WikiDer > Барочная музыка

Baroque music
Барочная музыка
Клавесин VitalJulianFrey.jpg
Клавесин с двойным ручным управлением Виталия Джулиана Фрея по мотивам Жан-Клода Гужона (1749)
Культурное происхождение16–17 века, Европа
Другие темы
Инструменты барокко
Периоды, эпохи и движения
Западная классическая музыка
Ранний период
Средневековая эпоха c. 500–1400
 • Ars antiqua c. 1170–1310
 • Арс Нова c. 1310–1377
 • Ars subtilior c. 1360–1420
Эпоха Возрождения c. 1400–1600
Период общей практики
Эпоха барокко c. 1580–1750
 • Позднее барокко c. 1680–1750
Галант музыка c. 1720–1780
 • empfindsamer Stil c. 1740–1780 гг.
Классическая эпоха c. 1750–1820
 • Мангеймская школа c. 1740–1770 гг.
 • Буря и натиск c. 1770-е годы
Романтическая эпоха c. 1800–1910
Конец 19 века до 20-й и 21 века
Модернизм c. 1890–1975
 • Импрессионизм c. 1890–1930
 • Экспрессионизм c. 1900–1930
 • 2-я венская школа c. 1900–1960
 • Неоклассицизм c. 1920–1950
 • Сериализм c. 1920–1975
Современный от c. 1950
 • Минимализм от c. 1960
 • Постмодернизм от c. 1960-е
 • Постминимализм от c. 1980

Барочная музыка (Великобритания: /бəˈрɒk/ или НАС: /бəˈрoʊk/) - период или стиль вестерн художественная музыка составлен примерно с 1600 по 1750 год.[1] Эта эпоха последовала за Эпоха ренессансной музыки, а затем последовал Классическая эпоха, с галантный стиль знаменующий переход между эпохами барокко и классицизма. Период барокко делится на три основных этапа: ранний, средний и поздний. Пересекаясь во времени, они условно датируются периодом с 1580 по 1650 год, с 1630 по 1700 год и с 1680 по 1750 год. Музыка барокко составляет основную часть "классическая музыка" каноник, и сейчас широко изучается, исполняется и слушается. Период, термин "барокко"происходит от португальского слова Barroco, смысл "деформированная жемчужина".[2] Ключевые композиторы эпохи барокко включают Иоганн Себастьян Бах, Антонио Вивальди, Георг Фридрих Гендель, Клаудио Монтеверди, Доменико Скарлатти, Алессандро Скарлатти, Генри Перселл, Георг Филипп Телеманн, Жан-Батист Люлли, Жан-Филипп Рамо, Марк-Антуан Шарпантье, Арканджело Корелли, Франсуа Куперен, Джузеппе Тартини, Генрих Шютц, Дитерих Букстехуде, и другие.

В период барокко были созданы обычная практика тональность, подход к написанию музыки, в котором песня или отрывок написаны на определенном ключ; Этот тип гармония продолжает широко использоваться в западной классике и популярная музыка. В эпоху барокко от профессиональных музыкантов ожидали совершенства. импровизаторы как сольных мелодических линий, так и сопровождение части. Концерты в стиле барокко обычно сопровождались бассо континуо группа (состоящая из инструменталистов, играющих на аккордах, таких как клавесинисты и лютня исполнители импровизируют аккорды из фигурный бас партия), а группа басовых инструментов -виолончель, виолончель, контрабас- играл басовая линия. Характерной формой барокко была танцевальная сюита. В то время как пьесы в танцевальной сюите были вдохновлены настоящей танцевальной музыкой, танцевальные сюиты были разработаны исключительно для прослушивания, а не для сопровождения танцоров.

