брошюре, сопровождающей второе издание своей версии фенакистопы.^[31] Британский математик Уильям Джордж Хорнер предложил цилиндрическую вариацию фенакистопы Плато в январе 1834 года. Хорнер планировал опубликовать это Dædaleum с оптиком Кингом-младшим в Бристоле, но он «столкнулся с некоторыми препятствиями, вероятно, при рисовании фигур».^[32]

В 1865 году Уильям Энсин Линкольн изобрел точный зоотроп с легко заменяемыми полосами изображений. У него также был иллюстрированный бумажный диск на основе, который не всегда использовался в коммерческих версиях.^[33] Линкольн лицензировал свое изобретение Милтон Брэдли и Ко. который впервые рекламировал его 15 декабря 1866 года.^[34]

Раскладушка (1868)

Джон Барнс Линнетт запатентовал первый перевернуть книгу в 1868 году как кинеограф.^[35] Раскладушка - это небольшая книга с относительно упругими страницами, каждая из которых имеет одно из серии анимационных изображений, расположенных рядом с ее свободным краем. Пользователь отгибает все страницы назад, обычно большим пальцем, а затем постепенным движением руки позволяет им освободиться по одной за раз. Как и в случае с фенакистоскопом, зоотропом и праксиноскопом, иллюзия движения создается очевидной внезапной заменой каждого изображения следующим в серии, но, в отличие от этих других изобретений, не требуются закрывающие обзор жалюзи или сборка зеркал и просмотр устройство, отличное от руки пользователя, абсолютно необходимо. Аниматоры ранних фильмов вдохновлялись флип-книжками чаще, чем более ранние устройства, которые не достигли такой широкой аудитории.^[36]

Старые устройства по своей природе сильно ограничивают количество изображений, которые могут быть включены в последовательность, не делая устройство очень большим или изображения непрактично маленькими. Формат книги по-прежнему накладывает физические ограничения, но можно легко разместить множество десятков изображений большого размера. Изобретатели расширили даже этот предел с помощью мутоскоп, запатентовано в 1894 году и иногда до сих пор встречается в игровых автоматах. Он состоит из большой перекидной книжки с круглым переплетом в корпусе, со смотровой линзой и кривошипной рукояткой, которая приводит в действие механизм, который медленно вращает набор изображений мимо фиксатора, размер которого соответствует времени воспроизведения всей катушки с пленкой.

Праксиноскоп (1877 г.)

Французский изобретатель Шарль-Эмиль Рейно разработал праксиноскоп в 1876 году и запатентовал его в 1877 году.^[37] Он похож на зоотроп, но вместо прорезей в цилиндре у него есть двенадцать прямоугольных зеркал, равномерно расположенных вокруг центра цилиндра. Каждое зеркало отражает другое изображение полосы изображения, расположенной напротив на внутренней стенке цилиндра. При вращении праксиноскоп показывает последовательные изображения одно за другим, что приводит к плавной анимации. Праксиноскоп позволял получить гораздо более четкое изображение движущегося изображения по сравнению с зоотропом, поскольку изображения зоэтропа фактически были в основном закрыты промежутками между его прорезями. В 1879 году Рейно зарегистрировал модификацию патента на праксиноскоп, включив в него Praxinoscope Théâtre, который использовал Призрак перца эффект для представления анимированных фигур на сменном фоне. Более поздние улучшения включали «Praxinoscope à projection» (продаваемый с 1882 г.), в котором использовался двойной волшебный фонарь для проецирования анимированных фигур на неподвижную проекцию фона.^[38]

Зоопраксископ (1879)

У Эдверда Мейбриджа было около 70 своих знаменитых хронофотографический последовательности, нарисованные на стеклянных дисках для зоопраксископ проектор, который он использовал в своих популярных лекциях между 1880 и 1895 годами. В 1880-х годах изображения наносились на стекло темными контурами. На более поздних дисках, изготовленных между 1892 и 1894 годами, были нарисованы контуры Эрвина Ф. Фабера, которые были напечатаны фотографически на диске, а затем раскрашены вручную, но они, вероятно, никогда не использовались в лекциях. Нарисованные фигуры были в значительной степени перенесены с фотографий, но было сделано много причудливых комбинаций, а иногда и добавлялись воображаемые элементы.^[39][40]

1888–1908: Самые ранние анимационные фильмы в кино

Воспроизвести медиа

Повр Пьеро (1892) перекрашенный клип

Воспроизвести медиа

Кацудо Шашин (около 1910 г.?)

Воспроизвести медиа

Очарованный рисунок (1900)

Воспроизвести медиа

Юмористические фазы смешных рожиц (1906)

Воспроизвести медиа

Фантасмагория (1908)

Театр Оптик

Шарль-Эмиль Рейно далее развил свой проекционный праксиноскоп в Театр Оптик с прозрачными нарисованными вручную красочными изображениями в длинной перфорированной полосе, намотанной между двумя катушками, запатентованной в декабре 1888 года. С 28 октября 1892 года по март 1900 года Рейно дал более 12 800 представлений для более чем 500 000 посетителей. Musée Grévin в Париже. Его Пантомимы Lumineuses серия анимационных фильмов содержала от 300 до 700 кадров, каждая из которых длится от 10 до 15 минут. Отдельно проецировалась фоновая сцена. Фортепианная музыка, песни и некоторые диалоги исполнялись вживую, а некоторые звуковые эффекты синхронизировались с электромагнитом. В первую программу вошли три мультфильма: Повр Пьеро (создан в 1892 г.), Un bon bock (создан в 1892 г., ныне утрачен), и Le Clown et ses chiens (создан в 1892 г., ныне утерян). Позже названия Кабина Autour d'une (создан в 1894 г.) и A rêve au coin du feu будет частью спектаклей.

Стандартный кинопленка

Несмотря на успех фильмов Рейно, потребовалось некоторое время, чтобы анимация была адаптирована в киноиндустрии, что произошло после появления фильма Люмьера. Кинематограф в 1895 г. Жорж Мельес'ранняя фантазия и трюковые фильмы (выпущенный между 1896 и 1913 годами) иногда приближался к включению анимации с прекратить трюк эффекты, раскрашенный реквизит или раскрашенные существа, которые были перемещены перед раскрашенным фоном (в основном с помощью проводов), и раскраска пленки рукой. Мельес также популяризировал прекратить трюк, с одним изменением сцены между кадрами, которое уже использовалось в фильме Эдисона. Казнь Марии Стюарт в 1895 году и, вероятно, несколько лет спустя привел к развитию покадровой анимации.^[41] Похоже, так продолжалось до 1906 года, пока в кинотеатрах не появились полноценные анимационные фильмы. Датировка более ранних фильмов с анимацией оспаривается, в то время как другие фильмы, которые могли использовать покадровую анимацию или другие методы анимации, теряются и не могут быть проверены.

Печатный анимационный фильм

В 1897 году немецкий производитель игрушек Гебрюдер Бинг имели первый прототип своего кинематографа.^[42] В ноябре 1898 года они представили этот игрушечный кинопроектор, возможно, первый в своем роде, на фестивале игрушек в Лейпциге. Вскоре аналогичные устройства начали продавать и другие производители игрушек, в том числе Ernst Plank и Georges Carette. Примерно в то же время французская компания Lapierre начала продавать аналогичный проектор. К игрушечным кинематографам были приспособлены игрушечные волшебные фонарики с одной или двумя маленькими катушками, на которых использовалась стандартная 35-миллиметровая пленка «перфорация Эдисона». Эти проекторы предназначались для того же рынка игрушек "домашних развлечений", который большинство этих производителей уже снабдили праксиноскопами и игрушечными волшебными фонарями. Помимо относительно дорогих игровых фильмов, производители производили много более дешевых фильмов путем печати литографированных рисунков. Эти анимации, вероятно, были черно-белыми примерно с 1898 или 1899 года, но самое позднее к 1902 году они были цветными. Картины часто были взяты из игровых фильмов (как в более поздних ротоскопирование техника). Эти очень короткие фильмы изображали простое повторяющееся действие и создавались для проецирования в виде цикла - бесконечного воспроизведения с соединенными концами фильма. Процесс литографии и формат петли следуют традициям, установленным зоотропом и праксиноскопом.^[43][44]

Кацудо Шашинот неизвестного автора, была обнаружена в 2005 году и считается самой старой работой анимация в Японии, с Нацуки Мацумото,^{[Примечание 1][45]} эксперт в иконография на Осакский университет искусств^[46] и историк анимации Нобуюки Цугата^{[Заметка 2]} Определение фильма, скорее всего, было сделано между 1907 и 1911 годами.^[47] Фильм состоит из серии мультфильмов на пятидесяти кадрах целлулоид полоса и длится три секунды в шестнадцать кадров в секунду.^[48] На нем изображен мальчик в матросский костюм кто пишет кандзи символы "活動 写真" (Кацудо шашин, или «движущееся изображение»), затем поворачивается к зрителю, снимает шляпу и салютует.^[48] Имеющиеся данные свидетельствуют о том, что он производился серийно для продажи состоятельным владельцам домашних проекторов.^[49] По мнению Мацумото, относительно низкое качество и низкотехнологичная технология печати указывают на то, что она, вероятно, была сделана небольшой кинокомпанией.^[50]

Дж. Стюарт Блэктон

Дж. Стюарт Блэктон был британско-американским кинорежиссером, соучредителем Vitagraph Studios и один из первых, кто использовал анимацию в своих фильмах. Его Очарованный рисунок (1900) можно считать первым театральным фильмом, снятым на стандартный кинофильм включали анимированные элементы, хотя это касается всего лишь нескольких кадров изменения рисунков. На нем Блэктон делает «молниеносные наброски» лица, сигары, бутылки вина и бокала. Лицо меняет выражение, когда Блэктон наливает вино ему в рот и когда Блэктон берет свою сигару. Техника, использованная в этом фильме, была, по сути, уловкой остановки: единственным изменением в сценах была замена рисунка аналогичным рисунком с другим выражением лица. В некоторых сценах нарисованная бутылка и стакан заменены реальными предметами. Блэктон, возможно, использовал ту же технику в затерянном в 1896 году фильме про молнии.^[41]

Фильм Блэктона 1906 года Юмористические фазы смешных рожиц часто считается самой старой из известных рисованных анимаций в стандартных фильмах. В нем есть последовательность, сделанная из рисунков на доске, которые меняются между кадрами, чтобы показать два лица, меняющие выражения, и некоторые вздымающиеся сигары, а также две последовательности, которые показывают вырезать анимацию с аналогичным видом для более плавного движения.

Использование Блэктоном остановки движения в Отель с привидениями (1907) был очень влиятельным.

Эмиль Коль

Французский художник Эмиль Коль создал первый анимационный фильм с использованием того, что стало известно как традиционные методы анимации: 1908 г. Фантасмагория.^[51] Фильм в основном состоял из фигурка двигаясь и сталкиваясь со всевозможными трансформирующимися объектами, такими как бутылка вина, которая превращается в цветок. Также были участки живого действия, где руки аниматора выходили на сцену. Фильм создавался путем рисования каждого кадра на бумаге и последующей съемки каждого кадра на негативная пленка, что придавало изображению вид доски. Позже Коул отправился в Форт Ли, Нью-Джерси недалеко от Нью-Йорка в 1912 году, где он работал на французской студии Éclair и распространил ее анимационную технику в США.

1910-е: От художников-самобытников до "конвейерных" производственных студий.

Воспроизвести медиа

Герти динозавр (1914)

Воспроизвести медиа

Крейзи Кэт - Буголог(1916)

Воспроизвести медиа

Коко клоун в Механическая кукла (1922)

Воспроизвести медиа

1919 год Feline Follies Пэт Салливан

Уинзор Маккей

Начиная с короткометражного фильма 1911 года о его самом популярном персонаже. Маленький Немо, успешный газетный карикатурист Уинзор Маккей дал гораздо больше деталей своей рисованной анимации, чем любая анимация, ранее показанная в кинотеатрах. Его фильм 1914 года Герти динозавр показал ранний пример развития персонажей в рисованной анимации.^[52] Это был также первый фильм, в котором кадры живых выступлений были объединены с анимацией. Первоначально Маккей использовал фильм в своем водевильном представлении: он стоял рядом с экраном и разговаривал с Герти, которая отвечала серией жестов. В конце фильма Маккей шел за проекционный экран, плавно заменяясь заранее записанным изображением, как он входит на экран, садится на спину мультяшного динозавра и выезжает за пределы кадра.^[53][54] Маккей лично нарисовал вручную почти все из тысяч рисунков для своих фильмов.^[55] Другие заслуживающие внимания названия Маккея: Как действует комар (1912) и Крушение Лузитании (1918).

