WikiDer > Западная живопись - Википедия

Western painting - Wikipedia

Йоханнес Вермеерс Девушка с жемчужной сережкой (1665–1667), известный как Мона Лиза с севера.[1]
Эдуард Манес Балкон (1868)
Фрагмент картин пещер Ласко
История искусства
История искусства

История Западная живопись представляет собой непрерывную, хотя и нарушенную традицию древность до настоящего времени.[2] До середины 19-го века в первую очередь это касалось репрезентативный и Классический способы производства, после чего больше современное, Абстрактные и концептуальный формы завоевали популярность.[3]

Первоначально служившая имперскому, частному, гражданскому и религиозному покровительству, западная живопись позже нашла публику в аристократия и средний класс. От Средний возраст сквозь эпоха Возрождения художники работали на церковь и богатую аристократию.[4] Начиная с Барокко Художники эпохи получали частные заказы от более образованного и зажиточного среднего класса.[5] Идея "искусство ради искусства"[6] начали находить выражение в творчестве Романтичный художники любят Франсиско де Гойя, Джон Констебл, и Дж. М. В. Тернер.[7] В 19 веке коммерческий галереи была создана и продолжала оказывать покровительство в 20 веке.[8][9]

Западная живопись достигла своего апогея в Европе в эпоху Возрождения, в сочетании с утонченностью рисунка, использованием перспектива, амбициозная архитектура, гобелен, витраж, скульптура, а также период до и после появления печатный станок.[10] После глубины открытий и сложности нововведений эпохи Возрождения богатое наследие западной живописи продолжилось с Барокко период до Современное искусство.[11]

Предыстория

Смотрите также: Доисторическое искусство

В история живописи обращается в прошлое к артефактам доисторических художников и охватывает все культуры. Самые старые известные картины находятся в Grotte Chauvet во Франции, которому, как утверждают некоторые историки, около 32000 лет. Они выгравированы и расписаны с использованием красная охра и черный пигмент и шоу лошадей, носорогов, львов, буйволов, мамонтов или людей, часто охотящихся. Есть примеры наскальные рисунки по всему миру - во Франции, Индии, Испании, Португалии, Китае, Австралии и т. д. В разных местах, где были обнаружены картины, есть много общих тем; подразумевая универсальность цели и сходство импульсов, которые могли вдохновить художников на создание образов. Были высказаны различные предположения относительно значения этих картин для художников, создавших их. Доисторические люди могли рисовать животных, чтобы «поймать» их душа или же дух чтобы легче было на них охотиться, или картины могут представлять анимистический видение и дань уважения окружающим природа, или они могут быть результатом основной потребности выражение то есть врожденный людям, или они могут быть записями жизненного опыта художников и связанных историй от членов их круга.

Западная живопись

Основная статья: История живописи

Египет, Греция и Рим

Смотрите также: Древнее искусство

Древний Египет, цивилизация с сильными традициями архитектуры и скульптуры (обе изначально окрашены в яркие цвета), имела много фресок в храмах и зданиях и рисовала иллюстрации на папирус рукописи. Египетская настенная и декоративная роспись часто бывает графической, иногда скорее символической, чем реалистичной. На египетской живописи фигуры изображены жирным контуром и плоскими. силуэт, в котором симметрия является постоянной характеристикой. Египетская живопись имеет тесную связь со своим письменным языком, называемым Египетские иероглифы. Раскрашенные символы встречаются среди первых форм письменности. Египтяне тоже рисовали шерсть, остатки которых сохранились до наших дней. Древние египетские росписи сохранились благодаря чрезвычайно сухому климату. Древние египтяне создавали картины, чтобы загробная жизнь покойного приятное место. Темы включали путешествие по загробному миру или их защитных божеств, знакомящих мертвых с богами подземного мира. Некоторыми примерами таких картин являются изображения богов и богинь. Ра, Horus, Анубис, Орех, Осирис и Исида. Некоторые рисунки на гробницах показывают действия, в которых умершие были вовлечены, когда были живы, и хотели заниматься этим вечно. в Новое Королевство а позже Книга мертвых был похоронен вместе с погребенным. Это считалось важным знакомством с загробной жизнью.

К северу от Египет был Минойская цивилизация на острове Крит. Настенные росписи, найденные во дворце Кносс похожи на таковые из Египтяне но гораздо более свободный по стилю.

Показ фрески Аид и Персефона езда в колесница, из гробницы царицы Эвридика I Македонская в Вергина, Греция, 4 век до н.э.

Около 1100 г. до н.э. племена с севера Греции завоевали Грецию, и ее искусство приняло новое направление. Культура древняя Греция примечателен своим выдающимся вкладом в изобразительное искусство. Живопись на керамика Древней Греции и керамика дает особенно информативный взгляд на то, как функционировало общество в Древней Греции. Множество прекрасных примеров чернофигурная ваза картина и краснофигурная ваза картина все-еще существует. Некоторые известные греческие художники, работавшие над деревянными панелями и упоминаемые в текстах, Апеллес, Зевксис и Парразий; однако, за единственным исключением Панно Pitsa, не сохранились образцы древнегреческой живописи, только письменные описания их современников или более поздних римлян. Зевксис жил в V веке до нашей эры и, как говорят, был первым, кто использовал сфумато. В соответствии с Плиний Старший, реалистичность его картин была такова, что нарисованный виноград пытались съесть птицы. Апеллеса называют величайшим художником древность, и отличается безупречной техникой рисования, ярким цветом и лепкой.