В течение этого периода композиторы экспериментировали с поиском более полного звука для каждой инструментальной партии (таким образом создавая оркестр).[2] внесены изменения в нотную запись (развитие фигурного баса как быстрого способа нотной записи аккордная прогрессия песни или пьесы) и разработали новые инструментальные техники игры. Музыка барокко расширила размер, диапазон и сложность инструментального исполнения, а также установила смешанные вокально-инструментальные формы опера, кантата и оратория и инструментальные формы соло концерт и соната как музыкальные жанры. Плотный, сложный полифонический музыка, в которой одновременно исполнялись несколько независимых мелодических линий (популярным примером этого является фуга), был важной частью многих хоровых и инструментальных произведений в стиле барокко. В целом музыка барокко была средством выражения и общения.[1]

Этимология

Иоганн Себастьян Бах, 1748

Термин «барокко» обычно используется историками музыки для описания широкого диапазона стилей из широкого географического региона, в основном в Европе, созданных за период примерно 150 лет.[1] Хотя долгое время считалось, что это слово как критический термин впервые было применено к архитектуре, на самом деле оно появилось раньше в отношении музыки в анонимном сатирическом обзоре премьеры романа Рамо в октябре 1733 года. Ипполит и Ариси, напечатано в Mercure de France в мае 1734 года. Критик намекал, что новинка этой оперы - «дюбарок», жалуясь на то, что в музыке отсутствует связная мелодия, она наполнена непрекращающимися диссонансами, постоянно меняет тональность и размер и быстро проходит через все композиционные приемы.[3]

Жан-Жак Руссо, который был музыкантом, композитором и философом, писал в 1768 году в Энциклопедия: «Музыка барокко - это музыка, в которой гармония смешана и наполнена модуляциями и диссонансами. Пение резкое и неестественное, интонация сложная, а движения ограничены. Похоже, этот термин происходит от слова« бароко », используемого логиками. . "[4] Руссо имел в виду философский термин бароко, используется с 13 века для описания типа сложных и, по мнению некоторых, излишне сложных научных аргументов.[5][6]

Систематическое применение историками термина «барокко» к музыке этого периода произошло относительно недавно. В 1919 г. Курт Сакс стал первым, кто применил пять характеристик Генрих ВельфлинРусская теория барокко систематически к музыке.[7] Критики поспешили поставить под сомнение попытку перенести категории Вёльфлина в музыку, и во второй четверти 20 века независимые попытки были предприняты Манфред Букофзер (в Германии и, после иммиграции, в Америке) и Сюзанн Клеркс-Лежен (в Бельгии), чтобы использовать автономный технический анализ, а не сравнительные абстракции, чтобы избежать адаптации теорий, основанных на пластические искусства и литература к музыке. Все эти усилия привели к заметным разногласиям по поводу временных границ периода, особенно относительно того, когда он начался. В английском языке термин приобрел валюту только в 1940-х годах в трудах Букофцера и Пол Генри Лэнг.[1]

Еще в 1960 году в академических кругах, особенно во Франции и Великобритании, все еще велись серьезные споры о том, имеет ли смысл объединять музыку столь же разнообразную, как музыка Якопо Пери, Доменико Скарлатти, и Иоганн Себастьян Бах под единой рубрикой. Тем не менее, этот термин стал широко использоваться и применяться для этого широкого диапазона музыки.[1] Может быть полезно отличить барокко как от предшествующего (Возрождения), так и от последующего (Классический) периоды музыкальной истории.

История

На протяжении всей эпохи барокко в Италии зарождались новые музыкальные разработки, после чего потребовалось до 20 лет, прежде чем они получили широкое распространение в остальной части Европы. Западная классическая музыка практика. Например, итальянские композиторы перешли на галантный стиль около 1730 г., в то время как немецкие композиторы, такие как Иоганн Себастьян Бах в основном продолжал писать в стиле барокко до 1750 года.[8][9]

Фазы музыки барокко[8][9]
ПодпериодНачнитеКонецВ ИталииВ другом месте
Раннее барокко1580–16001630–1650
Среднее барокко1630–16501680–1700
Позднее барокко1680–17001730–1750

Музыка раннего барокко (1580–1650)

Дальнейшая информация: Переход от ренессанса к барокко в инструментальной музыке
Клаудио Монтеверди в 1640 г.