Компания Cartoon Film - Бакстон и Дайер

Между 1915 и 1916 годами Дадли Бакстон и Энсон Дайер во время Первой мировой войны создали серию из 26 тематических мультфильмов, в основном с использованием вырезанной анимации, выпущенной как анимационный альбом для рисования Джона Брауна.^[56] Эпизоды включали обстрел Скарборо немецкими линкорами,^[57] и Затопление Лузитании, № 4 (июнь 1915 г.)^[58]

Студия Барре

В 1910-х годах крупномасштабные анимационные студии становились индустриальной нормой, и такие художники, как Маккей, исчезли из поля зрения публики.^[55]

Около 1913 г. Рауль Барре разработали систему колышков, которая упростила выравнивание чертежей, проделав два отверстия под каждым чертежом и поместив их на два фиксированных стержня. Он также использовал технику «слэш и разрыв», чтобы не рисовать весь фон или другие неподвижные части для каждого кадра. Части, в которых нужно было что-то изменить для следующего кадра, были аккуратно вырезаны из чертежа и заполнены нужным изменением на листе ниже.^[59] После того, как Барре начал свою карьеру в анимации в Студии Эдисона, он основал одну из первых киностудий, посвященных анимации, в 1914 году (первоначально вместе с Билл Нолан). Студия Барре имел успех с постановкой адаптации популярного комикса Матт и Джефф (1916–1926). В студии работали несколько аниматоров, которые сделали бы заметную карьеру в анимации, в том числе Фрэнк Мозер, Грегори Ла Кава, Вернон Столлингс, Том Нортон и Пэт Салливан.

Bray Productions

В 1914 г. Джон Брей открыт Студия Джона Брея, который произвел революцию в способах создания анимации.^[60] Эрл Херд, один из сотрудников Брея, запатентовал чел техника.^[61] Это включало анимацию движущихся объектов на прозрачных целлулоидных листах.^[62] Аниматоры сфотографировали листы поверх неподвижного фонового изображения, чтобы создать последовательность изображений. Это, а также новаторское использование Брэем метода конвейерной сборки позволило John Bray Studios создать Полковник Хиза Лжец, первый мультсериал.^[63][64] Многие начинающие карикатуристы начали свою карьеру в Bray, в том числе Пол Терри (позже Хекль и Джекл слава), Макс Флейшер (позже Бетти Буп и Попай слава), и Уолтер Ланц (позже Вуди Вудпекер слава). Студия мультфильмов работала примерно с 1914 по 1928 год. Некоторые из первых звезд мультфильмов из студии Брея были Фермерская люцерна (Пол Терри) и Бобби Бампс (Эрл Херд).

Международная служба кинематографии Херста

Газетный магнат Уильям Рэндольф Херст основанный Международный киносервис в 1916 году. Херст переманил большинство аниматоров Barré Studio, и Грегори Ла Кава стал главой студии. Они подготовили адаптации многих комиксов из газет Heart's в довольно ограниченном виде, давая лишь небольшое движение персонажам, в основном используя диалоговые шары для передачи истории. Самая известная серия - это Крейзи Кэт, наверное, первый из многих антропоморфный персонажи мультфильмов кошек и другие забавные животные. До того, как студия остановилась в 1918 году, она задействовала несколько новых талантов, в том числе Вернон Столлингс, Бен Шарпстин, Джек Кинг, Джон Фостер, Мрачный Натвик, Берт Джиллетт и Исадор Кляйн.

Fleischer Studios

В 1915 г. Макс Флейшер подал заявку на патент (выдан в 1917 г.)^[65] для техники, которая стала известна как ротоскопирование: процесс использования видеозаписей живых выступлений в качестве ориентира для более простого создания реалистичных анимированных движений. Техника часто использовалась в Из чернильницы серия (1918–1929) для John Bray Productions (и других). Сериал основан на экспериментальных ротоскопических изображениях Дэйва Флейшера, выступающего в роли клоуна, превращающегося в персонажа, который стал известен как Коко клоун.

Кот феликс

В 1919 г. Отто Мессмер Pat Sullivan Studios создали Кот Феликс. Пэт Салливан, руководитель студии взял на себя всю заслугу Феликса, что было обычной практикой на заре создания студийной анимации.^[66] Кот Феликс был распространен Paramount Studios и привлекла большую аудиторию,^[67] в итоге стал одним из самых узнаваемых героев мультфильмов в истории кино. Феликс был первым мультфильмом, который поступил в продажу.^{[нужна цитата]}

Квирино Кристиани: первые мультфильмы

Первый известный анимационный художественный фильм был Эль-Апостол к Кирино Кристиани, выпущен 9 ноября 1917 г. в г. Аргентина. В этой успешной 70-минутной сатире использовалась техника вырезания из картона, как сообщается, с 58000 кадров на 14 кадров в секунду. Следующая особенность Кристиани Sin dejar rastros был освобожден в 1918 году, но не получил освещения в прессе и не получил большого внимания общественности до того, как был конфискован полицией по дипломатическим причинам.^[68] Ни один из художественных фильмов Кристиани не сохранился.^[69][70][71]

1920-е: Абсолютный фильм, переход к синхронизированному звуку и расцвет Disney

Воспроизвести медиа

Мой старый дом в Кентукки (1926)

Воспроизвести медиа

Ньюман Смех-О-грамм

Абсолютный фильм

В начале 1920-х абсолютное движение кино с такими художниками, как Вальтер Руттманн, Ганс Рихтер, Викинг Эггелинг и Оскар Фишингер сделали короткие абстрактные анимации, которые оказали влияние. Хотя некоторые более поздние абстрактные анимации работают, например, Лен Лай и Норман Макларен будут широко признаны, жанр в основном оставался относительно малоизвестной авангардной формой искусства, в то время как прямые влияния или аналогичные идеи иногда появлялись в основной анимации (например, в диснеевской анимации). Токката и фуга ре минор в Фантазия (1940) - над которым Фишингер первоначально сотрудничал до тех пор, пока его работа не была отменена, и частично вдохновлялся работами Лая - и в Точка и линия (1965) Чака Джонса).

Ранний синхронизированный звук: Песня Car-Tunes и Звуковые басни Эзопа

С мая 1924 года по сентябрь 1926 года Дейв и Макс Флейшеры Inkwell Studios произвел 19 звуковых мультфильмов, часть Песня Car-Tunes серии, используя Фонофильм »звук на пленке"процесс. Сериал также представил"прыгающий мяч"над текстами, чтобы помочь зрителям подпевать музыке. Мой старый дом в Кентукки с июня 1926 года был, вероятно, первым фильмом, в котором были представлены немного синхронизированные анимационные диалоги с ранней версией Бимбо произнося слова «Следуйте за мячом и присоединяйтесь, все». Дальнейшее развитие персонаж Бимбо получил в романе Флейшера. Talkartoons (1929–1932).

Пол Террис Время ужина, от его Басни Эзопа (1921–1936), премьера которого состоялась 1 сентября 1928 года с синхронизированным саундтреком и диалогами. Новый владелец студии Ван Бойрен призвал Терри добавить новинку против его желания. Хотя сериал и его главный герой Фермер Аль Фальфа был популярен, этот первый эпизод со звуком не впечатлил публику.

Лотте Райнигер

Самый ранний из сохранившихся полнометражных анимационных фильмов - это силуэтный анимационный фильм 1926 года. Die Abenteuer des Prinzen Achmed (Приключения принца Ахмеда), который использовал цветная тонированная пленка.^[72] Режиссер немецкий Лотте Райнигер и ее муж Карл Кох. Вальтер Руттманн созданы визуальные фоновые эффекты. Французско-венгерский соавтор Бертольд Бартош и / или Райнигер создавал глубину резкости, размещая сценографические элементы и фигуры на нескольких уровнях стеклянных пластин с подсветкой снизу и камерой вертикально сверху. Позже подобная техника легла в основу многоплоскостная камера.

Ранний Дисней: Смейтесь-о-граммы, Алиса, Освальд и Микки

С 1920 по 1922 год художники-карикатуристы Уолт Дисней, Уббе Иуверкс и Фред Харман работал в Slide Company (вскоре переименованной в Kansas City Film Ad Company), которая производила вырезанные рекламные ролики. Дисней и Уббе изучали хронофотографию Мейбриджа и единственную книгу по анимации в местной библиотеке, а Дисней экспериментировал с техникой рисованной анимации в гараже своих родителей. Они смогли привнести в компанию некоторые инновации, но их работодатель не хотел отказываться от проверенной техники вырезания. Домашние эксперименты Диснея привели к созданию сериала, высмеивающего текущие местные темы, который ему удалось продать владельцу трех местных театров Ньюмана как еженедельно. Newman Laugh-O-Grams в 1921 году. Заключая сделку, 19-летний Дисней забыл указать размер прибыли, но он был счастлив, что кто-то заплатил за его «эксперимент» и получил местную известность благодаря показам. Дисней также создал своего первого повторяющегося персонажа, профессора Whosis, который появлялся в юмористических публичных объявлениях Ньюмана.

Дисней и Харман открыли свою собственную студию Kaycee Studio на стороне, экспериментируя с фильмами, воспроизводимыми задом наперед, но их попытки заработать на рекламе и съемках кинохроники не увенчались успехом, и Харман ушел в 1922 году. Через газетное объявление Дисней «нанял». Рудольф Изинг в обмен на обучение его тонкостям анимации. В духе Terry's Басни Эзопа, Дисней запустил серию модернизированных семиминутных мультфильмов-сказок и новую серию сатирических реалий под названием Лаффлеты, с помощью Изинга. После двух сказочных мультфильмов Дисней бросил работу в Film Ad и начал Laugh-O-Gram Films, Inc. с помощью инвесторов. Иверкс, брат Фреда Хью Харман и Карман Максвелл были среди аниматоров, которые подготовили еще пять Смех-о-грамм сказки мультфильмов и спонсоров Зуб Томми Такера в 1922 г.^[73] Сериал не принес денег, и в 1923 году студия попробовала кое-что еще с живым действием "Song-O-Reel". Марта^[74] и Страна чудес Алисы. В 12-минутном фильме снялась девушка из живого боевика (Вирджиния Дэвис) взаимодействует с многочисленными героями мультфильмов, в том числе с вдохновленными Феликсом Юлий Кот (который уже появлялся в сказках Laugh-O-Gram, без имени). Прежде чем Дисней смог продать картину, его студия обанкротилась.

Дисней переехал в Голливуд и сумел заключить сделку с нью-йоркским кинопрокатом. Маргарет Дж. Винклер, который только что потерял права на кота Феликса и Из чернильницы. Чтобы сделать Комедии Алисы (1923–1927), Иуверкс также переехал в Голливуд, за ним последовали Изинг, Харман, Максвелл и его коллега по кинорекламе. Фриз Фреленг. Сериал был достаточно успешным, чтобы длиться 57 серий, но Дисней в конце концов предпочел создать новый полностью мультсериал.

Освальд Счастливый кролик последовал в 1927 году и стал хитом, но после неудачных переговоров о продолжении в 1928 году, Чарльз Минц взял под прямой контроль производство, и Дисней потерял своего персонажа и большую часть своих сотрудников Минцу.

Disney и Iwerks разработали Микки Маус в 1928 году заменил Освальда. Первый фильм под названием Безумный самолет не впечатлила тестовую аудиторию и не вызвала достаточного интереса потенциальных дистрибьюторов. После нескольких боевиков с синхронизированный звук добился успеха, Дисней поставил новый мультфильм Микки Мауса Галопирующий гаучо приостановлено, чтобы начать работу над специальным звуковым продуктом, который сделает сериал более убедительным. Большая часть действий в результате Пароход Вилли (Ноябрь 1928 г.) включает в себя создание звуков, например, когда Микки играет музыку, используя домашний скот на борту лодки. Фильм имел огромный успех, и Микки Маус вскоре стал самым популярным мультипликационным персонажем в истории.

Боско

Боско был создан в 1927 году Хью Харман и Рудольф Изинг, особенно с звукозаписи в уме. В то время они все еще работали на Дисней, но ушли в 1928 году, чтобы работать над Освальд Счастливый кролик мультфильмов на Universal около года, а потом сняли Боско, малыш из Talk-Ink пилот в мае 1929 г. в магазин для дистрибьютора. Они подписались с Леон Шлезингер постановки и начал Веселые мелодии серия для Ворнер Браззерс. в 1930 году. Боско был звездой 39 мультфильмов Warner Bros. до того, как Харман и Изинг взяли Боско в MGM после ухода из Warner Bros. После двух мультфильмов MGM персонаж претерпел драматические изменения, которые не были оценены зрителями. Карьера Боско завершилась в 1938 году.

1930-е годы: цвет, глубина, суперзвезды мультфильмов и Чистый белый цвет

Рыжая Бетти Буп в Цвет Классический Бедная Золушка (1934)

Литографические фильмы для домашнего использования, которые были доступны в Европе в первые десятилетия двадцатого века, были разноцветными, но эта техника, похоже, не применялась для театральных анимационных фильмов. Пока оригинальные оттиски Приключения принца Ахмеда избранные тонировка пленки, большинство анимационных фильмов, выпускаемых на экраны до 1930 года, были просто черно-белыми. Эффективные цветовые процессы были долгожданным нововведением в Голливуде и казались особенно подходящими для мультфильмов.