Римское искусство находился под влиянием Греции и частично может считаться потомком древнегреческой живописи. Однако римская живопись имеет важные уникальные характеристики. Сохранившиеся римские картины включают настенные росписи и фрески, многие из вилл в Кампания, в Южной Италии на таких сайтах, как Помпеи и Геркуланум. Такую живопись можно сгруппировать в 4 основных стиля или периода.[13] и может содержать первые примеры trompe-l'œil, псевдоперспектива и чистый пейзаж.[14] Почти единственные сохранившиеся живописные портреты древнего мира - это большое количество гроб-портреты формы бюста, найденного в Поздний античный кладбище Аль-Файюм. Хотя они были не самого лучшего периода и не самого высокого качества, они впечатляют сами по себе и дают представление о качестве, которым должны были обладать лучшие древние произведения. Очень небольшое количество миниатюры из поздней античности также сохранились иллюстрированные книги, причем гораздо большее количество их экземпляров относится к периоду раннего средневековья.

Средний возраст

Основные статьи: Средневековое искусство, Византийское искусство, Иллюминированная рукопись, Средний возраст, и Темные века (историография)

Возникновение христианства придало другой дух и направленность стилям живописи. Византийское искусствопосле того, как его стиль был установлен в VI веке, большое внимание уделялось сохранению традиционных иконография и стиль, и постепенно развивались в течение тысячи лет Византийская империя и живые традиции греческого и русского Православный значок-картина. Византийская живопись имеет иератическое чувство, и иконы считались и до сих пор рассматриваются как изображение божественного откровения. Было много фрески, но их осталось меньше, чем мозаика.Византийское искусство сравнивают с современным. абстракция, в его плоскостности и сильно стилизованном изображении фигур и пейзажа. Некоторые периоды византийского искусства, особенно так называемые Македонское искусство примерно X века, более гибкие в подходе. Фрески палеологического Возрождения начала XIV века сохранились в Церковь Хора В Стамбуле.

Джотто

В постантичной католической Европе первым возникшим самобытным художественным стилем, который включал живопись, был Островное искусство Британских островов, где единственными сохранившимися образцами являются миниатюры в Иллюминированные рукописи такой как Келлская книга.[15] Они наиболее известны своим абстрактным декором, хотя фигуры, а иногда и сцены, также изображались, особенно в Портреты евангелистов. Каролингский и Оттонское искусство также сохранился в основном в рукописях, хотя сохранились некоторые настенные росписи, и многие из них задокументированы. Искусство этого периода сочетает в себе островное и «варварское» влияние с сильным византийским влиянием и стремлением восстановить классическую монументальность и равновесие.

Стены Романский и Готика церкви были украшены фрески а также скульптура и многие из немногих оставшихся фрески обладают большой интенсивностью и сочетают в себе декоративную энергию островного искусства с новой монументальностью в обработке фигур. Еще больше миниатюр в Иллюминированные рукописи выжить из периода, показывая те же характеристики, которые продолжаются в Готический период.

Роспись панелей становится все более распространенной в период Романский период, находящийся под сильным влиянием византийских икон. К середине 13 века Средневековое искусство и Готическая живопись стал более реалистичным, с началом интереса к изображению объема и перспективы в Италии с Чимабуэ а затем его ученик Джотто. Начиная с Джотто, обработка композиции лучшими художниками также стала намного более свободной и инновационной. В западной культуре они считаются двумя великими средневековыми мастерами живописи. Чимабуэ в византийской традиции использовал более реалистичный и драматический подход к своему искусству. Его ученик Джотто поднял эти нововведения на более высокий уровень, что, в свою очередь, заложило основы западной традиции живописи. Оба художника были пионерами в движении к натурализму.

Церкви были построены с все большим количеством окон и использованием красочных витраж стать одним из основных элементов декора. Один из самых известных примеров этого находится в соборе Собор Парижской Богоматери. К XIV веку западные общества стали богаче и образованнее, а художники нашли новых покровителей среди знати и даже среди знати. буржуазия. Иллюминированные рукописи приобрели новый характер, и в их пейзажах были показаны стройные, модно одетые придворные женщины. Этот стиль вскоре стал известен как Интернациональная готика стиль и доминировал с 1375 по 1425 год с темпера панно и запрестольные образы приобретают все большее значение.

Ренессанс и маньеризм

Основные статьи: Ренессансная живопись, Живопись итальянского Возрождения, Ранняя нидерландская живопись, Голландская и фламандская живопись эпохи Возрождения, Маньеризм, и Высокое Возрождение
Роберт Кампин – Алтарь Мерод, c. 1427. Центральная панель L'Annonciation от Campin, боковые панели выполнены ассистентом.

Возрождение (по-французски «возрождение»), культурное движение, охватывающее примерно с 14 по середину 17 века, было вызвано Гуманизм эпохи Возрождения и изучение классических источников. В живописи в 1420-1430-х годах ведущие художники Италии и Низкие страны отдельно разработали новые способы живописи, которые позволили картинам казаться более реалистичными, чем в работах известных художников, чей стиль называется Интернациональная готика, или в некоторых случаях как прото-ренессанс (в основном в Италии). Этот период, продолжавшийся примерно до 1495 г., стал известен как Раннее Возрождение.

Во Фландрии в Низких странах, после событий, сделанных в освещение рукописей, особенно Лимбургские братьяУмер в 1416 году, художники увлеклись материальным в видимом мире и начали изображать предметы в чрезвычайно натуралистической манере.[16] Принятие картина маслом чье первое использование на панно традиционно, но ошибочно, приписывали Ян ван Эйк, сделал возможным новый правдоподобие в изображении этого натурализма. Масляная краска уже присутствовала в работе Мельхиор Бродерлам (умер в 1409 г.), но Роберт Кампин (ранее известный как Мастер Флемаль) и ван Эйк вывели его на новый уровень и использовали его, чтобы представить натурализм, к которому они стремились. С помощью этой новой среды художники этого периода могли создавать более богатые цвета с глубокой интенсивной тональностью. Иллюзия сияющего света с отделкой под фарфор. Ранняя нидерландская живопись и было основным отличием от матовой поверхности темпера краска используется в Италии.[16]

Фра Анджелико, 1425–1428

В отличие от итальянцев, чьи работы в значительной степени опирались на искусство Древнего Рима, северяне сохранили стилистические следы скульптуры и иллюминированные рукописи Средневековья (особенно его натурализм). Другой важный нидерландский художник этого периода был Рогир ван дер Вейден, ученик Кампена, чьи композиции подчеркивали человеческие эмоции и драматизм, продемонстрировал, например, в его Снятие с креста, который входит в число самых известных произведений 15 века и является самой влиятельной нидерландской картиной, изображающей распятие Христа. Другие важные художники были Хуго ван дер Гус (чья работа имела большое влияние в Италии), Диерик Баутс (который был одним из первых северных художников, продемонстрировавших использование единой точки схода),[16] Петрус Кристус, Ганс Мемлинг и Джерард Дэвид. В совокупности достижения в живописи в Европе к северу от Альп известны как Северное Возрождение.