В Флорентийская камерата была группой гуманистов, музыкантов, поэтов и интеллектуалов во Флоренции позднего Возрождения, которые собрались под покровительством графа Джованни де Барди обсуждать и направлять тенденции в искусстве, особенно в музыке и драма. Что касается музыки, они основывали свои идеалы на восприятии классики (особенно древнегреческий) музыкальная драма, ценящая дискурс и ораторское искусство.[10] Соответственно, они отвергли использование их современниками полифония (несколько независимых мелодических линий) и инструментальной музыки, а также обсудили такие древнегреческие музыкальные приемы, как монодия, который состоял из сольного пения в сопровождении Китара (старинный струнный инструмент).[11] Ранние реализации этих идей, в том числе Якопо Перис Дафне и L'Euridice, положил начало опере,[12] который стал катализатором для музыки барокко.[13]

Что касается теории музыки, более широкое использование фигурный бас (также известен как основательный бас) представляет развивающуюся важность гармония как линейные основы полифонии.[14] Гармония - это конечный результат контрапункт, а фигурный бас - визуальное представление тех гармоний, которые обычно используются в музыкальном исполнении. При фигурном басе цифры, случайности или символы располагались над басовая линия это было прочитано клавишный инструмент такие игроки как клавесин игроки или трубочные органисты (или лютнисты). Цифры, случайные символы или символы указывают клавишнику, с какими интервалами следует играть над каждой басовой нотой. Клавишник бы импровизировать а аккордовое озвучивание для каждой басовой ноты.[15] Композиторы начали заниматься гармонические прогрессии,[16] а также использовали тритон, воспринимаемый как нестабильный интервал,[17] для создания диссонанса (его использовали в доминирующий седьмой аккорд и уменьшенный аккорд). Интерес к гармонии существовал также среди некоторых композиторов эпохи Возрождения, особенно среди композиторов. Карло Джезуальдо;[18] Однако использование гармонии, направленной на тональность (акцент на музыкальном ключ который становится "домашней нотой" произведения), а не модальность, знаменует переход от эпохи Возрождения к эпохе барокко.[19] Это привело к мысли, что определенные последовательности аккордов, а не просто ноты, могут дать ощущение закрытие в конце изделия- одна из фундаментальных идей, получившая название тональность.[нужна цитата]

Включив эти новые аспекты композиции, Клаудио Монтеверди способствовал переходу от стиля музыки Возрождения к стилю музыки периода барокко. Он разработал два самостоятельных стиля композиции - наследие ренессансной полифонии (prima pratica) и новый бассо континуо техника барокко (Seconda Pratica). На бассо континуо небольшая группа музыкантов играла басовая линия и аккорды, составляющие аккомпанемент для мелодия. Группа бассо континуо обычно использует одного или нескольких клавишников и лютня игрок, который играл бы басовую линию и импровизировал аккорды и несколько басовых инструментов (например, бас-виолончель, виолончель, контрабас), который будет играть басовую линию. С написанием оперы L'Orfeo и L'incoronazione di Poppea Среди прочего, Монтеверди привлек значительное внимание к этому новому жанру.[20] Этот венецианский стиль легко перенесли в Германию Генрих Шютц, чей разнообразный стиль также развился в последующий период.

Идиоматические инструментальные текстуры становились все более заметными. В частности, стиль люте- нерегулярное и непредсказуемое разделение аккордовых последовательностей, в отличие от регулярного формирования разорванных аккордов, - с начала 20 века именуемое стиль бризе, была создана как постоянная структура во французской музыке Роберт Баллард,[21][22] в его лютневых книгах 1611 и 1614 годов, а также Эннемон Готье.[23] Эта идиоматическая форма лютни позже была перенесена на клавесин, например, в клавишную музыку Луи Куперен и Жан-Анри Д'Англьбер, и продолжал оказывать важное влияние на клавишную музыку на протяжении 18 и начала 19 веков (например, в музыке Иоганн Себастьян Бах и Фредерик Шопен).[22]

Музыка среднего барокко (1630–1700)

Возникновение централизованного суда - одна из экономических и политических особенностей того, что часто называют Возраст абсолютизмав лице Людовик XIV Франции. Стиль дворца, а также придворная система нравов и искусств, которую он воспитал, стали образцом для остальной Европы. Реалии растущего церковного и государственного патронажа создали спрос на организованную общественную музыку, поскольку растущая доступность инструментов создала спрос на камерная музыка, музыка для небольшого ансамбля инструменталистов.[24]

Жан-Батист Люлли от Поль Миньяр

Один из выдающихся примеров композитора придворного стиля - это Жан-Батист Люлли. Он приобрел у монархии патенты, чтобы быть единственным композитором опер для французского короля и не допускать постановки опер другими. Написал 15 лирических трагедий и оставил незаконченными. Ахилл и Поликсена.[25] Люлли был ранним примером дирижер; он выигрывал время с большим коллективом, чтобы держать свои ансамбли вместе.