Двухполосный цвет

Мультяшный отрывок из художественного фильма Король джаза (Апрель 1930 г.), созданная Уолтером Ланцем и Биллом Ноланом, была первой анимацией, представленной в двухполосном цвете Technicolor.

Fiddlesticks, выпущенный вместе с Король джаза, был первым Перевернуть лягушку фильм и первый проект, над которым работал Уб Иверкс после того, как покинул Дисней, чтобы основать собственную студию. В Англии мультфильм вышел в цвете Харриса,^[75] а двухцветный процесс, вероятно, как первый выпущенный в кинотеатрах автономный мультфильм, который может похвастаться как звуком, так и цветом.

Дисней Глупые симфонии в цвете Technicolor

Когда Глупые симфонии серия, начатая в 1929 году, была менее популярна, чем надеялся Дисней, он обратился к новым техническим инновациям, чтобы улучшить влияние сериала. В 1932 г. работал с Разноцветный компания по созданию первой полноцветной анимации Цветы и деревья, дебютировав трехполосный техника (первое использование в игровых фильмах появилось примерно два года спустя). Мультфильм имел успех и выиграл Премия Оскар за короткие сюжеты, мультфильмы.^[76] Disney временно заключила эксклюзивную сделку на использование полноцветной техники Technicolor в анимационных фильмах. Он даже немного подождал, прежде чем приступить к выпуску продолжающейся цветной серии Микки Мауса, так что Глупые симфонии будут иметь особую привлекательность для публики. После истечения срока действия эксклюзивной сделки в сентябре 1935 года полноцветная анимация вскоре стала отраслевым стандартом.

Глупые симфонии вдохновил на создание многих мультсериалов, которые могли похвастаться различными другими цветовыми системами, пока Technicolor больше не стал эксклюзивным для Disney, в том числе Ub Iwerks ComiColor Мультфильмы (1933–1936), Van Beuren Studios' Радужный парад (1934–1936), Флейшера Цвет Классика (1934–1941), Чарльз Минц Цветная рапсодия (1936–1949), MGM's Счастливые гармонии (1934–1938) Джордж Пала Куклы (1932–1948) и Уолтера Ланца Свинг-симфония (1941–1945).

Многоплоскостные камеры и стереоптический процесс

Воспроизвести медиа

Белоснежка и семь гномов (1937) трейлер с эффектами многоплановости

Чтобы создать впечатление глубины, было разработано несколько методик. Наиболее распространенная техника заключалась в том, чтобы персонажи перемещались между несколькими фоновыми и / или передними слоями, которые можно было перемещать независимо, в соответствии с законами перспективы (например, чем дальше от камеры, тем медленнее скорость).

Лотте Райнигер уже разработала тип многоплоскостной камеры для Die Abenteuer des Prinzen Achmed^[77] и ее сотрудник Бертольд Бартош использовал аналогичную установку для своего замысловатого 25-минутного фильма L'Idée (1932).

В 1933 году Уб Иверкс разработал многоплоскостную камеру и использовал ее для ряда съемок. Вилли Воппер (1933–1934) и ComiColor Мультфильмы эпизоды.

В 1933 году Флейшеры разработали совершенно другой «стереоптический процесс».^[78] для них Цвет Классика. Он был использован в первом эпизоде Бетти Буп в фильме "Бедная Золушка" (1934) и большинство следующих эпизодов. В процессе участвовали трехмерные декорации, созданные и вылепленные на большом поворотном столе. Цели были размещены в подвижном наборе, чтобы анимированные персонажи двигались вперед и назад по отношению к трехмерным элементам в сцене, когда поворотный стол вращался.

Дисней-сотрудник Уильям Гэрити разработал многоплоскостную камеру, которая могла иметь до семи слоев изображения. Он был протестирован в награжденном Оскаром Глупая симфония Старая мельница (1937) и широко использовался в Чистый белый цвет и более поздние функции.

Новые красочные суперзвезды мультфильмов

После того, как добавление звука и цвета имело огромный успех для Disney, последовали другие студии. К концу десятилетия почти все театральные мультфильмы были созданы в полном цвете.

Первоначально музыка и песни были в центре внимания многих сериалов, на что указывают названия серий как Песня Car-Tunes, Глупые симфонии, Веселые мелодии и Веселые мелодии, но зрителям по-настоящему приглянулись узнаваемые персонажи. Микки Маус был первой мультипликационной суперзвездой, которая превзошла по популярности Феликса Кота, но вскоре последовали десятки других мультипликационных суперзвезд, многие из которых оставались популярными на протяжении десятилетий.

У Warner Bros. была обширная музыкальная библиотека, которую можно было популяризировать с помощью мультфильмов, основанных на доступных мелодиях. В то время как Disney нужно было сочинять музыку для каждого мультфильма, легкодоступные ноты и песни в Warner Bros. послужили источником вдохновения для многих мультфильмов. Леон Шлезингер продал Warner Bros. вторую серию под названием Веселые мелодии, который до 1939 года по контракту должен был содержать хотя бы один рефрен из музыкального каталога. В отличие от Веселые мелодии с Bosko, в Merrie Melodies было всего несколько повторяющихся персонажей, таких как Фокси, Свинка и Гупи Гир до ухода Хармана и Изинга в 1933 году. Боско был заменен на приятель для сериала Looney Tunes, но продлился всего два года, в то время как Веселые мелодии первоначально продолжалось без повторяющихся символов. В конце концов, эти две серии стали неотличимы друг от друга, и появилось много новых персонажей, ставших популярными. Аниматор / режиссер Боб Клэмпетт разработан Порки Свинья (1935) и Даффи Дак (1937) и был ответственен за большую часть энергичной анимации и непочтительного юмора, связанных с сериалом. 1930-е годы также были отмечены ранними анонимными воплощениями персонажей, которые впоследствии стали суперзвездами. Элмер Фадд (1937/1940), Багз Банни (1938/1940) и Сильвестр Кот (1939/1945). С 1937 г. Мел Блан будет исполнять большинство голосов персонажей.

Дисней представил новых персонажей Вселенная Микки Мауса которые станут очень популярными, сниматься вместе с Микки и Минни Маус (1928): Плутон (1930), Тупой (1932) и персонаж, который вскоре станет новым фаворитом: Дональд Дак (1934). Дисней понял, что успех анимационных фильмов зависит от рассказа эмоционально захватывающих историй; он разработал "отдел истории", где раскадровщики отдельно от аниматоров, они сосредоточились бы только на разработке сюжета, что доказало свою ценность, когда студия Disney выпустила в 1933 году первый короткометражный мультфильм с хорошо проработанными персонажами. Три поросенка.^[79][80][81] Дисней расширял свою студию и начинал все больше и больше производственной деятельности, включая комиксы, товары и тематические парки. Большинство проектов основано на персонажах, созданных для короткометражных фильмов.

Fleischer Studios представила неназванного персонажа-пса как девушку Бимбо в Диззи Блюда (1930), которая превратилась в женщину Бетти Буп (1930–1939) и стал самым известным творением Флейшера. В 1930-х годах они также добавили Hunky и Spunky (1938) и популярный анимационная адаптация Попая (1933) к своему репертуару.

Код Хейса и Бетти Буп

Сена' Код производства кинофильмов Принципы морали применялись в 1930 году и строго соблюдались в период с 1934 по 1968 годы. Это оказало большое влияние на кинематографистов, которые любили создавать относительно дерзкие материалы. Как печально известный пример, Бетти Буп сильно пострадала, когда ей пришлось переодеться из беззаботной хлопушка с невинной сексуальной привлекательностью в более здорового и гораздо более покорного персонажа в более пышной одежде. Исчезновение ее парня Бимбо, вероятно, было также результатом неодобрения кодексов межвидовых отношений.

Чистый белый цвет и прорыв анимационного фильма

Дисней и карлики в Чистый белый цвет трейлер.

По крайней мере восемь анимационные фильмы были выпущены раньше Дисней Белоснежка и семь гномов, а еще как минимум два предыдущих анимационных проекта остались незавершенными. Большинство этих фильмов (из которых сохранилось только четыре) были сняты с использованием отрезать, силуэт или же остановка движения техники. Среди утерянных анимационных роликов были три функции автора Кирино Кристиани, который представил свой третий полнометражный фильм Пелудополис 18 сентября 1931 г. в Буэнос айрес^[82] с Витафон звук на диске синхронизированный саундтрек. Критика восприняла его весьма положительно, но не стала хитом и обернулась экономическим фиаско для режиссера. Вскоре Кристиани понял, что больше не может делать карьеру аниматора в Аргентине.^[68] Только Оскар Обзор мультфильмов Уолта Диснея- также Disney - был полностью нарисован от руки. Он был выпущен за семь месяцев до «Белоснежки», чтобы продвигать грядущий выпуск Чистый белый цвет.^{[нужна цитата]}. Многие не считают этот фильм настоящим художественным, потому что это упаковочная пленка и длится всего 41 минуту. Он действительно соответствует официальным определениям художественного фильма Британский институт кино, то Академия кинематографических искусств и наук и Американский институт кино, которые требуют, чтобы фильм длился более 40 минут.

Когда стало известно, что Дисней работает над полнометражным анимационным фильмом, критики регулярно называли проект «Диснеевским безумием», не веря, что зрители так долго выдерживают ожидаемые яркие краски и шутки. Белоснежка и семь гномов Премьера состоялась 21 декабря 1937 года и имела всемирный успех. Фильм продолжил традицию Диснея по использованию старых сказок и других историй (начатых с Laugh-O-Grams в 1921 году), как и большинство последующих фильмов Disney.

Студии Fleischer последовали примеру Диснея, создав путешествия Гулливера в 1939 году, который имел небольшой успех в прокате.

Ранняя телевизионная анимация

В апреле 1938 г., когда было подключено около 50 телевизоров, NBC вышел в эфир восьмиминутный малобюджетный мультфильм Вилли Червь. Он был специально сделан для этой трансляции бывшим сотрудником Disney Чадом Гроткопфом, в основном с вырезами и небольшой анимацией.

Примерно год спустя, 3 мая 1939 года, Disney's Кузен Дональда Гас была премьера экспериментального канала NBC W2XBS канал за несколько недель до его выхода в кинотеатры. Мультфильм был частью первой полноценной вечерней программы.^[83]

1940-е годы

Воспроизвести медиа

Операция Снафу, режиссер Фриз Фреленг, 1945 г.

Скриншот из 桃 太郎 海 の 神兵 (Момотаро: Священные моряки) (1944)

铁扇公主 (Принцесса Железный веер) (1941) скриншот

Военная пропаганда

Несколько правительств уже использовали анимацию в информационных фильмах, таких как фильмы Группа фильмов GPO в британских и японских образовательных фильмах. Во время Второй мировой войны анимация стала обычным средством пропаганды. Лучшие студии США работали на войну.

Чтобы проинструктировать военнослужащих по всем военным предметам и поднять боевой дух, Warner Bros. заключила контракт на создание нескольких короткометражных фильмов и специального мультсериала. Частный Снафу. Персонажа создал известный кинорежиссер. Фрэнк Капра, Доктор Сьюз был задействован в написании сценариев, а режиссером сериала выступил Чак Джонс. Дисней также выпустил несколько поучительных короткометражек и даже лично профинансировал полнометражные фильмы. Победа с помощью авиации (1943), продвигавший идею дальних бомбардировок.

Продвигаются многие популярные персонажи военные облигации, как Багз Банни в Есть облигации сегодня?, Поросята Диснея в Бережливая свинья и целая куча персонажей Диснея в Все вместе. Даффи Дак попросила металлолом для военных операций в Лом Хэппи Даффи. Минни Маус и Плутон предложили гражданским лицам собрать свой кулинарный жир, чтобы его можно было использовать для изготовления взрывчатки в Из сковороды на линию огня. Было еще несколько короткометражных политических пропагандистских фильмов, таких как Warner Bros. Мышь пятого столбца, Дисней Цыпленок Цыпа и тем серьезнее Образование для смерти и Причина и эмоции (номинирован на премию Оскар).

Такие фильмы военного времени очень ценились. Багз Банни стал чем-то вроде национальной иконы и короткометражкой Диснея. Лицо дер-фюрера (в главной роли Дональд Дак) выиграл компанию десятая премия "Оскар" за короткометражные мультфильмы.

Первый полнометражный аниме в Японии 桃 太郎 海 の 神兵 (Момотаро: Священные моряки) изготовлен в 1944 г. по заказу Министерство военно-морского флота Японии. Он был разработан для детей и частично вдохновлен Фантазия, был призван вдохновлять мечты и надеяться на мир. Главные герои - антропоморфная обезьяна, собака, медведь и фазан, которые становятся десантниками-парашютистами (за исключением фазана, который становится пилотом), которым поручено вторжение Celebes. Эпилог намекает на Америку как на цель для следующего поколения.