В Живопись итальянского Возрождения, искусство Классическая древность вдохновил стиль живописи, подчеркивающий идеал. Мазаччо ему приписывают успехи в линейной перспективе, изображении объема в его фигурах и в изображении эмоций на лицах его фигур в 1420-х годах. Затем художники, такие как Паоло Уччелло, Фра Анджелико, Пьеро делла Франческа, Андреа Мантенья, Филиппо Липпи, и Сандро Боттичелли, в Раннее Возрождение период продолжительностью около 1495 г., а затем Леонардо да Винчи, Микеланджело Буонарроти, и Рафаэль вовремя Высокое Возрождение примерно с 1495 по 1520 год поднял живопись на более высокий уровень благодаря использованию перспектива, изучение Анатомия человека и пропорции, и благодаря их развитию беспрецедентной утонченности в рисовании и живописи. Несколько более натуралистический стиль Высокого Возрождения возник в Венеция. Художники Венецианская школа, Такие как Джованни Беллини, Джорджоне, Тициан, и Веронезе, были меньше озабочены точностью в своем рисунке, чем богатством цвета и единством эффекта, которого можно было достичь более спонтанным подходом к живописи.

Фламандские, голландские и немецкие художники Северное Высокое Возрождение Такие как Альбрехт Дюрер, Лукас Кранах, Маттиас Грюневальд, и Ганс Гольбейн Младший у них был иной подход, чем у их итальянских коллег, более реалистичный и менее идеализированный. Некоторые северные художники, начиная с Дюрера в 1490-х годах, отправились в Италию, чтобы увидеть произведения итальянского Высокого Возрождения, и они в той или иной степени включили в свои собственные черты итальянского искусства. жанровая картина как предмет для больших произведений начался с Питер Аэрцен и Питер Брейгель. Позднее поколение художников Северного Возрождения, которые отправились в Рим и переняли большую часть идеализированного подхода итальянского Возрождения, стали известны как Романисты.

Тициан, 1520–1523

Живопись эпохи Возрождения отражает революцию идей и науки (астрономия, география), произошедшие в этот период, Реформация, и изобретение печатный станок. Печать становился все более важным и практиковался многими художниками. Дюрер, считающийся одним из величайших художников-граверов, утверждает, что художники - это не просто ремесленники но мыслители также. С развитием станковая живопись в эпоху Возрождения живопись обрела независимость от архитектуры. Станковые картины - подвижные картины, которые можно было легко повесить на стены, - стали популярной альтернативой картинам, прикрепленным к мебели, стенам или другим конструкциям. После столетий преобладания религиозных образов светская тематика постепенно вернулась в западную живопись. Художники включали в свои картины видения окружающего мира или продукты собственного воображения. Те, кто мог позволить себе расходы, могли стать покровителями и заказывать портреты себя или своей семьи.

В Высокое Возрождение в Италии породило стилизованное искусство, известное как Маньеризм после 1520 г., хотя некоторые художники, такие как Тициан и Паоло Веронезе, продолжал писать в стиле Высокого Возрождения в конце века. Вместо уравновешенных композиций и рационального подхода к перспективе, которые характеризовали искусство на заре XVI века, маньеристы искали нестабильность, уловку и сомнения. Спокойные девы Рафаэля и безмятежные выражения лиц Леонардо сменяются обеспокоенными выражениями лиц. Понтормо и эмоциональная напряженность Эль Греко. Беспокойные и нестабильные композиции, часто экстремальные или дизъюнктивные эффекты перспективы и стилизованные позы характерны для итальянских маньеристов, таких как Тинторетто, Понтормо и Бронзино, а позже появился в творчестве Северные маньеристы Такие как Хендрик Гольциус, Бартоломей Шпрангер, и Иоахим Втевал.

Барокко и рококо

Основные статьи: Барокко, Барочная живопись, Рококо, Quadratura, Голландская живопись золотого века, и Фламандская живопись в стиле барокко

Живопись барокко связана с Барокко культурное движение, движение часто отождествляется с Абсолютизм и Контрреформация или католическое возрождение;[17][18] Однако существование важной живописи в стиле барокко в неабсолютистских и протестантских государствах также подчеркивает ее популярность, поскольку стиль распространился по всей Западной Европе.[19]

Живопись в стиле барокко характеризуется большой драматичностью, богатым, глубоким цветом и интенсивными светлыми и темными тенями с целью вызвать эмоции и страсть вместо спокойной рациональности, которая ценилась в эпоху Возрождения. Среди первых художников эпохи барокко были братья Караччи, Аннибале и Агостино, в последней партитуре XVI века, и Караваджо в последнее десятилетие века. Караваджо признан одним из величайших художников эпохи барокко и наследником гуманист живопись Высокое Возрождение. Его реалистичный Подход к человеческой фигуре, нарисованной прямо с натуры и драматически освещенной на темном фоне, шокировал современников и открыл новую главу в истории живописи. Барокко было доминирующим стилем живописи, начиная с 1600 года и продолжалось на протяжении 17 века. Среди величайших художников барокко Рубенс, Веласкес, Рембрандт, Франс Хальс, Йоханнес Вермеер, Le Nain, Хусепе де Рибера, Пуссен, Тур, и Клод Лотарингия, занимавшийся пейзажной живописью. Пуссен, Клод и Ла Тур, все французы, переняли «классический» стиль барокко, уделяя меньше внимания эмоциям и большему вниманию к очертаниям фигур на картине, чем к цвету. Большинство этих художников отправились в Италию в рамках своего обучения, а затем вернули стиль барокко на свою родину, хотя в некоторых случаях они оставались в Италии на протяжении значительной части своей карьеры (Клод и Пуссен). В Италии стиль барокко воплощен в религиозных и мифологических картинах в Великий манер такими артистами, как Карраччи, Гвидо Рени, и Лука Джордано. Иллюзионистские церковные потолочные фрески - автор: Пьетро да Кортона казалось, открылся небу.