В музыкальном плане он не установил для оркестров нормы с преобладанием струнных инструментов, унаследованной от итальянской оперы, и характерно Французская пятичастная диспозиция (скрипки, альты - в размерах hautes-contre, tailles и quintes - и бас скрипки) использовался в балете со времен Людовика XIII. Однако он ввел этот ансамбль в лирический театр, где верхние партии часто дублировались флейтами, флейтами и гобоями, а бас - фаготами. Трубы и литавры часто добавлялись для героических сцен.[25]

Период среднего барокко в Италии определяется появлением вокальных стилей кантата, оратория, и опера в течение 1630-х годов, а также новая концепция мелодии и гармонии, которая подняла статус музыки до уровня равенства со словами, которые раньше считались выдающимися. Цветочная монодия колоратуры раннего барокко уступила место более простому, более отполированному мелодическому стилю. Эти мелодии были построены из коротких, каденциально ограниченных идей, часто основанных на стилизованных танцевальных узорах, взятых из Сарабанда или курант. Гармонии также могут быть проще, чем в монодии раннего барокко, чтобы показать более легкую экспрессию на струнах и крещендо и диминуэндо на более длинных нотах. Сопровождающие басовые партии были более интегрированы с мелодией, производя контрапунктную эквивалентность частей, что позже привело к устройству начального басового предвкушения мелодии арии. Это гармоническое упрощение также привело к новому формальному способу дифференциации речитатив (более разговорная часть оперы) и ария (часть оперы с исполненными мелодиями). Самыми важными новаторами этого стиля были римляне. Луиджи Росси и Джакомо Кариссими, которые были прежде всего составителями кантат и ораторий соответственно, а венецианские Франческо Кавалли, который был главным оперным композитором. Позднее важные практики этого стиля включают Антонио Чести, Джованни Легренци, и Алессандро Страделла.[26]

Арканджело Корелли помнят как влиятельный за его достижения по другую сторону музыкальной техники - в качестве скрипача, организовавшего скрипичную технику и педагогику, - и в чисто инструментальной музыке, особенно за его пропаганду и развитие концерт гроссо.[27] В то время как Люлли устроился при дворе, Корелли был одним из первых композиторов, которые широко публиковались и исполняли свою музыку по всей Европе. Как и в случае со стилизацией и организацией оперы Люлли, концерт гроссо построен на сильных контрастах - разделы чередуются между тем, что играет весь оркестр, и тем, что играет меньшая группа. Динамика была «террасированной», то есть с резким переходом от громкого к тихому и обратно. Быстрые и медленные участки противопоставлялись друг другу. Среди его учеников числится Антонио Вивальди, который позже составил сотни работ, основанных на принципах Корелли. трио-сонаты и концерты.[27]

В отличие от этих композиторов, Дитерих Букстехуде не был придворным, а вместо этого был церковным музыкантом, занимал должности органиста и веркмейстера в Мариенкирхе в Любеке. В его обязанности как Werkmeister входило выполнение функций секретаря, казначея и бизнес-менеджера церкви, в то время как его должность органиста включала исполнение всех основных служб, иногда в сотрудничестве с другими инструменталистами или вокалистами, которым также платила церковь. Совершенно вне своих официальных церковных обязанностей он организовал и руководил серией концертов, известной как Abendmusiken, в котором были исполнены духовные драматические произведения, которые современники считали эквивалентом опер.[28]

Франция:

Музыка позднего барокко (1680–1750)

Георг Фридрих Гендель
Основная статья: Позднее барокко (музыка)