Художественная анимация 1940-х годов

Высокие амбиции, неудачи и сокращения в американской художественной анимации

Следующие особенности Диснея (Пиноккио и очень амбициозный концерт-фильм Фантазия, оба выпущены в 1940 году) и второй анимационный фильм Fleischer Studios Мистер Баг идет в город (1941/1942) все были положительно восприняты критиками, но потерпели неудачу в прокате во время их первых театральных тиражей. Основная причина заключалась в том, что Вторая мировая война отключила большинство зарубежных рынков. Эти неудачи отпугнули большинство компаний, у которых были планы на создание анимационных фильмов.

Disney сократила расходы на следующие функции и впервые выпустила Неохотный дракон, в основном состоящий из живого тура по новой студии в Бербанке, частично в черно-белом, с четырьмя короткими мультфильмами. Фильм имел небольшой успех в прокате по всему миру. Через несколько месяцев за ним последовали Дамбо (1941), всего 64 минуты и анимированный в более простом экономическом стиле. Это помогло обеспечить прибыль в прокате, и критики и зрители отреагировали положительно. Следующая особенность Диснея Бэмби (1942) вернулся к большему бюджету и более щедрому стилю, но более драматичный сюжет, более мрачное настроение и отсутствие фэнтезийных элементов не получили одобрения во время первого тиража и потеряли деньги в прокате.

Хотя все остальные восемь фильмов Диснея 1940-х годов были пакетными фильмами и / или комбинациями с живым действием (например, Салудос Амигос (1943) и Три Кабальеро (1944)), Дисней сохранял веру в анимационные фильмы. На протяжении десятилетий Disney была единственной американской студией, которая регулярно выпускала полнометражные театральные анимационные фильмы, хотя некоторым другим американским студиям удалось выпустить более чем несколько фильмов до начала 1990-х годов.

Неамериканские анимационные силы

Американские анимационные фильмы доминировали в мировом производстве и потреблении театральных анимационных фильмов с 1920-х годов. Особенно работы Диснея оказались очень популярными и самыми влиятельными во всем мире. Студии из других стран вряд ли могли составить конкуренцию американским постановкам. Относительно многие производители анимации за пределами США предпочитают работать с другими методами, кроме «традиционной» или целой анимации, такими как марионеточная анимация или вырезанная анимация. Однако несколько стран (в первую очередь Россия, Китай и Япония) создали свои собственные относительно крупные «традиционные» индустрии анимации. России Союзмультфильм Анимационная студия, основанная в 1936 году, насчитывала до 700 квалифицированных рабочих и в советский период производила в среднем 20 фильмов в год. Некоторые названия, замеченные за пределами их соответствующих внутренних рынков, включают 铁扇公主 (Принцесса Железный веер)^[84] (Китай 1941 г., влиятельный в Японии), Конёк-Горбуно́к (Конёк-Горбунок) (Россия, 1947 год, обладатель специальной награды жюри в Каннах в 1950 году), I Fratelli Dinamite (Братья-динамиты) (Италия, 1949 г.) и Ла Роса ди Багдад (Роза Багдада) (Италия, 1949 г., английский дубляж 1952 г.) Джули Эндрюс).

Успешные театральные мультфильмы 1940-х годов

Пока не названный Твити дебютирует в Сказка о двух котятах (1942)

Воспроизвести медиа

Tex Averyс Вяленая индейка (1945)

Во время «Золотого века американской анимации» новые студии соревновались со студиями, которые пережили битвы за инновации в звуке и цвете предыдущих десятилетий. Забавные животные все еще были нормой, а музыка оставалась актуальным элементом, но часто теряла свою главную сценическую привлекательность из-за мелодраматического повествования Диснея или дикого юмора в Looney Tunes и других мультфильмах.

Дисней продолжил свои мультипликационные успехи, добавив Дейзи Дак (1940) и Чип и Дейл (1943/1947) к Вселенная Микки Мауса, в то время как Warner Bros. разработали новых персонажей, чтобы присоединиться к их популярным актерам Merrie Melodies / Looney Tunes, в том числе Твити (1941/1942), Хенери Хок (1942), Йосемити Сэм (1944/1945), Туманный Рог Ливорно (1946), Barnyard Dawg (1946), Марвин марсианин (1948), и Хитрый Койот и дорожный бегун (1949).

Другие новые популярные персонажи и сериалы были Terrytoons' Могучая мышь (1942–1961) и Хекль и Джекл (1946), и Самоцветы экрана' Лиса и ворона (1941–1948).

Fleischer / Famous Studios

Fleischer запустил свой впечатляющий Адаптация супермена в 1941 году. Успех пришел слишком поздно, чтобы спасти студию от финансовых проблем, и в 1942 году Paramount Pictures принял студию у уходящих в отставку братьев Флейшер. Переименованный Известные студии продолжил Попай и Супермен сериал, разработал популярные адаптации Маленькая Лулу (1943–1948, лицензия Gold Key Comics), Каспер дружелюбный призрак (1945) и создал новые серии, такие как Маленькая Одри (1947) и Бэби Хьюи (1950).

Walter Lantz Productions

Уолтер Ланц начал свою анимационную карьеру в студии Херста в возрасте 16 лет. Он также работал в Bray Studios и Универсальные картинки, где он получил контроль над Освальд Счастливый кролик мультфильмы в 1929 году (как сообщается, благодаря победе над персонажем и получением контроля над студией в покере с президентом Universal Карл Леммле). В 1935 году студия Universal была преобразована в самостоятельную Walter Lantz Productions, но остался на лоте Universal и продолжал выпускать мультфильмы для распространения Universal. Когда популярность Освальда пошла на убыль, и в 1938 году персонаж был окончательно ушел в отставку, в постановках Ланца не было успешных персонажей, пока он не разработал Энди Панда в 1939 году. Антропоморфная панда снялась в более чем двух десятках мультфильмов до 1949 года, но вскоре его затмили культовые Вуди Вудпекер, дебютировавший в мультфильме Энди Панда Тук-тук в 1940 году. Среди других популярных персонажей Ланца Уолли Морж (1944), Базз Канюк (1948), Холодный Вилли (1953), Гикори, Дикори и Док (1959).

MGM

После распространения Ub Iwerks ' Перевернуть лягушку и Вилли Воппер мультфильмы и Счастливые гармонии к Харман и Изинг, Метро Goldwyn Mayer основанный собственная мультипликационная студия в 1937 году. Студия имела большой успех с Медведь Барни (1939–1954), Ханна и Джозеф Барберас Том и Джерри (1940) и Спайк и Тайк (1942).

В 1941 г. Tex Avery покинул Warner Bros. для MGM и создаст Друпи (1943), Похотливая белка (1944) и Джордж и младший (1944).

УПА

В то время как Disney и большинство других студий стремились к ощущению глубины и реализма в анимации, УПА аниматоры (в том числе бывший сотрудник Disney Джон Хабли) имел иное художественное видение. Они разработали гораздо более редкую и стилизованную анимацию, вдохновленную русскими примерами. Студия была образована в 1943 году и изначально работала по госконтрактам. Через несколько лет они подписали контракт с Columbia Pictures, взяли на себя Лиса и ворона от Screen Gems и были номинированы на «Оскар» за свои первые два короткометражных фильма в 1948 и 1949 годах. Хотя в области анимации преобладали антропоморфные животные, когда студии разрешили создать нового персонажа, они придумали близорукого старика. Г-н Магу (1949) стал хитом и был показан во многих короткометражных фильмах. Между 1949 и 1959 годами UPA получила 15 номинаций на Оскар, получив свою первую премию Оскар с Доктор Сьюз приспособление Джеральд Макбоинг-Боинг (1950), а затем еще два для Когда Магу полетел (1954) и Джемпер Magoo's Puddle Jumper (1956). Самобытный стиль оказал влияние и даже повлиял на большие студии, включая Warner Bros. и Disney. Помимо эффективной свободы в художественном самовыражении, UPA доказала, что редкая анимация может быть оценена так же (или даже больше, чем) дорогие роскошные стили.

Телевизионная анимация 1940-х годов

Бэк-каталог мультфильмов многих студий, изначально созданный для коротких театральных тиражей, оказался очень ценным для телевещания. Фильмы для Маленького Фрая (1947), представленный "старшим братом" Боб Эмери по вечерам во вторник на нью-йоркском канале WABD-TV был один из первых детских телесериалов, в котором было много классических мультфильмов Van Beuren Studios. Это было продолжено на DuMont Television Network как ежедневное шоу Small Fry Club (1948–1951) с живой публикой в ​​студийной обстановке.

Многие классические сериалы от Уолтер Ланц, Ворнер Браззерс., Terrytoons, MGM и Дисней точно так же нашла новую жизнь в телешоу для детей с множеством повторов на протяжении десятилетий. Вместо настройки студии и презентации вживую на некоторых шоу будет представлена ​​новая анимация для представления или объединения старых мультфильмов.

Самый ранний американец мультсериал специально для телевидения появилось в 1949 году, когда Приключения Пау Вау (43 пятиминутных выпуска транслируются по воскресеньям утром с января по ноябрь) и Джим и Джуди в Teleland (52 эпизода, позже также проданы Венууэле и Японии).

1950-е годы: переход от классических театральных мультфильмов к ограниченной анимации в детских сериалах

Воспроизвести медиа

Прибытие полковника Блипа на Землю (1956)

Большинство театральных мультфильмов были созданы для неспецифической аудитории. Динамичный экшен и приколы с забавные животные в ясных стилях рисования и ярких цветах, естественно, привлекали маленьких детей, но карикатуры регулярно содержали насилие и сексуальные намеки и часто показывались вместе с новостными роликами и художественными фильмами, не предназначенными для детей. На американском телевидении мультфильмы в основном показывались для детей в удобное время по утрам в выходные, днем ​​в будние дни или ранним вечером.

Ограничения по расписанию процесса американской телевизионной анимации 1950-х годов, в частности проблемы управления ресурсами (большее количество нужно было делать за меньшее время и с меньшим бюджетом по сравнению с театральной анимацией), привели к развитию различных техник, известных сейчас как ограниченная анимация. Более разреженный тип анимации, который изначально был художественным выбором стиля для UPA, был воспринят как средство сокращения времени и затрат на производство. Полнокадровая анимация («по одному») стала редкостью в Соединенных Штатах, за исключением ее использования в менее театральных постановках. Чак Джонс придумал термин «иллюстрированное радио» для обозначения дрянного стиля большинства телевизионных мультфильмов, который больше зависел от их саундтреков, чем визуальных эффектов.^[85] Некоторые продюсеры также обнаружили, что ограниченная анимация лучше смотрелась на маленьких (черно-белых) экранах телевизоров того времени.^[86]

Мультсериал 1950-х

Джей Уорд произвел популярные Кролик-крестоносец (протестировано в 1948 г., оригинальные передачи в 1949–1952 и 1957–1959 гг.) с успешным использованием стиля ограниченной анимации.

В конце 1950-х годов начали конкурировать несколько студий, занимающихся производством телевизионной анимации. В то время как соревнования в области театральной анимации делали акцент на качестве и инновациях, теперь они переключились на быструю и дешевую анимацию. Критики отмечали, что качество многих шоу часто было низким по сравнению с классическими мультфильмами, с быстрой анимацией и заурядными историями. Руководители сети были довольны, пока было достаточно зрителей,^[87] и огромное количество молодых зрителей не беспокоились о недостатке качества, которое воспринималось критиками. Смотреть Субботнее утро мультфильм Программирование продолжительностью до четырех часов стало любимым занятием большинства американских детей с середины 1960-х годов и оставалось основным занятием на протяжении десятилетий.

Дисней относительно рано начал производство телепрограмм, но десятилетиями воздерживался от создания новых мультсериалов. Вместо этого у Диснея было их собственная серия антологий в эфире с 1954 года в прайм-тайм трехчасовыми слотами, начиная с Диснейленд Уолта Диснея (1954–1958), явно продвигая Диснейленд тематический парк, открывшийся в 1955 году. Уолт Дисней лично вел сериал, в котором, помимо старых мультфильмов, были отрывки, например, о закулисных процессах создания фильмов или новых приключенческих фильмах.

Уильям Ханна и Джозеф Барбера (создатели Тома и Джерри) продолжили как Ханна-Барбера после того, как Metro-Goldwyn-Mayer закрыла свою анимационную студию в 1957 году, когда MGM посчитала, что их бэк-каталог достаточен для дальнейших продаж.^[88] В то время как Ханна-Барбера сняла только один театральный сериал с Loopy de Loop (1959–1965), они за несколько десятилетий зарекомендовали себя как самые плодовитые и успешные продюсеры анимационных телесериалов. Начиная с Шоу Ерша и Редди (1957–1960), они продолжили успешными сериалами, такими как Шоу Гекльберрихаунд (1958, первая получасовая телевизионная программа, в которой была только анимация)^[89] и Шоу Quick Draw McGraw (1959–1961).

Другие известные программы включают УПАс Джеральд Макбоинг Боинг (1956–1957), Soundac's Полковник Блип (1957–1960, первый цветной мультсериал), Terrytoonsс Том Потрясающий (1958) и Джея Уорда Приключения Рокки, Буллвинкла и друзей (1959–1964).