Рембрандт ван Рейн, Еврейская невеста, ок. 1665–1669

Гораздо более спокойный тип барокко возник в Голландская Республика, где станковые картины повседневных предметов были популярны среди коллекционеров среднего класса, а многие художники стали специалистами в жанр, другие в пейзаже, морском пейзаже или натюрморт. Вермеер, Жерар тер Борх, и Питер де Хуч внесла большую техническую изысканность в живопись домашних сцен, как и Виллем Клас. Хеда до натюрморта. Напротив, Рембрандт преуспел в рисовании всех типов предметов и разработал индивидуальный живописно стиль, в котором светотень и темный фон заимствованы из Караваджо и Утрехтские караваджисты теряют свою театральность. Живопись голландского барокко часто упоминается как Голландская живопись золотого века.

В 18 веке Рококо живопись стала более светлым продолжением барокко, часто легкомысленным и эротичным, с использованием светлых пастельных тонов. Рококо впервые развился в декоративном искусстве и дизайне интерьеров во Франции. Людовик XVПреемственность России принесла изменение придворных художников и общей художественной моды. 1730-е годы были пиком развития рококо во Франции, примером которого являются произведения Антуан Ватто и Франсуа Буше. Рококо все еще сохранял барочный вкус к сложным формам и замысловатым узорам, но к этому моменту он начал объединять множество разнообразных характеристик, в том числе вкус к восточному дизайну и асимметричным композициям.

Стиль рококо распространился французскими художниками и гравированными изданиями. Его охотно принимали в католических частях Германии, Богемия, и Австрия, где он соединился с живыми традициями немецкого барокко. Немецкое рококо с энтузиазмом применялось к церквям и дворцам, особенно на юге, в то время как Фредерик Рококо разработан в Королевство Пруссия.

Французские мастера Ватто, Буше и Fragonard представляют стиль, как и Джованни Баттиста Тьеполо и Жан-Батист-Симеон Шарден которого некоторые считали лучшим французским живописцем XVIII века - Анти-рококо. Портретная живопись была важной составляющей живописи во всех странах, но особенно в Англии, где лидерами были Уильям Хогарт, в стиле грубого реализма, и Фрэнсис Хейман, Анжелика Кауфман (кто был швейцарцем), Томас Гейнсборо и Джошуа Рейнольдс в более лестных стилях под влиянием Энтони ван Дейк. Во Франции в эпоху рококо Жан-Батист Грёз (любимый художник Дени Дидро),[20] преуспел в портретах и исторические картины, и Морис Квентин де ла Тур и Элизабет Виже-Лебрен были очень успешными художники-портретисты. La Tour специализируется на пастель живопись, которая стала популярной в этот период.

Уильям Хогарт помогли разработать теоретические основы красоты в стиле рококо. Хотя он и не ссылался намеренно на движение, в своей Анализ красоты (1753), что волнистые линии и S-образные изгибы, заметные в рококо, были основой изящества и красоты в искусстве или природе (в отличие от прямой линии или круга в Классицизм). Начало конца рококо пришло в начале 1760-х гг. Вольтер и Жак-Франсуа Блондель стали высказывать свою критику поверхностности и вырождения искусства. Блондель осуждает «смехотворное нагромождение ракушек, драконов, тростника, пальм и растений» в современных интерьерах.[21]

К 1785 году рококо во Франции вышло из моды, его сменили порядок и серьезность. Неоклассический художники, такие как Жак-Луи Давид, чьи величественные исторические картины, изображающие как исторические, так и современные события, воплощали идеалы французская революция.

XIX век: неоклассицизм, историческая живопись, романтизм, импрессионизм, постимпрессионизм, символизм

Основные статьи: Неоклассицизм, Историческая живопись, Романтизм, Импрессионизм, Пост Импрессионизм, и Символизм

После Рококо возникла в конце 18 века в архитектуре, а затем и в живописи. неоклассицизм, лучше всего представлены такие художники, как Дэйвид и его наследник Ingres. В творчестве Энгра уже есть много чувственности, но никакой спонтанности, которая должна была характеризовать Романтизм.

К середине 19 века художники освободились от требований своего покровительства и стали изображать только сцены из религии, мифологии, портретной живописи или истории. Искусство стало в большей степени средством личного самовыражения в творчестве таких художников, как Франсиско де Гойя, Джон Констебл, и Дж. М. В. Тернер. Романтические художники обратились пейзаж в один из основных жанров, который до сих пор считался второстепенным жанром или как декоративный фон для фигурных композиций. Эжен Делакруа, Теодор Жерико, Дж. М. У. Тернер, Каспар Давид Фридрих и Джон Констебл. Поздние работы Франсиско Гойи демонстрируют романтический интерес к иррациональному, творчеству Арнольд Бёклин вызывает тайну, работа Братство прерафаэлитов в Англии сочетает усердную преданность природе с ностальгией по средневековой культуре, а картины Эстетическое движение художник Джеймс Эбботт Макнил Уистлер вызывать изысканность, декаданс, и философия «искусство ради искусства». В Соединенных Штатах романтическая традиция пейзажной живописи была известна как Школа реки Гудзон:[22] экспоненты включают Томас Коул, Фредерик Эдвин Черч, Альберт Бирштадт, Томас Моран, и Джон Фредерик Кенсетт. Люминизм было движением в американской пейзажной живописи, связанным со школой реки Гудзон.