Работы Джорджа Фридриха Генделя, Иоганна Себастьяна Баха и их современников, в том числе Доменико Скарлатти, Антонио Вивальди, Жан-Филипп Рамо, Георг Филипп Телеман и другие продвинули эпоху барокко до ее апогея.[33]

  • a.k.a. Высокое барокко

Начало

Италия:

Франция:

Более широкое принятие

Италия:

Распространение:

Франция:

Центральная Европа:

Переход к классической эпохе

Галант музыка:

Старшие сыновья Баха и зрачки:

Мангеймская школа:


Хронология композиторов

Смотрите также: Список композиторов эпохи барокко
Джованни Баттиста ПерголезиБальдассаре ГалуппиКарлос СейшасИоганн Адольф ХассеРиккардо БроскиИоганн Иоахим КуантцПьетро ЛокателлиДжузеппе ТартиниЛеонардо ВинчиИоганн Фридрих ФашФранческо БлизнецыНикола ПорпораСильвиус Леопольд ВайсГеорг Фридрих ГендельДоменико СкарлаттиИоганн Себастьян БахИоганн Готфрид ВальтерЖан-Филипп РамоИоганн Давид ХайнихенГеорг Филипп ТелеманнЯн Дисмас ЗеленкаАнтонио ВивальдиТомазо АльбинониИоганн Каспар Фердинанд ФишерАнтонио КалдараФрансуа КуперенАлессандро СкарлаттиГенри ПерселлМарин МарэАрканджело КореллиИоганн ПахельбельГенрих Игнац БиберДитерих БукстехудеМарк Антуан ШарпантьеЖан-Батист ЛюллиЖан-Анри д'АнгльберИоганн Генрих ШмельцерБарбара СтроцциИоганн Якоб ФробергерДжакомо КариссимиАнтонио БерталиУильям ЛозФранческо КаваллиСэмюэл ШайдтГенрих ШютцДжироламо ФрескобальдиГрегорио АллегриКлаудио МонтевердиЯн Питерсун СвелинкЯкопо Пери

Инструменты

Смотрите также: Список инструментов периода и Инструменты барокко

Струны

Барочные инструменты, в том числе циттерн, ладовая пяти- или шестиструнная виолончель, скрипка и две лютни

Деревянные духовые

Латунь

Клавиатуры

Перкуссия

Стили и формы

Танцевальная сюита

Смотрите также: Сюита (музыка) § Танцевальная сюита
Выступление крупного инструментального ансамбля в роскошном Театр Аргентина, как изображено Панини (1747)

Характерной чертой формы барокко была танцевальная сюита. Немного танцевальные сюиты Баха называются партиты, хотя этот термин используется и для других коллекций предметов. В то время как пьесы в танцевальной сюите были вдохновлены настоящей танцевальной музыкой, танцевальные сюиты были разработаны для прослушивания, а не для сопровождения танцоров. Композиторы использовали самые разные танцевальные движения в своих танцевальных сюитах. Танцевальная сюита часто состоит из следующих движения:

  • Увертюра - Сюита в стиле барокко часто начиналась с французской увертюры («Ouverture» по-французски), медленной части, за которой следовала череда танцев разных типов, в основном следующих четырех:
  • Allemande - Часто первый танец инструментальной сюита, аллеманда был очень популярным танцем, возникшим в немецком эпоха Возрождения эпоха. Аллеманда игралась на умеренной темп и мог начать с любого удара такта.[36]
  • Courante - Второй танец - это куранте, живой французский танец в тройной метр. Итальянский вариант называется корренте.[нужна цитата]
  • Сарабанда - Сарабанда, испанский танец, является третьим из четырех основных танцев и одним из самых медленных танцев в стиле барокко. Он также трехметровый и может начинаться с любой доли такта, хотя акцент делается на второй доле, создавая характерный «остановочный» или ямбический ритм сарабанды.[36]
  • Жига - Жига - это приподнятый и живой танец в стиле барокко в сложном метре, обычно завершающая часть инструментальной сюиты и четвертый из ее основных танцевальных типов. Жига может начинаться с любой доли такта и легко узнаваема по ее ритмичности. Жига возникла в Британские острова. Его аналог в Народная музыка это джиг.[36]