В отличие от международного кинорынка (развитого в эпоху немого кино, когда языковые проблемы ограничивались титульными листами), телевизионное первенство в большинстве стран (часто связанное с радиовещанием) было сосредоточено на внутреннем производстве прямых трансляций. Вместо того, чтобы импортировать мультсериалы, которые обычно нужно дублировать, детские программы можно было бы проще и дешевле производить другими способами (например, с использованием кукольного театра). Одним из примечательных методов была «анимация» вырезанных фигур в реальном времени. Капитан Пагуош (1957) о BBC. Одним из немногих ранних мультсериалов для телевидения, которые видели за границей, был Belvision Studios' Les Aventures de Tintin, d'après Hergé (Приключения Тинтина Эрже) (Бельгия, 1957–1964, режиссер Рэй Гуссенс), переданный BBC в 1962 году и синдицированный в США с 1963 по 1971 год.

Театральные короткометражки 1950-х годов

Warner Bros. представила новых персонажей Сильвестр мл. (1950), Спиди Гонсалес (1953), Ральф Вольф и Сэм Овчарка (1953), и Тасманский дьявол (1954).

Театральная анимация 1950-х гг.

Дисней

После ряда пакетных функций и комбо-анимации / анимации Disney вернулся к полностью анимационным художественным фильмам с Золушка в 1950 г. (впервые с Бэмби). Его успех практически спас компанию от банкротства. За этим последовало Алиса в стране чудес (1951), который провалился в прокате и подвергся критике. Питер Пэн (1953) и Леди и Бродяга (1955) были хитами. Амбициозный, отложенный и более дорогой Спящая красавица (1959) потерял деньги в прокате и вызвал сомнения в будущем анимационного отдела Уолта Диснея. Подобно «Алисе в стране чудес» и большинству провалов Диснея, позже он станет коммерчески успешным благодаря переизданиям и в конечном итоге станет настоящей классикой.

Не из США

• Жанно л'интрепид (Джонни-убийца гигантов) (Франция, фильм 1950 г.)
• Le Roi et l'Oiseau (Король и пересмешник) (Франция, незаконченный выпуск полнометражного фильма 1952 г., окончательный выпуск 1980 г., Хаяо Миядзаки и Исао Такахата)
• Ферма животных (Великобритания / США, 1954 г.)
• 乌鸦 为什么 是 黑 的 (Почему ворон с черной шерстью) (Китай, короткометражный фильм 1956 г., Венецианский кинофестиваль)
• Снежная королева (Снежная королева) (Советский Союз, 1957 г.)
• Кртек (Крот) (Чехословакия, серия короткометражных фильмов 1956 г.)
• 白蛇 伝 (Панда и волшебный змей) (Япония, фильм 1958 года)
• 少年 猿 飛 佐 助 (Волшебный мальчик) (Япония, фильм 1959 года, первое аниме выпущено в США в 1961 году)

1960-е

Американские мультсериалы и специальные выпуски 1960-х годов

Всего Телевидение была основана в 1959 году для продвижения General Mills изделия с оригинальными героями мультфильмов в Слойки какао рекламные ролики (1960–1969) и телесериал, спонсируемый General Mills Король Леонардо и его короткие подданные (1960–1963, переупакованные шоу до 1969), Теннесси смокинг и его сказки (1963–1966, переупакованные шоу до 1972 года), Шоу аутсайдеров (1964–1967, переупакованные шоу до 1973) и Бигль (1966–1967). Анимация для всех серий производилась на студии Gamma Studios в Мексике. Total Television прекратили производство после 1969 года, когда General Mills больше не хотела их спонсировать.

Многие американские мультсериалы 1960–1980-х годов были основаны на персонажах и форматах, которые уже стали популярными в других средствах массовой информации. УПА произведено Шоу Дика Трейси (1961–1962) по мотивам комиксов. Фильм, действовавший с 1962 по 1989 год, создал несколько оригинальных персонажей, но многие адаптации Комиксы DC, игровые сериалы (в том числе Спасатели Лесси (1973–1975) и Звездный путь: мультсериал), некоторые функции живого действия (в том числе Путешествие к центру Земли (1967–1969) и гораздо больше. Грантрей-Лоуренс Анимация была первой студией, которая адаптировалась Комиксы Marvel супергероев в 1966 году. Поп-группы получили анимационные версии в Битлз (1965–1966) и Ранкин / Басс Джексон 5ive (1971–1972) и Осмонды (1972). Ханна-Барбера превратила комиков в героев мультфильмов. Лорел и Харди (1966–1967) и Шоу Эбботта и Костелло (1967–1968). Форматировать фильмы' Шоу Элвина (1961–1962) был спин-оффом новинки 1958 года и последующих комиксов с переработанными версиями Элвин и бурундуки. Остальные серии содержали нелицензионные ассигнования. Например, Hanna-Barbera's Флинстоуны (1960–1966) был явно вдохновлен ситкомом Молодожены и создатель Джеки Глисон думал подать в суд на Ханну-Барбера, но он не хотел, чтобы его называли «парнем, который вытащил Фреда Флинтстоуна из эфира».^[90]

Флинстоуны был первым ПРАЙМ-тайм мультсериал и стал чрезвычайно популярным, он оставался самым продолжительным сетевым мультсериалом, пока этот рекорд не был побит три десятилетия спустя. Ханна-Барбера забила больше ударов Шоу медведей йогов (1960–1962), Джетсоны (1962–1963, 1985, 1987) и Скуби-Ду, ты где! (1969–1970, позже последовала другая серия Скуби-Ду).

Примерно с 1968 г., после убийство Мартина Лютера Кинга младшего, тогда Роберт Ф. Кеннеди и другие насильственные действия сделали общественность менее непринужденной к насилию в сфере развлечений, сети наняли цензоров, чтобы запретить в детских программах все, что сочтено слишком жестоким или наводящим на размышления.^[91]

Помимо обычных телесериалов, было несколько примечательных анимационных (праздничных) телешоу, начиная с UPA's. Рождественская песнь мистера Магу (1962), за которым несколько лет спустя последовали другие классические примеры, такие как строка Билл Мелендес' Арахис спецпредложения (1965-2011 гг., на основе Чарльз М. Шульцкомикс) и Чака Джонса Как Гринч украл Рождество! (1966, по рассказу Доктор Сьюз).

Cambria Productions

Cambria Productions лишь изредка использовалась традиционная анимация и часто прибегала к движениям камеры, движениям в реальном времени между кадрами переднего и заднего плана и интеграции видеоматериалов в реальном времени. Создатель Кларк Хаас объяснил: «Мы не делаем мультфильмы. Мы фотографируем« моторизованное движение »и - самый большой трюк - объединяем его с живым действием… Видеозаписи, которые Disney делает за 250 000 долларов, мы делаем за 18 000».^[92] Самым известным их трюком был Syncro-Vox техника наложения говорящих губ на лица героев мультфильмов вместо анимированных ртов, синхронизированных с диалогом. Эта система оптической печати была запатентована в 1952 году партнером и оператором Cambria. Эдвин Джиллетт и впервые был использован в популярных рекламных роликах "говорящих животных". Позже этот метод получил широкое распространение для создания комедийного эффекта, но Камбрия использовала его прямо в своих сериалах. Сцепление Cargo (1959–1960), Космический ангел (1962) и Капитан Фатом (1965). Благодаря творческим рассказам, Сцепление Cargo был неожиданным хитом. Их последняя серия Новые 3 марионетки (1965–1966) больше не использовал Syncro-Vox. Он содержал 40 новых фрагментов живых выступлений с оригинальной Три марионетки это было распространено и повторено на протяжении 156 эпизодов вместе с новой анимацией (иногда заставляло людей выключать телевизор, когда повторялись кадры живых выступлений, убежденные, что они уже видели эпизод).

Американская театральная анимация 1960-х годов

За Сто один далматинец (1961) производственные затраты были ограничены, чему способствовала ксерография процесс, который устранил процесс рисования. Хотя относительно поверхностный вид не понравился лично Уолту Диснею, он не беспокоил ни критиков, ни публику, и фильм стал еще одним хитом для студии. Меч в камне (1963) был еще одним финансовым успехом, но с годами он стал одной из наименее известных фильмов Disney. За ним последовал хит live-action / animation Мэри Поппинс (1964), получивший 13 номинаций на премию Оскар, в том числе за лучший фильм.

УПА выпустила свой первый полнометражный фильм 1001 арабская ночь (1959) (мистер Магу в главной роли дядя Алладина) для Columbia Pictures, но без особого успеха. Они попробовали еще раз с Гей мурлыканье в 1962 году, выпущенный Warner Bros. Он был хорошо принят критиками, но потерпел неудачу в прокате и стал последним полнометражным фильмом, когда-либо созданным студией.

Закат театрального короткометражного мультфильма

Постановление Верховного суда Голливудское антимонопольное дело 1948 года запрещены "блочные заказы", при которых популярные художественные фильмы предлагались исключительно владельцам кинотеатров в пакетах вместе с кинохроникой и мультфильмами или короткометражными фильмами с живыми выступлениями. Вместо того, чтобы получать разумный процент от пакетной сделки, короткие мультфильмы приходилось продавать отдельно по ценам, которые владельцы кинотеатров были готовы за них платить. Короткометражные мультфильмы были относительно дорогими, и теперь их можно было исключить из программы, не теряя интереса к главному сюжету, что стало разумным способом сократить расходы, когда все больше и больше потенциальных кинозрителей, казалось, оставались дома, чтобы смотреть фильмы на своих телевизорах. . Большинство мультфильмов приходилось переиздавать несколько раз, чтобы окупить вложенный бюджет.^[93][94] К концу 1960-х большинство студий перестали выпускать театральные мультфильмы. Даже Warner Bros. и Disney, за редкими исключениями, перестали делать короткие театральные мультфильмы после 1969 года. Уолтер Ланц был последним из продюсеров классических мультфильмов, который сдался, когда закрыл свою студию в 1973 году.

Депати – Фреленг

DePatie – Freleng Enterprises, основан Фриз Фреленг и Дэвид Х. ДеПати в 1963 году, после того как Warner Bros. закрыла свой анимационный отдел, была единственной студией, которая после 1950-х годов добилась нового успеха с короткими театральными мультсериалами. Они создали Розовая пантера в 1963 году за вступительные и заключительные титры живого фильма. Розовая пантера серия фильмов с участием Питер Селлерс. Его успех привел к серия короткометражных фильмов (1964–1980) и Сериал (1969–1980). За Pink Panther последовал спин-офф Инспектор (1965–1969), Муравей и трубкозуб (1969–1971) и несколько других театральных сериалов. Отец (1974–1976) был последним новым сериалом, но мультфильмы «Розовая пантера» появлялись в кинотеатрах до 1980 года, незадолго до закрытия студии в 1981 году. С 1966 по 1981 год ДеПати-Фреленг также продюсировал множество сериалов и специальных программ.

Восстание аниме

Япония была особенно плодотворной и успешной со своим собственным стилем анимации, который в английском языке сначала стал известен как Japanimation, а затем как аниме. В целом, аниме было разработано с использованием методов ограниченной анимации, в которых больше внимания уделялось эстетическому качеству, чем движению, по сравнению с американской анимацией. Он также применяет относительно "кинематографический" подход с масштабированием, панорамированием, сложными динамическими снимками и большим вниманием к фонам, которые играют важную роль в создании атмосферы.

Аниме впервые транслировалось по телевидению в 1960 году. Примерно в то же время начался экспорт театральных аниме-фильмов. В течение нескольких лет было снято несколько аниме-сериалов, которые также транслировались в разной степени в США и других странах, начиная с очень влиятельных 鉄 腕 ア ト ム (Astro Boy) (1963), а затем ジ ャ ン グ ル 大帝 (Белый лев Кимба) (1965–1966), エ イ ト マ ン (8-й человек) (1965), 魔法 使 い サ リ ー (Ведьма Салли) (1966–1967) и マ ッ ハ GoGoGo (Mach GoGoGo a.k.a. Speed ​​Racer) (1967).

Популярный внутри страны サ ザ エ さ ん / Сазаэ-сан стартовал в 1969 году и, вероятно, является самым продолжительным анимационным телешоу в мире, насчитывающим более 7700 эпизодов.

Ранняя ориентированная на взрослых и контркультурная анимация

До конца 1960-х почти не было анимация для взрослых был произведен. Заметное исключение было порнографическим коротким Эвериди Хартон в Buried Treasure (1928), предположительно сделанный известными аниматорами для частной вечеринки в честь Уинзора Маккея и не показывавшийся публично до конца 1970-х годов. После 1934 г. Код Hays давали кинематографистам в Соединенных Штатах небольшую свободу действий в выпуске рискованного материала, пока код не был заменен Система рейтинга фильмов Американской киноакадемии в 1968 году. В то время как телевизионные программы анимации заставили большинство людей думать о ней как о средстве для детей или семейного развлечения, новые театральные анимации доказали обратное.