Йохан Йонгкинд, 1871 год, прообраз импрессионизма

Основная сила в повороте к Реализм в середине века был Гюстав Курбе, чьи неидеализированные картины простых людей оскорбляли зрителей, привыкших к общепринятой тематике и лизнул конец из академическое искусство, но вдохновил многих молодых художников. Ведущий Барбизонская школа художник Жан-Франсуа Милле также писал пейзажи и сцены из крестьянской жизни. Слабо связанный с барбизонской школой был Камиль Коро, который рисовал и романтично, и реалистичный вена; его работа прообразует Импрессионизм, как и картины Йохан Йонгкинд и Эжен Буден (который был одним из первых французских пейзажистов, рисовавших на открытом воздухе). Буден оказал большое влияние на молодых Клод Моне, которого в 1857 году он представил пленэр картина.

Во второй трети века импрессионисты, такие как Эдуард Мане, Клод Моне, Пьер Огюст Ренуар, Камиль Писсарро, Альфред Сислей, Берта Моризо, Мэри Кассат, и Эдгар Дега работали в более прямом подходе, чем ранее публично выставлялись. Они избегали аллегории и повествования в пользу индивидуализированных ответов на современный мир, иногда рисовавшихся с минимальным предварительным изучением или без него, полагаясь на ловкость рисунка и высокую хроматическую палитру. Моне, Писсарро и Сислей использовали пейзаж в качестве основного мотива, быстротечность света и погоды играли важную роль в их работах. Следуя практике, которая стала все более популярной к середине века, они часто вместе отправлялись в сельскую местность, чтобы рисовать на открытом воздухе, но не для традиционной цели создания эскизов, которые затем превращались в тщательно законченные работы в студии.[23] Рисуя при солнечном свете прямо с натуры и смело используя яркие синтетические пигменты, которые стали доступны с начала века, они разработали более легкую и яркую манеру живописи.

Эдвард Мунк, 1893 г., ранний образец Экспрессионизм

Мане, Дега, Ренуар, Моризо и Кассат сосредоточили свое внимание прежде всего на человеке. И Мане, и Дега переосмыслили классические образные каноны в современных ситуациях; в случае с Мане переосмысление было встречено враждебно общественностью. Ренуар, Моризо и Кассат обратились к домашней жизни за вдохновением, а Ренуар сосредоточился на женской обнаженной натуре. В то время как Сислей наиболее строго придерживался первоначальных принципов импрессионистского восприятия ландшафта, Моне искал проблемы во все более цветных и изменчивых условиях, кульминацией которых стала серия монументальных работ Водяные лилии нарисованный в Живерни.

Постимпрессионисты Такие как Поль Сезанн и немного моложе Винсент Ван Гог, Поль Гоген, и Жорж-Пьер Сёра привело искусство к краю модернизм. Для Гогена импрессионизм уступил место личному символизму. Сёра превратил ломанный цвет импрессионизма в научное оптическое исследование, структурированное на фризовых композициях. Техника рисования, которую он разработал, называлась Дивизионизм, привлек много последователей, таких как Поль Синьяк, и в течение нескольких лет в конце 1880-х годов Писсарро перенял некоторые из его методов. Бурный метод нанесения краски Ван Гогом в сочетании с звучным использованием цвета предсказал Экспрессионизм и Фовизм, а Сезанн, желающий объединить классическую композицию с революционной абстракцией природных форм, стал бы рассматриваться как предшественник искусства 20-го века.

Очарование импрессионизма ощущалось во всем мире, в том числе в Соединенных Штатах, где оно стало неотъемлемой частью живописи Американские импрессионисты Такие как Чайльд Хассам, Джон Генри Твахтман, и Теодор Робинсон. Это также оказало влияние на художников, которые не были импрессионистами в теории, таких как портретист и пейзажист. Джон Сингер Сарджент. В то же время в Америке на рубеже 20-го века существовал местный и почти островной реализм, который богато воплощен в образных произведениях художника. Томас Икинс, то Школа Ашкана, пейзажи и морские пейзажи Уинслоу Гомер, все картины которых были глубоко вложены в твердость природных форм. Призрачный пейзаж, мотив, во многом зависящий от двусмысленности ноктюрна, нашел своих сторонников в Альберт Пинкам Райдер и Ральф Альберт Блейклок.

В конце 19 века также существовало несколько довольно разнородных групп Художники-символисты чьи работы находили отклик у молодых художников 20 века, особенно у художников Фовисты и Сюрреалисты. Среди них были Гюстав Моро, Одилон Редон, Пьер Пюви де Шаванн, Анри Фантен-Латур, Арнольд Бёклин, Фердинанд Ходлер, Эдвард Мунк, Фелисьен Ропс, Ян Тороп, и Густав Климт, а Русские символисты Такие как Михаил Врубель.