Эти четыре типа танца (аллеманда, куранте, сарабанда и жига) составляют большинство сюит 17-го века; более поздние сюиты включают один или несколько дополнительных танцев между сарабандой и жигой:

  • Гавот - Гавот можно идентифицировать по множеству характеристик; он находится в 4
    4     время и всегда начинается с третьей доли такта, хотя в некоторых случаях это может звучать как первая доля, поскольку первая и третья доли являются сильными долями в учетверенном времени. На гавоте играют в умеренном темпе, хотя в некоторых случаях на нем можно играть и быстрее.[нужна цитата]
  • Бурре - Бурре похож на гавот, как в 2
    2     время, хотя он начинается во второй половине последней доли такта, создавая иное ощущение танца. Бурре обычно играет в умеренном темпе, хотя некоторые композиторы, такие как Гендель, могут играть в гораздо более быстром темпе.[2]
  • Менуэт - Менуэт, пожалуй, самый известный из танцев барокко в тройном метре. Он может начинаться с любой доли такта. В некоторых сюитах могут быть последовательно играемые менуэт I и II с повторением первого менуэта.[нужна цитата]
  • Passepied - Паспиэ - это быстрый танец в двоичной форме и тройном метре, возникший как придворный танец в Бретань.[37] Примеры можно найти в более поздних наборах, таких как Баха и Генделя.[нужна цитата]
  • Ригодон - Ригодон - это живой французский танец в два метра, похожий на бурре, но ритмически более простой. Он возник как семейство тесно связанных южно-французских народных танцев, традиционно связанных с провинциями Ваварэ, Лангедок, Дофине, и Прованс.[38]

Кроме того, есть множество других танцевальных форм, а также другие произведения, которые могут быть включены в сюиту, например Полонез, Loure, Скерцо, Воздуха, так далее.

Другие преимущества

  • Прелюдия - сюиту можно начинать с прелюдии, медленной пьесы, написанной в импровизационной манере. Некоторые прелюдии в стиле барокко не были полностью написаны; вместо этого была указана последовательность аккордов с ожиданием, что инструменталист сможет импровизировать мелодическую партию, используя указанную гармоническую структуру. Прелюдия не была основана на каком-то танце.
  • Entrée - Иногда блюдо составляется как часть сюиты; но там это чисто инструментальная музыка и никаких танцев не исполняется. Это вступление, пьеса, напоминающая марш, которую исполняют перед выступлением танцевальной группы или перед балетом. Обычно в 4
    4     время. Относится к итальянскому «интрада».
  • Бассо континуо - своего рода непрерывный аккомпанемент с нотами новой системы нотной записи, фигурный бас, обычно для одного или нескольких басовых инструментов (например, виолончель) и один или несколько инструментов для игры на аккордах (например, клавишные инструменты, такие как клавесин, орган или лютня)
  • В концерт (сольное произведение в оркестровом сопровождении) и концерт гроссо
  • Монодия - отросток песни[нужна цитата]
  • Гомофония - музыка с одним мелодичным голосом и ритмически подобным (и подчиненным) аккордовым сопровождением (это и монодия контрастируют с типичным ренессансным) текстура, полифония)[39]
  • Драматические музыкальные формы, такие как опера, драма на музыку[40]
  • Комбинированные инструментально-вокальные формы, такие как оратория и кантата,[40] оба использовали певцов и оркестр
  • Новые инструментальные техники, например тремоло и пиццикато[40]
  • В да капо ария «пользовался уверенностью».[нужна цитата]
  • В риторнель ария - многократные короткие инструментальные перерывы вокальных пассажей.[41]
  • В Концертато стиль - контраст в звучании между группами инструментов.[42]
  • Обширный украшения,[43] который обычно импровизировался певцами и инструменталистами (например, трели, умершие, так далее.)