Возможно, философский, психологический и социологический подтекст Арахис Телевизионные передачи были относительно ориентированы на взрослых, в то время как специальные программы были интересны и для детей. В 1969 году режиссер Билл Менделес распространил успех сериала на кинотеатры с Мальчик по имени Чарли Браун. Театральное продолжение Снупи иди домой (1972) был кассовым провалом, несмотря на положительные отзывы. Гонка за свою жизнь, Чарли Браун (1977) и Бон Вояж, Чарли Браун (и не возвращайся !!) (1980) были единственными театральными традиционными анимационными художественными фильмами для Арахис, а телешоу продолжались до 2011 года.

Анти-истеблишмент бум контркультуры в конце 1960-х повлиял на Голливуд на ранней стадии. В анимации антивоенные настроения явно присутствовали в нескольких короткометражных андеграундных фильмах, таких как Уорд Кимбаллс Эскалация (1968) (сделанный независимо от его работы в Disney) и пародия Микки Маус во Вьетнаме (1969). Менее политическая пародия Бэмби встречает Годзиллу (1969) Марва Ньюленда, еще один андеграундный короткометражный фильм для взрослых, считается великой классикой и был включен в 50 величайших мультфильмов (1994) (на основе опроса 1000 человек, работающих в индустрии анимации).

Популярность психоделия как сообщается, сделал переиздание 1969 года Disney's Фантазия популярный среди подростков и студентов, и фильм начал приносить прибыль. Точно так же Disney Алиса в стране чудес стал популярным благодаря телевизионным показам в этот период и после его театрального переиздания 1974 года.

Также под влиянием психоделической революции, Битлз'музыкальный анимационный фильм Желтая подводная лодка (1968) показал широкой аудитории, как анимация может сильно отличаться от хорошо известных телевизионных мультфильмов и фильмов Диснея. Его оригинальный дизайн был разработан арт-директором. Хайнц Эдельман. Фильм получил широкое признание и окажет влияние. Питер Макс популяризировал подобный визуальный стиль в своих произведениях.

Неамериканская анимация в 1960-х годах

• わ ん ぱ く 王子 の 大蛇 退 治 (Маленький принц и Восьмиглавый дракон) (Япония, художественный фильм 1963 года)
• 大 鬧天宮 (Разрушение в раю) (Китай, очерк 1963 года)
• ガ リ バ ー の 宇宙 旅行 (Путешествие Гулливера за пределы Луны) (Япония, фильм 1965 года)
• Калимеро (Италия / Япония 1963–1972, сериал)
• Belvisionс Пиноккио в космосе (Бельгия / США, 1965, режиссер Рэй Гуссенс)
• Вест и Сода (Италия, 1965 г., первая особенность Бруно Бозцетто)

1970-е годы

Прорыв художественной анимации, ориентированной на взрослых и контркультуры

Ральф Бакши считает, что идея о том, что «взрослые мужчины, сидящие в кабинах и рисующие бабочек, летающих над полем цветов, в то время как американские самолеты сбрасывают бомбы во Вьетнам, а дети маршируют по улицам, - смехотворна».^[95] Поэтому он создал более социально-политический тип анимации, начиная с Кот Фриц (1972), на основе Роберт Крамбкомиксов и первый полнометражный анимационный фильм, получивший X-рейтинг. X-рейтинг использовался для продвижения фильма, и он стал самым кассовым независимым анимационным фильмом всех времен. Успех Интенсивное движение (1973) сделал Бакши первым после Диснея, у которого подряд два финансово успешных анимационных фильма. В фильме использовалось художественное сочетание техник со статической фотографией в качестве фона по частям, сцена с живым действием моделей с раскрашенными лицами, визуализированная в негативной кинематографии, сцена, визуализированная в очень ограниченной отрывочной анимации, которая была лишь частично окрашена, подробный рисунок, архивный кадры, и большинство персонажей анимированы в едином мультяшном стиле на протяжении всего этого, за исключением последних десяти минут, которые были полностью сняты как стандартный боевик. Он продолжал экспериментировать с различными техниками в большинстве своих следующих проектов. Его следующие проекты Эй, хорошо выглядишь (закончено в 1975 году, но отложено Warner Bros. до выпуска скорректированной версии в 1982 году) и Кунскин Фильмы (1975 год, пострадавшие от протестов против предполагаемого расизма, но на самом деле высмеивающие его) были гораздо менее успешными, но позже получили большую оценку и стали культовыми.

Бакши добился нового успеха с фантастическими фильмами Мастера (1977) и Властелин колец (1978). Оба использовали ротоскопирование для массовых батальных сцен. За Мастера эта техника была использована на архивных материалах как решение бюджетных проблем и выполнена в психоделическом и художественном стиле. За Властелин колец это стало средством создания образа, который Бакши описал как «настоящую иллюстрацию, а не карикатуры» для фильма, которому он хотел соответствовать ТолкинРабота со справочным материалом снята с костюмированными актерами в Испании. Телевизионный фильм, более ориентированный на семью Возвращение короля (1979) автор: Ранкин / Бас и Topcraft иногда рассматривается как неофициальное продолжение после того, как предполагаемая вторая часть Бакши не была сделана, но они уже независимо начали свою экранизацию истории на телевидении с Хоббит в 1977 г.

Художественная французская / чешская научная фантастика La Planète sauvage (1973) был награжден Специальный приз жюри Гран-при на 1973 Каннский кинофестиваль,^[96] а в 2016 году он занял 36-е место среди лучших анимационных фильмов за всю историю Катящийся камень.^[97]

Британское производство Watership Down (фильм) (1978) имел огромный международный успех. В нем были изображены животные, которые выглядели более реалистично, чем антропоморфные, на акварельном фоне. Несмотря на его мрачные и жестокие аспекты, он был признан подходящим для всех возрастов в Великобритании и оценен PG В Соединенных Штатах.

Аниме в Европе

Импорт аниме предлагал относительно дешевые мультсериалы, но некоторые европейские вещатели думали об анимации как о чем-то для маленьких детей и слишком легко программировали аниме-сериалы соответственно. Это вызвало много критики, когда некоторые программы были сочтены слишком жестокими по отношению к детям.^[98] Дружелюбные к детям адаптации европейских рассказов обеспечили гораздо больший успех в Европе с такими популярными названиями, как ア ル プ ス の 少女 ハ イ ジ (Хайди, Девушка Альп) (1974) и み つ ば ち マ ー ヤ の 冒 険 (Медоносная пчела Майя) (1975).

В Европе действовало всего несколько анимационных студий, и открытие новой студии требовало много времени, усилий и денег. Европейским производителям, интересующимся мультсериалами, имело смысл сотрудничество с японскими студиями, которые могли предоставить доступную анимацию в относительно высоком качестве. Результирующая продукция включает Барбапапа (Нидерланды / Япония / Франция 1973–1977), Wickie und die starken Männer / 小 さ な バ イ キ ン グ ビ ッ ケ (Вики Викинг) (Австрия / Германия / Япония 1974), Il était une fois ... (Однажды в сказке ...) (Франция / Япония 1978) и Доктор обнимает (Нидерланды / Западная Германия / Япония / США, 1979 г.).

Основные моменты художественной короткометражки

Короткометражные анимационные фильмы в основном стали средством проведения кинофестивалей, на которых независимые аниматоры продемонстрировали свои таланты. Поскольку большие студии находятся вдали от поля, Премия Оскар за лучший анимационный короткометражный фильм а номинации 1970-х и 1980-х обычно были для относительно неизвестных художников.

La Linea (Италия, 1971, 1978, 1986) - популярный мультсериал, в котором главный герой состоит из части прямой белой линии, которая проходит горизонтально по экрану.

Советский / российский аниматор Юрий Норштейн «считается многими не просто лучшим аниматором своего времени, но и лучшим за все время».^[99] Он выпустил несколько отмеченных наградами короткометражных фильмов в 1970-х:

• Керженецкая битва (Сеча при Керженце, 1971), в сотрудничестве с Иван Иванов-Вано
• Лисица и Заяц (Лиса и заяц, 1973).^[100]
• Цапля и журавль (Цапля и журавль, 1974).
• Ежик в тумане (Ёжик в тумане, 1975).^[101]
• Сказка сказок (Сказка сказок, 1979).

С 1981 года работает над Пальто (Шинель) и участвовал в Зимние дни (冬 の 日, 2003).

Ранние анимационные видеоклипы

Хотя сочетание музыки и анимации имело давнюю традицию, прошло некоторое время, прежде чем анимация стала частью видеоклипы после того, как среда стала настоящим жанром в середине 1970-х годов.

Халас и Бэтчелор сняли анимационный ролик для фильма Роджера Гловера. Любовь - это все (1974), который транслировался по всему миру на протяжении десятилетий, часто как межстраничная программа.

Pink Floyd's 1977 г. Добро пожаловать в машину клип, анимированный Джеральдом Скарфом, первоначально использовался только в качестве фона для концертных выступлений.

Элвис Костеллос Произойдут аварии (1979) был сделан Аннабель Янкель и Роки Мортон, известными своими анимационными рекламными роликами. Несмотря на изначально теплый прием,^[102] видео с тех пор получило признание.

Роджер Мэйнвуд и Джон Халас создал анимированный музыкальный клип для Крафтверкс Автобан в 1979 г.^[103] Короткий документальный фильм без слов Заставляя его двигаться ... показали производственный процесс.^[104]

Мультфильм для Линда Маккартнис Приморская женщина был снят Оскаром Грилло и получил Золотую пальмовую ветвь за лучший короткометражный фильм на Каннском фестивале в 1980 году.^[105]

1980-е

Падение американской анимации (начало 1980-х)

Анимация для телевизионных программ США стала шаблонной, часто основанной на персонажах, известных из других средств массовой информации, и большая часть фактической (ограниченной) анимационной работы была передана на аутсорсинг дешевым азиатским рабочим. Некоторые популярные мультсериалы для детей можно было воспринимать не более чем как рекламу, поскольку в их основе лежали игрушечные сюжеты, в том числе Mattellс He-Man и хозяева вселенной (1983–1985) и Hasbroс Г.И. Джо (1983–1986), Трансформеры (1984–1987) и Мой маленький пони (1986–1987).

В основном, ретроспективно, художественные фильмы Диснея воспринимались как переживающие темную эпоху в первые десятилетия после смерти Уолта Диснея в 1966 году (несмотря на более стабильную череду кассовых сборов, чем в течение десятилетий, в которых Уолт был жив). Провал Черный котел (1985), сделанный с амбициозным бюджетом, был явно новым минимумом.

Основные моменты анимации за пределами США

По сравнению с американской анимацией начала 1980-х, аниме и международное совместное производство казались более творческими и многообещающими.

Одним из крупнейших телевизионных хитов за последние годы был Смурфики (1981–1989), производство бельгийской Фредди МонникендамSEPP International в сотрудничестве с Hanna-Barbera. Они также успешно сотрудничали в Снорк (1984–1989) и Foofur (1986–1988). Производство для Bzz Films ' Бибифок (Сиберт) (1984–1988) также обрабатывалась SEPP.

Другие известные международные совместные производства включают: Инспектор Гаджет (Франция / США. 1983) и Чудесный волшебник из страны Оз (Канада / Япония, 1986–1987 годы).

Включены новые японские аниме-сериалы на основе европейских материалов. ニ ル ス の ふ し ぎ な 旅 (Удивительные приключения Нильса) (1980-1981) и ス プ ー ン お ば さ ん (Миссис Пеппер Горшок) (1983–1984).

Аниме вместе с печатным манга, создал в Японии огромный фандом и стал важной частью основной культуры страны. Среди множества жанров аниме, механика (научная фантастика о роботах-гигантах) стала особенно культовой. Относительно новый домашнее видео рынок стал очень большим и оригинальная видео анимация (OVA) стала высоко ценимой средой, часто с более качественной продукцией, чем для телевидения (в отличие от США, где прямо на видео был главным образом средством для выпуска релизов, которые, как ожидалось, не были достаточно популярными, чтобы гарантировать выпуск в кинотеатрах или телетрансляции, и поэтому часто производились с гораздо меньшим бюджетом). Естественно, что ОВА среда подходит потребление эротического и порнографического анимации. Первый выпуск эротических яйцеклеток был ロ リ ー タ ア ニ メ (Аниме Лолита) с февраля 1984 г. по май 1985 г., за которым вскоре последовали Сливочный лимон серия (август 1984–2005). Жанр стал известен во всем мире как хентай и (не) известен тем, что часто содержит извращенные темы, включая секс несовершеннолетних, секс с монстрами и щупальца секс (изначально задумано как средство обхода японских правил цензуры).