Художники-символисты добыли мифология и образы сновидений для визуального языка души, ищущие вызывающие воспоминания картины, которые напоминают статичный мир тишины. Символы, используемые в символизме, не являются привычными эмблемы основного направления иконография но очень личные, частные, неясные и двусмысленные ссылки. Художники-символисты оказали больше влияние на современную философию, чем на реальный стиль искусства. Искусство модерн движение и Les Nabis. В своем исследовании сказочных предметов художники-символисты встречаются через века и культуры, как и сегодня; Бернар Дельвай описал Рене Магриттсюрреализм как "Символизм плюс" Фрейд".[24]

20 век

Основная статья: Западная живопись 20 века
Фернан Леже, 1919, Синтетический кубизм, Тубизм

Наследие таких художников, как Ван Гог, Сезанн, Гоген, и Сёра имел важное значение для развития современного искусства. В начале 20 века Анри Матисс и несколько других молодых художников, включая докубистов Жорж Брак, Андре Дерен, Рауль Дюфи и Морис де Вламинк произвел революцию в мире искусства Парижа, создав «дикие», разноцветные, выразительные пейзажи и фигурные картины, которые критики назвали Фовизм. Вторая версия Анри Матисса Танец означает ключевой момент в его карьере и в развитии современной живописи.[25] Это отражает зарождающееся увлечение Матисса примитивное искусство: насыщенные теплые цвета на прохладном сине-зеленом фоне и ритмичная последовательность танцующих обнаженных тел передают чувство эмоционального раскрепощения и гедонизм. Пабло Пикассо сделал свой первый кубист картины, основанные на идее Сезанна о том, что все изображения природы можно свести к трем телам: куб, сфера и конус. С картиной Les Demoiselles d'Avignon (1907), Пикассо создал новую и радикальную картину, изображающую сцену публичного дома с пятью проститутками, сильно раскрашенными женщинами, напоминающими Маски африканских племен и его собственные изобретения кубизма. Кубизм была совместно разработана примерно с 1908 по 1912 год Пабло Пикассо и Жорж Брак, чей Скрипка и подсвечник, Париж (1910) показан здесь. Первое яркое проявление кубизма практиковали Брак, Пикассо, Жан Метцингер, Альберт Глейзес, Фернан Леже, Анри Ле Фоконье, и Роберт Делоне. Хуан Грис, Марсель Дюшан, Александр Архипенко, Джозеф Чаки и другие вскоре присоединились.[26] Синтетический кубизм, практикуемый Браком и Пикассо, характеризуется введением различных фактур, поверхностей, коллаж элементы папье-колле и большое количество объединенных тем.[26]

В Осенний салон 1905 года принесло известность и внимание творчеству Анри Матисс и Фовизм. Группа получила свое название в честь критика Луи Воксель описали свою работу фразой "Донателло chez les fauves »(« Донателло среди диких зверей »),[27] противопоставляя картины эпоха Возрожденияскульптура, которая делила с ними комнату.[28] Сцена в джунглях Голодный лев бросается на антилопу к Анри Руссо (который не был фовистом) висел рядом с работами Матисса и, возможно, послужил вдохновением для саркастического термина, используемого в прессе.[29] Комментарий Вокселя был напечатан 17 октября 1905 года в ежедневной газете. Гил Блас, и вошел в широкое использование.[28][30]

В первые два десятилетия 20-го века и после кубизма возникло несколько других важных движений; Футуризм (Балла), Абстрактное искусство (Кандинский) Der Blaue Reiter (Кандинский и Франц Марк), Баухаус (Кандинский и Клее), Орфизм, (Делоне и Купка), Синхромизм (Рассел), Де Стейл (ван Дусбург и Мондриан), Супрематизм (Малевич), Конструктивизм (Татлин), Дадаизм (Дюшан, Пикабиа и Арп), и Сюрреализм (де Кирико, Андре Бретон, Миро, Магритт, Дали и Эрнст). Современная живопись повлияла на все изобразительное искусство, начиная с Модернист архитектура и дизайн, чтобы авангард кино, театр и современный танец и стала экспериментальной лабораторией для выражения визуального опыта, от фотографии и конкретная поэзия к рекламное искусство и мода.

Фовизм, Der Blaue Reiter, Die Brücke

Основные статьи: Фовизм, Der Blaue Reiter, и Die Brücke

Фовизм представлял собой свободную группу художников начала 20 века, чьи работы подчеркивали живописно качества, и творческое использование глубокого цвета над репрезентативными ценностями. Лидерами движения были Анри Матисс и Андре Дерен - своего рода дружелюбные соперники, каждый со своими последователями. В конечном счете Матисс стал Ян к Пикассос инь в 20 веке. Включены художники-фовисты Альбер Марке, Чарльз Камуан, Морис де Вламинк, Рауль Дюфи, Отон Фриес, голландский художник Кес ван Донген, и партнер Пикассо по кубизму, Жорж Брак среди других.[31]

У фовизма не было конкретных теорий, и он просуществовал недолго, начиная с 1905 года и заканчивая 1907 годом. У них было всего три выставки. Матисс считался лидером движения из-за его старшинства в возрасте и предшествующего самоутверждения в академическом мире искусства. Его портрет г-жи 1905 года. Матисс, Зеленая полоса, произвела фурор в Париже, когда была впервые выставлена. Он сказал, что хочет создавать искусство, чтобы восхищать, и можно сказать, что его использование ярких цветов пытается сохранить спокойствие композиции. В 1906 г. по предложению своего дилера Амбруаз ВолларАндре Дерен отправился в Лондон и написал серию картин, в том числе Мост Чаринг-Кросс, Лондон в Фовист стиля, перефразируя знаменитый сериал Импрессионист художник Клод Моне.

К 1907 году фовизм больше не был шокирующим новым движением, и Appolinaire сказал о Матиссе в статье, опубликованной в Ла Фаланж«Мы здесь не в присутствии экстравагантных или экстремистских предприятий: искусство Матисса в высшей степени разумно».[32]

Die Brücke была группа немецких экспрессионист художники сформировались в Дрезден в 1905 году. Членами-учредителями были Фриц Блейл, Эрих Хекель, Эрнст Людвиг Кирхнер и Карл Шмидт-Ротлуф. Более поздние участники включали Макс Пехштейн и Отто Мюллер. Эта основополагающая группа оказала большое влияние на эволюцию современное искусство в 20 веке и создал стиль Экспрессионизм.[33]