Жанры

Вокал

Инструментальная

Другой

Заметки

  1. ^ а б c d е Палиска 2001.
  2. ^ а б c Маккей и Романец 2007.
  3. ^ Палиска 1989С. 7–8.
  4. ^ Энциклопедия; Lettre sur la Musique Francaise под руководством Дени Дидро
  5. ^ Антуан Арно, Пьер Николь, La logique ou l'art de penser, Часть третья, глава VI (1662 г.) (на французском языке)
  6. ^ "BAROQUE: Etymologie de BAROQUE". www.cnrtl.fr. Получено 4 января 2019.
  7. ^ Сакс 1919С. 7–15.
  8. ^ а б Букофзер 1947 г., стр. 17ff.
  9. ^ а б Букофзер 2013, «Фазы барочной музыки» с. 26–29..
  10. ^ Nuti 2007, п. 14.
  11. ^ Валлечинский 2007, п. 445.
  12. ^ Чуа 2001, п. 26.
  13. ^ Уэйнрайт и Холман 2005, п. 4.
  14. ^ Кларк 1898С. 147–48.
  15. ^ Хаагманс 1916, п. vi.
  16. ^ Йорк 1909, п. 109.
  17. ^ Донингтон 1974, п. 156.
  18. ^ Уоткинс 1991, п. 103.
  19. ^ Нортон 1984, п. 24.
  20. ^ Картер и Чу 2013.
  21. ^ Роллин и Ледбеттер 2001.
  22. ^ а б Ледбеттер 2001.
  23. ^ Роллин 2001a.
  24. ^ Сэди 2013.
  25. ^ а б La Gorce 2001.
  26. ^ Букофзер 1947 г.С. 118–21.
  27. ^ а б Talbot 2001a.
  28. ^ Снайдер 2001.
  29. ^ Роллин 2001b.
  30. ^ Ледбеттер и Харрис 2014.
  31. ^ Фуллер 2001.
  32. ^ Фуллер и Густафсон 2001.
  33. ^ Сэди 2002.
  34. ^ Дюрр 1954 г..
  35. ^ "Muziek voor barokharp". lib.ugent.be. Получено 27 августа 2020.
  36. ^ а б c Эстрелла 2012.
  37. ^ Маленькая 2001а.
  38. ^ Маленький 2001b.
  39. ^ Хайер 2013.
  40. ^ а б c Шотвелл 2002.
  41. ^ Talbot 2001b.
  42. ^ Карвер 2013.
  43. ^ Розман 1975.

использованная литература

дальнейшее чтение

  • Кристенсен, Томас-стрит и Питер Дежанс. К тональным аспектам теории музыки барокко. Левен: Издательство Левенского университета, 2007. ISBN 978-90-5867-587-3
  • Сир, Мэри. Очерки исполнения оперы и камерной музыки в стиле барокко во Франции и Англии. Variorum собрал серию исследований, 899. Aldershot, Hants, England: Ashgate, 2008. ISBN 978-0-7546-5926-6
  • Бригадир, Эдвард. Метод бельканто, или как правильно петь музыку итальянского барокко на основе первоисточников. Шедевры ХХ века о пении, т. 12. Миннеаполис, штат Миннесота: Pro Musica Press, 2006. ISBN 978-1-887117-18-0
  • Хебсон, Одри (2012). «Танец и его значение в сюитах Баха для виолончели соло», Музыкальные предложения: Vol. 1: № 2, статья 2. Доступно на http://digitalcommons.cedarville.edu/musicalofferings/vol1/iss2/2.
  • Хоффер, Брэнди (2012). "Духовная немецкая музыка в тридцатилетней войне", Музыкальные предложения: Vol. 3: № 1, статья 1. Доступно на http://digitalcommons.cedarville.edu/musicalofferings/vol3/iss1/1.
  • Шуберт, Питер и Кристоф Нейдхёфер. Барочный контрапункт. Река Аппер Сэдл, штат Нью-Джерси: Pearson Prentice Hall, 2006. ISBN 978-0-13-183442-2
  • Шуленберг, Дэвид. Музыка барокко. Нью-Йорк: Oxford UP, 2001. ISBN 978-0-19-512232-9
  • Штауфер, Джордж Б. Новые перспективы в мире музыки барокко. Блумингтон: Издательство Индианского университета, 2006. ISBN 978-0-253-34798-5
  • Странк, Оливер. Источники чтения по истории музыки. От античности до эпохи романтики. Лондон: Faber & Faber, 1952.

внешние ссылки