Хаяо Миядзакиэпические театральные особенности Навсикая в долине ветров (1984), основанный на его собственной манге, и 天空 の 城 ラ ピ ュ タ (Небесный замок) (1986) регулярно хвалят как некоторые из величайшие анимационные фильмы всех времен. замок в небе была первой особенностью для Студия Ghibli, основанная в 1985 году Миядзаки с Исао Такахата и другие. Studio Ghibli продолжила свой успех, сняв фильм Такахаты о Второй мировой войне. 火 垂 る の 墓 (Могила светлячков) (1988) и культовые произведения Миядзаки と な り の ト ト ロ (Мой сосед Тоторо) (1988) и 魔女 の 宅急便 (Служба доставки Кики) (1989).

Возрождение американской анимации

Дон Блат, который покинул Disney в 1979 году вместе с девятью другими аниматорами, начал соревноваться со своим бывшим работодателем в кинотеатрах в 1982 году. Секрет NIMH. Фильм получил признание критиков, но имел лишь скромный успех в прокате. В сотрудничестве с Стивен Спилбергс Амблин Развлечения, Американский хвост (1986) стал самым кассовым недиснеевским анимационным фильмом того времени. Земля до начала времен (1988) был столь же успешным, но следующие пять полнометражных фильмов Блута провалились.

Могучая мышь: Новые приключения (1987–1989) был одним из первых анимационных телешоу, воссоздающих качество и оригинальность американских мультфильмов. Продюсером его выступил Ральф Бакши, а над первым сезоном курировал Джон Кричфалуси, что давало художникам большую свободу действий в своем собственном стиле. Вместо того, чтобы делать ностальгический переосмысление оригинальной серии Terrytoons, он попытался воссоздать качество и забавный юмор сериала. Веселые мелодии классика.

В кинотеатрах Роберт Земекис'живое действие / анимация хит Кто подставил кролика Роджера (1988) также вернулся к качественной и забавной комедии золотого века мультфильмов, с камеями многих суперзвезд той эпохи, в том числе Микки, Минни, Дональда, Гуфи, Бетти Буп, Друпи, Вуди Дятла и Мел Бланка. - озвучивал Багз Банни, Даффи Дак, Порки Пиг, Твити и Сильвестр. Фильм получил несколько «Оскаров» и помог возродить интерес к театральной анимации и классическим мультфильмам. Полностью анимированный Роджер Кролик короткометражный Проблемы с животиком (1989) был затем упакован в семейную комедию с живым боевиком Дорогая, я уменьшил детей и, как полагают, помогли этому фильму быстро начать кассовые сборы.^[106]

Мэтт Грёнингс Симпсоны началось в апреле 1987 года как короткометражное комедийное шоу в скетчах. Шоу Трейси Ульман, а в декабре 1989 года у них был собственный получасовой ситком в прайм-тайм. Он стал одним из самых популярных мультфильмов в истории. самый продолжительный сценарий американского телесериала в прайм-тайм.

Пока успехи Великий мышиный детектив (1986) и Оливер и компания (1988) уже помог вернуть студию Диснея в нужное русло, они стали рекордсменом по кассовым сборам. Русалочка (1989). Кадр из радуги в конце Русалочка был первым фрагментом художественной анимации, созданной с помощью Система производства компьютерной анимации (CAPS) система, которую Disney и Pixar были совместно собраны. Этот цифровые чернила и краска Система заменила дорогостоящий метод рисования и раскрашивания вручную и предоставила создателям фильмов новые творческие инструменты.

К 1990 году бум анимационных хитов был объявлен возвращением, которое могло соперничать с золотым веком мультфильмов.^[106]

Театральная анимация, ориентированная на взрослых, 1980-е гг.

Рок-мюзикл Бакши Американский поп (1981) был еще одним успехом, в основном достигнутым с помощью техники ротоскопа в сочетании с акварелью, компьютерной графикой, живыми кадрами и архивными кадрами. Его следующий фильм Огонь и лед (1983) - сотрудничество с художником Фрэнк Фразетта. Это был один из многих фильмов в меч и колдовство жанр, выпущенный после успеха Конан-варвар (1982) и Повелитель зверей (1982). Критики оценили визуальные эффекты и боевые сцены, но не сценарий, и фильм потерпел неудачу в прокате. Не сумев сдвинуть с мертвой точки несколько проектов, Бакши ушел на пенсию на несколько лет.

Канадский хит-антология Тяжелый металл (1981) был основан на комиксах, опубликованных в популярном Тяжелый металл журнал и со-продюсером ее основатель. Смешанные отзывы сочли фильм неровным, детским и сексистским. В конце концов, в 2000 году за ним последовали плохо принятые Хэви-метал 2000 и переосмыслен как Netflix серии Любовь, смерть и роботы в 2019 году.

Темный рок-оперный фильм Пинк Флойд стена (1982) содержал 15 минут анимационных отрывков британского мультипликатора. Джеральд Скарф, которые уже разработали связанные обложки для альбома 1979 года и Концертный тур 1980-81 гг.. Часть анимационного материала фильма ранее использовалась для фильма 1979 года. клип за "Еще один кирпич в стене: Часть 2"и для тура. Скарф также делал анимацию для Pink Floyd 1977 года. Во плоти тур.

Успешная британская ядерная фильм-катастрофа Когда дует ветер (1986) показали нарисованных от руки персонажей на реальном фоне с остановкой движущихся объектов.

Жестокий постапокалиптический киберпанк аниме Акира (1988) завоевал большую популярность аниме за пределами Японии и теперь широко считается классическим.

MTV и анимационные ролики

MTV был запущен в 1981 году и еще больше популяризировал музыкальное видео, которое позволяло относительно много художественного самовыражения и творческих приемов, поскольку все участники хотели, чтобы их видео выделялось. Многие из самых знаменитых музыкальных клипов 80-х годов содержат анимацию, часто созданную с использованием техник, отличных от стандартной анимации cel. Например, культовый клип Питера Гэбриэла Кувалда (1986) показал глина, пикселизация, и остановить движение Мультфильмы Aardman и Brothers Quay.

Ага"s"Take On Me"(1985) классно объединил живое действие с реалистичной анимацией рисования карандашом. Майкл Паттерсон. Режиссером видео выступил Стив Бэррон, который также будет руководить новаторской компьютерной анимацией Ужасные проливы "Деньги ни за что"в том же году. Видео a-ha было вдохновлено фильмом Алекса Паттерсона CalArts выпускной фильм Пригородный (1984), который привлек внимание руководителей звукозаписывающей компании Warner Bros.^[102] и будет частично снова использован для A-ha's Поезд мысли видео.

Паттерсон также направил Паула Абдулс Противоположности притягиваются (1989) с его анимационным творением MC Skat Kat.

Катящиеся камни' "Гарлемский перетасовка"(1986) с анимированными элементами режиссера Ральф Бакши и Джон Кричфалуси, созданный за несколько недель.

Оригинальные бамперы для посадки на Луну на MTV были сняты в начале 1986 года после Претендент катастрофа^[107] Затем MTV способствовало развитию своего дикого артистического постмодерн изображение через множество экспериментальных идент-бамперов, большинство из которых анимированные.^[108] Аниматоры обычно не фигурировали в титрах, но могли работать в своем собственном стиле. Например, канадский аниматор Дэнни Антонуччивклад анонимно показал его Лупо Мясник персонаж, которому было позволено произносить свои психотические бредни.

Примерно с 1987 г. На MTV был специальный отдел анимации и постепенно начал вводить больше анимации в перерывах между программированием, связанным с музыкой. Билл Плимптонс Микроуны это ранний пример.

1990-е

Дисней Красавица и Чудовище (1991) (первый в истории анимационный фильм, номинированный на Премия Оскар за лучший фильм), Аладдин (1992) и Король Лев (1994) последовательно побили рекорды кассовых сборов. Покахонтас (1995), Горбун из Нотр-Дама (1996), Мулан (1998) и Тарзан (1999) не превзошла Король Лев как самый кассовый (традиционно) анимационный фильм всех времен, но все они были очень успешными, собрав более 300 миллионов долларов по всему миру. Фильмы этого периода считаются частью Дисней Ренессанс или Второй золотой век. Только Геркулес (1997), и продолжение Спасатели внизу (1990) не оправдали ожиданий. С 1994 года Дисней продолжал производить полнометражные продолжения к успешным заголовкам, но только в виде релизов прямо на видео.

Влиятельный Джон Кричфалуси Шоу Рен и Стимпи (1991–1995) получил широкое признание. Какое-то время это было самое популярное кабельное телешоу в США. Запрограммированный как детский мультфильм, он, как известно, спорный для своего черный юмор, сексуальные намеки, шутки для взрослых и значение шока.

Огромный успех Симпсоны и Шоу Рен и Стимпи подсказали более оригинальные и относительно дерзкие серии, в том числе Южный парк (с 1997 г.), царь горы (1997–2010), Семьянин (с 1999 г.), и Футурама (1999–2003).

Использование анимации на MTV увеличилось, когда канал начал давать все больше и больше шоу, которые не совсем соответствовали их прозвищу «музыкальное телевидение». Жидкое телевидение (1991–1995) продемонстрировали работы, которые в основном были созданы независимыми аниматорами специально для шоу и порождены отдельными Æon Flux и Бивис и Баттхед (1993–1997) серия. Включены другие мультсериалы 1990-х на MTV Голова (1994-1996) и Maxx (1995), оба под MTV's Oddities баннер. К 2001 году MTV закрыла свой анимационный отдел, начала передавать свои мультсериалы на аутсорсинг и в конечном итоге импортировала шоу из связанных сетей.

24-часовой кабельный канал Cartoon Network был запущен в Соединенных Штатах 1 октября 1992 г., и вскоре последовал его первый международные версии. Первоначально программирование состояло из классических мультфильмов из бэк-каталогов Warner Bros, MGM, Fleischer / Famous и Hanna-Barbera. С 1996 по 2003 год новая оригинальная серия работала как Мультфильмы и представил популярные названия Лаборатория Декстера (1996–2003), Джонни Браво (1997–2004), Корова и курица (1997–1999), Я ласка (1997–2000), Крутые девчонки (1998–2005) и Эд, Эдд и Эдди (1999–2009).

Телевизионная анимация для детей также продолжала процветать в Соединенных Штатах на специализированных кабельных каналах, таких как Никелодеон, канал Дисней/Дисней XD, PBS Kidsи в синдицированные дневные интервалы.

2000–2010 годы: В тени компьютерной анимации

После успеха Pixarс История игрушек (1995) и DreamWorks Анимацияс Шрек (2001) компьютерная анимация стала доминирующей техникой анимации в США и многих других странах. Даже традиционная анимация все чаще создавалась полностью на компьютере. К 2004 году с использованием традиционных технологий все еще создавались лишь небольшие постановки.

В первые десятилетия 21 века 3D фильм стать мейнстримом в театрах. Процесс производства и визуальный стиль CGI идеально подходят для 3D-просмотра, намного больше, чем традиционные стили и методы анимации. Однако многие традиционно анимационные фильмы могут быть очень эффективными в 3D. Disney успешно выпустила 3D-версию Король Лев в 2011 г., затем Красавица и Чудовище в 2012 году. Планируемая 3D версия Русалочка был отменен, когда Красавица и Чудовище и два фильма Pixar, преобразованные в 3D, не имели успеха в прокате.^[109]

Дисней-Pixar

Disney начала производить собственные компьютерные анимационные ролики в 3D-стиле с Динозавр и Цыпленок Цыпа, но продолжал делать анимированные элементы в традиционном стиле: Новый ритм Императора (2000), Атлантида: Затерянная Империя (2001), Лило и Стич (2002), Планета сокровищ (2002), Брат медведь (2003) и Дом на полигоне (2004).

Планета сокровищ и Дом на полигоне были большими провалами при большом бюджете, и казалось, что Дисней будет продолжать заниматься только компьютерной 3D-анимацией. Финансовый анализ 2006 года показал, что Disney фактически потеряла деньги на своих анимационных проектах за предыдущие десять лет.^[110] Между тем, CGI-функции Pixar показали себя очень хорошо. Чтобы изменить ситуацию, Disney приобрела Pixar в 2006 году и предоставила творческий контроль над Pixar и Анимационные студии Уолта Диснея в руках Pixar Джон Лассетер в рамках сделки. Студии останутся отдельными юридические лица. Под руководством Лассетера студия Disney разрабатывала анимационные проекты как в традиционном, так и в трехмерном стиле.

Театральная короткометражка Как подключить домашний кинотеатр (2007) проверили, можно ли использовать новые процессы безбумажной анимации для создания образа, похожего на мультфильмы 1940-х и 1950-х годов, когда Гуфи вернулся к своему "Каждый человек«Роль в его первом сольном выступлении за 42 года.

Рон Клементс и Джон Маскерособенность Принцесса и лягушка (2009) имел умеренный коммерческий успех и успех у критиков, но не стал хитом возвращения традиционных функций, на который надеялась студия. Его предполагаемую неудачу в основном обвиняли в использовании слова «принцесса» в названии, заставляя потенциальных зрителей думать, что это было только для маленьких девочек и старомодно.