Der Blaue Reiter было немецким движением, существовавшим с 1911 по 1914 год и имевшим фундаментальное значение для экспрессионизма. Василий Кандинский, Франц Марк, Август Маке, Алексей фон Явленский, чья психически выразительная картина русского танцора Портрет Александр Сахаров (1909) здесь, Марианна фон Веревкин, Лионель Фейнингер и другие основали группу Der Blaue Reiter в ответ на отказ от картины Кандинского. Страшный суд с выставки. В Der Blaue Reiter не было центрального художественного манифеста, но он был сосредоточен вокруг Кандинского и Марка. Художники Габриэле Мюнтер и Пауль Клее также были вовлечены. Название движения происходит от Картина Кандинского 1903 года. Для Кандинского, синий это цвет духовности: чем темнее синий, тем больше он пробуждает в людях стремление к вечному.[34]

Экспрессионизм, Символизм, Американский модернизм, Баухаус

Основные статьи: Экспрессионизм, Символизм (искусство), Американский модернизм, Модернизм, и Баухаус

Экспрессионизм и Символизм - широкие рубрики, включающие несколько связанных движений в живописи 20-го века, которые доминировали в большей части авангард искусство, создаваемое в Западной, Восточной и Северной Европе. Экспрессионистские работы были написаны в основном в период между Первой и Второй мировой войнами, в основном во Франции, Германии, Норвегии, России, Бельгии и Австрии. Фовизм, Die Brücke, и Der Blaue Reiter три из самых известных групп художников-экспрессионистов и символистов. Марк Шагалкартина Я и деревня рассказывает автобиографическую историю, в которой исследуются отношения между художником и его происхождением, с лексикой художественного символизма. Густав Климт, Эгон Шиле, Эдвард Мунк, Эмиль Нольде, Хаим Сутин, Джеймс Энсор, Оскар Кокошка, Эрнст Людвиг Кирхнер, Макс Бекманн, Франц Марк, Жорж Руо, Амедео Модильяни, и некоторые американцы за рубежом, такие как Марсден Хартли и Стюарт Дэвис, считались влиятельными художниками-экспрессионистами. Несмотря на то что Альберто Джакометти в первую очередь считается скульптором-сюрреалистом, он также писал яркие экспрессионистские картины.

Американские художники в период между Первой и Второй мировыми войнами стремились ехать в Европу за признанием. Модернист такие артисты, как Марсден Хартли, Патрик Генри Брюс, Джеральд Мерфи и Стюарт Дэвис заработали репутацию за рубежом. Пока Патрик Генри Брюс[35] созданный кубист связанные картины в Европе, и Стюарт Дэвис и Джеральд Мерфи создали картины, которые были ранним источником вдохновения для американских поп-арт[36][37][38] и Марсден Хартли экспериментировали с экспрессионизмом. В 1920-е годы фотограф Альфред Штиглиц выставлен Джорджия О'Киф, Артур Дав, Альфред Генри Маурер, Чарльз Демут, Джон Марин and other artists including European Masters Henri Matisse, Auguste Rodin, Henri Rousseau, Paul Cézanne, and Picasso, at his New York City gallery the 291.[39] In Europe masters like Henri Matisse and Пьер Боннар continued developing their narrative styles independent of any movement.

Pioneers of abstraction

Пит Мондриан, "Composition No. 10" 1939–42, Де Стейл

Василий Кандинский is generally considered one of the first important painters of современное абстрактное искусство. As an early модернист, he theorized as did contemporary оккультисты и theosophists, that pure visual abstraction had corollary vibrations with sound and music. They posited that pure abstraction could express pure spirituality. His earliest abstractions were generally titled as the example in the Composition VII, making connection to the work of the composers of music. Kandinsky included many of his theories about abstract art in his book О духовном в искусстве. Other major pioneers of early abstraction include Swedish painter Хильма аф Клинт, Russian painter Казимир Малевич, and Swiss painter Пауль Клее. Роберт Делоне was a French artist who is associated with Орфизм, (reminiscent of a link between pure abstraction and cubism). His key contributions to abstract painting refer to his bold use of color and his experimentation of both depth and tone.

Дада и сюрреализм

Марсель Дюшан came to international prominence in the wake of the New York City Оружейная Шоу in 1913 where his Обнаженная спускается по лестнице became a cause célèbre. He subsequently created Невеста обнажена даже холостяками, Большой стакан. В Большой стакан pushed the art of painting to radical new limits being part painting, part collage, part construction. Duchamp (who was soon to renounce artmaking for chess) became closely associated with the Дадаизм movement that began in neutral Цюрих, Швейцария, during World War I and peaked from 1916 to 1920. The movement primarily involved visual arts, literature (poetry, art manifestoes, art theory), theatre, and graphic design to advance its antiwar politic and rejection of the prevailing standards in art through анти-искусство культурные работы. Other artists associated with the Dada movement include Фрэнсис Пикабиа, Ман Рэй, Курт Швиттерс, Ханна Хёх, Тристан Цара, Ганс Рихтер, Jean Arp, и Софи Тойбер-Арп. Duchamp and several Dadaists are also associated with Surrealism, the movement that dominated European painting in the 1920s and 1930s.

Марсель Дюшан, Обнаженная спускающаяся по лестнице, № 2, 1912, Художественный музей Филадельфии

В 1924 г. Андре Бретон опубликовал Сюрреалистический манифест. В Сюрреалист movement in painting became synonymous with the авангард and featured artists whose works varied from the abstract to the super-realist. With works on paper like Machine Turn Quickly, Francis Picabia continued his involvement in the Dada movement through 1919 in Zürich and Paris, before breaking away from it after developing an interest in Surrealist art. Ив Танги, Рене Магритт и Сальвадор Дали are particularly known for their realistic depictions of dream imagery and fantastic manifestations of the imagination. В 1920-е гг. Андре Массон's work was decisive in helping the young artist Жоан Миро find his roots in Surrealist painting. Miró's Обработанное поле (1923–1924) verges on abstraction while suggesting a complex of objects and figures and arrangements of sexually active characters; it was Miró's first Surrealist шедевр.[40] Joan Miró, Jean Arp, André Masson, and Макс Эрнст were very influential, especially in the United States during the 1940s.