Винни-Пух (2011) получил положительные отзывы, но потерпел неудачу в прокате и стал последней традиционной картиной Disney на сегодняшний день. Замороженный (2013) изначально задумывался в традиционном стиле, но перешел на 3D CGI, чтобы обеспечить создание определенных необходимых визуальных элементов, и стал самым большим хитом Disney в то время, превзойдя оба Король Лев и История игрушек 3 как самый кассовый анимационный фильм всех времен. Он получил первую премию студии «Оскар» за лучший анимационный фильм.

Аниме

За пределами Северной Америки рисованная анимация продолжала пользоваться большей популярностью. В частности, в Японии, где традиционно стилизованное аниме все еще было доминирующей техникой. Популярность аниме продолжала расти внутри страны: в 2015 году по телевидению показали рекордные 340 аниме-сериалов, а также на международном уровне. Toonami блок на Cartoon Network (1997–2008) и Взрослый плавать (с 2012 года) и с потоковыми сервисами, такими как Netflix и Amazon Prime лицензирование и производство все большего количества аниме.

Ghibli продолжила свой огромный успех, создав модель Миядзаки. Унесенные призраками (2001), ハ ウ ル の 動 く 城 (Движущийся замок Хаула) (2004), 崖 の 上 の ポ ニ ョ (Поньо) (2008) и 風 立 ち ぬ (Ветер поднимается) (2013) и Хиромаса Ёнебаяси借 り ぐ ら し の ア リ エ ッ テ ィ (Тайный мир Арриетти) (2010), все они собрали более 100 миллионов долларов по всему миру и входят в десятку лучших самые кассовые аниме-фильмы за все время (по состоянию на 2020 год). Такахаты か ぐ や 姫 の 物語 (Сказка о царевне Кагуя) (2013) был номинирован на «Оскар» за лучший анимационный полнометражный фильм «Оскар» и на множество других наград.

Макото Синкай направленный 君 の 名 は。 (Ваше имя) (2016 год, самый кассовый аниме-фильм всех времен в мире) и 天 気 の 子 (Выветривание с тобой) (2019).

Сравнение с остановкой движения

После новаторской работы таких, как Дж. Стюарт Блэктон, Segundo de Chomón и Артур Мельбурн-Купер, остановка движения стала ветвью анимации, которая была гораздо менее доминирующей, чем рисованная анимация и компьютерная анимация. Тем не менее, было много успешных фильмов и телесериалов. Среди аниматоров, чьи работы с анимированными куклами получили наибольшее признание, есть Владислав Старевич, Джордж Пал и Генри Селик. Популярные названия, использующие анимированная глина включают Гамби (1953), Мио Мао (1970), Красный и синий (1976), Пингу (1990-2000) и многие Мультфильмы Aardman постановки (Превращаться (1977) и Уоллес и Громит (1989)).

В руках влиятельных кинематографистов, таких как Ян Сванкмайер и Brothers Quay, остановка движения была высокохудожественным средством.Помимо абстрактной анимации, абсолютный фильм и прямая анимация, (образная) рисованная анимация относительно реже связана с художественным использованием.

До тех пор, пока в значительной степени не были заменены компьютерными анимационными эффектами, покадровая анимация также была популярной техникой для создания спецэффектов в фильмах с живым действием. Пионер Уиллис О'Брайен и его протеже Рэй Харрихаузен анимировал множество монстров и существ для живых голливудских фильмов, используя модели или куклы с арматурой. Для сравнения, рисованная анимация относительно часто сочетается с живым действием, но обычно очевидным образом и часто используется как удивительный трюк, объединяющий «реальный» мир и мир фантазий или грез. Лишь изредка рисованная анимация использовалась в качестве убедительных спецэффектов (например, в кульминации Горец (1986)).

Сравнение с вырезанной анимацией

Техника вырезания относительно часто использовалась в анимационных фильмах, пока целая анимация не стала стандартным методом (по крайней мере, в Соединенных Штатах). Самые ранние полнометражные мультфильмы Квирино Кристиани и Лотте Рейнигер были анимационными вырезками.

До 1934 года японская анимация в основном использовала технику вырезания, а не целлулоид, потому что целлулоид был слишком дорогим.^[111][112]

Поскольку вырезы часто рисовались вручную, а некоторые постановки сочетают в себе несколько методов анимации, анимация вырезов иногда может выглядеть очень похожей на рисованную традиционную анимацию.

Хотя иногда используется как простой и дешевый метод анимации в детских программах (например, в Ивор Двигатель), анимация вырезок оставалась относительно художественной и экспериментальной средой, например, в руках Гарри Эверетт Смит, Терри Гиллиам и Джим Блашфилд.

Сегодня анимация в стиле вырезки часто создается с использованием компьютеры, со сканированными изображениями или векторная графика вместо физически разрезанных материалов. Южный парк является ярким примером перехода, поскольку его пилотный эпизод был сделан с вырезками из бумаги до перехода на компьютерное программное обеспечение. Сходный стилистический выбор и смешение различных техник компьютерной анимации усложнили различие между «традиционным», вырезанным и Flash анимация стили.

Компьютерная анимация

Ранние эксперименты с компьютерами для создания (абстрактных) движущихся изображений проводились с 1940-х годов.

Самая ранняя известная интерактивная электронная игра была разработана в 1947 году, открыв путь для среды, которую можно рассматривать как интерактивную ветвь компьютерной анимации (которая сильно отличается от анимационных фильмов).

9 ноября 1961 года по шведскому национальному телевидению была показана короткая векторная анимация автомобиля, едущего по запланированному шоссе.

В 1968 году советские физики и математики создали математическую модель движения кошки, по которой сняли короткометражный анимационный фильм.

В 1971 году была продана первая коммерческая (монетная) видеоигра. В следующем году Понг к Atari, Inc., с очень простой двухмерной графикой, имел огромный успех.

С 1970-х годов обработка цифровых изображений и компьютерные изображения, в том числе ранние 3D каркасная модель анимации, иногда использовались в рекламных роликах, а также для представления футуристических компьютерных технологий в крупных голливудских постановках (включая Звездные войны).

С 1974 г. СИГГРАФ конвенции были организованы для демонстрации текущих разработок и новых исследований в области компьютерной графики.

3D-анимация начала оказывать большее влияние на культуру в 1980-х годах, что было продемонстрировано, например, в фильме 1982 года. Трон и музыкальное видео для Деньги ни за что (1985) от Dire Straits. Эта концепция даже породила популярную искусственную 3D-анимацию. AI персонаж: Макс..

В течение 1990-х годов 3D-анимация становилась все более популярной, особенно в видеоиграх, и в конечном итоге в 1995 году произошел большой прорыв. Pixarхудожественный фильм хит История игрушек.

Более или менее фотореалистичная 3D-анимация используется для спецэффектов в рекламе и фильмах с 1980-х годов. Эффекты прорыва были замечены в Терминатор 2: Судный день (1991) и парк Юрского периода (1993). С тех пор методы развились до такой степени, что разница между компьютерной графикой и реальной кинематографией редко бывает очевидной. Создатели фильмов могут легко смешивать оба типа изображений с виртуальная кинематография. Матрица (1999) и два его продолжения обычно рассматриваются как прорывные фильмы в этой области.

Из-за сложности функций человеческого тела, эмоций и взаимодействий фильмы с важными ролями полностью 3D-анимированных реалистичных человеческих персонажей были редкостью. Чем реалистичнее становится компьютерный персонаж, тем сложнее создать нюансы и детали живого человека и тем больше вероятность того, что персонаж попадет в сверхъестественная долина. Фильмы, в которых пытались создать реалистично выглядящих людей, включают: Final Fantasy: Духи внутри в 2001, Последняя фантазия: Дети пришествия в 2005 году, Полярный экспресс в 2004 г. Беовульф в 2007 году и Обитель зла: дегенерация в 2009.

Создание виртуальные миры позволяет в реальном времени анимация в виртуальная реальность, среда, с которой экспериментируют с 1962 года, и коммерческие развлекательные приложения начали появляться в 1990-х.

В первые десятилетия 21-го века методы компьютерной анимации постепенно стали намного более распространенными, чем традиционная чел-анимация. Чтобы воссоздать столь ценимый вид традиционной анимации для методов 3D-анимации, Cel-затенение техники были разработаны. Истинное затенение в реальном времени было впервые представлено в 2000 г. Segaс Jet Set Radio для них Dreamcast консоль.

Впервые в анимации

Эта секция возможно содержит оригинальные исследования. Пожалуйста Улучши это к проверка заявленные претензии и добавление встроенные цитаты. Заявления, содержащие только оригинальные исследования, следует удалить. (Сентябрь 2016) (Узнайте, как и когда удалить этот шаблон сообщения)

Другие события по регионам

Америка

История кубинской анимации

• 1970: Хуан Падрон создает характер Эльпидио Вальдес, звезда многолетней серии короткометражных фильмов и двух кинофильмов.
• 1985: Хуан Падрон ¡Vampiros en la Habana!
• 1992: Категория анимации добавлена ​​в Международный фестиваль латиноамериканского кино-дель-Нуэво.

История мексиканской анимации

• 1935: Альфонсо Вергара производит Paco Perico en Premier, короткометражный анимационный фильм.
• 1974: Фернандо Руис производит Лос Трес Рейес Магос, Первый полнометражный анимационный фильм Мексики.
• 1977: Ануар Бадин создает фильм Лос суперсабиос, по мотивам комикса.
• 1983: Рой дель Эспасио
• 2003: Ánima Estudios релизы Магос у гигантов полнометражный мексиканский анимационный фильм после многих лет перерыва в индустрии страны.

Современная анимация в США (С 1986 г. по настоящее время)

• Успех мультсериала Disney: День Диснея (1985–1997).
• Стивен Спилбергсотрудничество с Warner Bros. Animation (1990–1999).
• Упадок субботних утренних мультфильмов в 1990-е годы.
• Cartoon Networkблок ночной анимации Взрослый плавать становится чрезвычайно популярным и приводит к возрождению короткой анимации для взрослых.
• Фильмы «Возрождение Диснея» (2009-2018).

Европа

История эстонской анимации

Эстонская анимация началась в 1930-х годах и продолжается до наших дней.^[119]

• 1931 – Приключения пса Джуку, первый эстонский короткометражный анимационный фильм
• 1950-е годы - основание отдела кукольной анимации Таллиннфильм к Эльберт Туганов
• 1970-е годы - основание отдела рисованной анимации, Joonisfilm, к Рейн Раамат

История итальянской анимации

• 1914: Первое использование покадровой анимации в качестве спецэффектов в Кабирия
• 1936: Приключения Пиноккио, незавершенный, рассмотренный потерял
• 1949: Выходят первые два итальянских мультфильма: La Rosa di Bagdad режиссер Антон Джино Доменегини и Братья Динамит Режиссер Нино Пагот
• 1962: Итальянский анимационный мультфильм и индустрия (La Linea, Мио Мао, Калимеро...) родился.
• 1977: анимационная итальянская классика, Allegro non troppo, является одновременно пародией и данью уважения к Disney Фантазия; это директор Бруно Бозцеттосамая амбициозная работа и его третья полнометражная анимация после Вест и Сода, анимированный спагетти вестерн, и VIP мой брат Супермен, пародия на супергероев, хотя он также поставил несколько заметных более коротких работ, включая Г-н Росси и номинированный на "Оскар" Кузнечики (Каваллетт).^[120]
• 2001: Волшебный цветок, пилот для Винкс клуб
• 2004: Винкс клуб, произведено Rainbow S.p.A.
• 2009: Хунтик: секреты и искатели
• 2016: Королевская академия

История анимации в Хорватии (в бывшей Югославии)

• 1953: Загреб Фильм открывает Загреб школа анимации.
• 1975: Škola Animiranog Filma Čakovec (ŠAF) открывает Чаковец школа анимации.

Азия

Океания

История австралийской анимации

Видеть: Логика животных, Йорам Гросс, Flying Bark Productions

• 1977: Точка и кенгуру
• 1979: Маленький заключенный
• 1982: Седьмой матч (также известен как Сара)
• 1984: Мальчик-верблюд
• 1984: Эпический: Дни динозавров (также известен как ЭПИЧЕСКИЙ)
• 1991: Волшебная загадка
• 1992: Блинки Билл: озорная коала
• 1992: FernGully: Последний тропический лес
• 2000: Волшебный пудинг (2000)
• 2006: Счастливые ноги (совместное производство с Америкой)

История новозеландской анимации

Видеть: Weta Digital

• 1986: Footrot Flats: Собачья сказка
• 2015: 25 апреля

Средства массовой информации

• Воспроизвести медиа

  1921 г. продолжение к Уинзор Маккей"s"Герти динозавр", 1914 г., первый мультфильм с индивидуальной анимацией.

Примечания

Рекомендации

Цитаты

Процитированные работы

внешняя ссылка

• Ллевеллин, Ричард (2013). "Хронология анимации Введение". Анимированные Дивоты Ричарда.
• «Список анимационных фильмов, произведенных в Европе». Анимация Европа.
• Герберт, Стивен. «Анимация перед фильмом». Колесо Жизни.