Max Ernst, whose 1920 painting Самолет-убийца is seen here, studied philosophy and psychology in Bonn and was interested in the alternative realities experienced by the insane. His paintings may have been inspired by the психоаналитик Зигмунд Фрейд's study of the delusions of a paranoiac, Daniel Paul Schreber. Freud identified Schreber's fantasy of becoming a woman as a castration complex. The central image of two pairs of legs refers to Schreber's hermaphroditic desires. Ernst's inscription on the back of the painting reads: The picture is curious because of its symmetry. The two sexes balance one another.[41]

Throughout the 1930s, Surrealism continued to become more visible to the public at large. А Surrealist group developed in Britain and, according to Breton, their 1936 Лондонская международная выставка сюрреалистов was a high-water mark of the period and became the model for international exhibitions. Surrealist groups in Japan, and especially in Latin America, the Caribbean and in Mexico produced innovative and original works. Other prominent surrealist artists include Джорджо де Кирико, Мерет Оппенгейм, Toyen, Grégoire Michonze, Роберто Матта, Кей Сейдж, Леонора Кэррингтон, Доротея Таннинг, и Леонор Фини.

Neue Sachlichkeit, Social realism, regionalism, American Scene painting, Symbolism

During the 1920s and the 1930s and the Великая депрессия, the European art scene was characterized by Surrealism, late Cubism, the Баухаус, Де Стейл, Dada, Neue Sachlichkeit, and Expressionism; and was occupied by masterful модернист color painters like Анри Матисс и Пьер Боннар.

Макс Бекманн, The Night (Die Nacht), 1918–1919, Kunstsammlung Nordrhein-Westfalen, Düsseldorf

В Германии Neue Sachlichkeit ("New Objectivity") emerged as Макс Бекманн, Отто Дикс, Джордж Гросс and others politicized their paintings. The work of these artists grew out of expressionism, and was a response to the political tensions of the Веймарская республика, and was often sharply satirical.

During the 1930s radical leftist politics characterized many of the artists connected to Surrealism, including Пабло Пикассо.[42] On 26 April 1937, during the гражданская война в Испании, то Баскский город Герника was the scene of the "Bombing of Gernika" by the Condor Legion of Nazi Germany's Luftwaffe. The Germans were attacking to support the efforts of Francisco Franco to overthrow the Basque Government and the Spanish Republican government. Pablo Picasso painted his mural sized Герника to commemorate the horrors of the bombing.

Пабло Пикассо, 1937, Герника, protest against Fascism

Герника is an immense black-and-white, 3.5-metre (11 ft) tall and 7.8-metre (23 ft) wide mural painted in oil. The mural presents a scene of death, violence, brutality, suffering, and helplessness without portraying their immediate causes. The choice to paint in black and white invokes the immediacy of a newspaper photograph.[43]The painting was first exhibited in Paris in 1937, then Scandinavia and London, and in 1939 at Picasso's request the painting was sent to the United States in an extended loan (for safekeeping) at МоМА. Finally in accord with Picasso's wish to give the painting to the people of Spain as a gift, it was sent to Spain in 1981.

От Великая депрессия of the 1930s through the years of World War II, Американское искусство характеризовался Социальный Реализм и Американская Живопись. Регионализм movements that contained both political and social commentary dominated the art world in the USA. Художники, такие как Бен Шан, Томас Харт Бентон, Грант Вуд, Джордж Тукер, Джон Стюарт Карри, Реджинальд Марш, and others became prominent.

американская готика is a painting by Grant Wood from 1930. Portraying a pitchfork-holding farmer and a younger woman in front of a house of Карпентер Готика style, it is one of the most familiar images in 20th-century American art. Art critics assumed it was satirical in intent; it was thought to be part of the trend towards increasingly critical depictions of rural America exemplified by Шервуд Андерсонс 1919 Уайнсбург, Огайо, Синклер Льюис' 1920 Главная улица, и Карл Ван Вехтенс Татуированная графиня в литературе.[44] However, with the onset of the Великая депрессия, the painting came to be seen as a depiction of steadfast American pioneer spirit.

A renaissance of the arts in Latin America included the Уругвайский художник Хоакин Торрес Гарсия, the Mexican painter Руфино Тамайо, artists of the Mexican muralist movement Такие как Диего Ривера, David Siqueiros, José Orozco, Педро Нель Гомес и Santiago Martinez Delgado, а Символист художник Фрида Кало. The muralists conveyed historic and political messages. Diego Rivera is perhaps best known by the public world for his 1933 mural, "Человек на распутье", in the lobby of the RCA Building at Рокфеллер-центр. When his patron Нельсон Рокфеллер discovered that the mural included a portrait of Ленин and other communist imagery, he fired Rivera, and the unfinished work was eventually destroyed by Rockefeller's staff.

Frida Kahlo's works relate to Surrealism and to the Магический Реализм движение в литературе. Her works are often characterized by their stark portrayals of pain. Of her 143 paintings 55 are self-portraits, which frequently incorporate symbolic portrayals of her physical and psychological wounds.[45]

Абстрактный экспрессионизм

Джексон Поллок, Синие поляки, 1952, Национальная галерея Австралии

The 1940s in New York City heralded the triumph of American абстрактный экспрессионизм, a movement that combined lessons learned from European Modernists via great teachers in America like Ганс Хофманн и Джон Д. Грэм. American artists benefited from the presence of Пит Мондриан, Фернан Леже, Макс Эрнст и Андре Бретон group, Pierre Matisse's gallery, and Пегги Гуггенхаймгалерея The Art of This Century, as well as other factors.

Барнетт Ньюман, Onement 1, 1948. During the 1940s Barnett Newman wrote several articles about the new American painting.

Post-Second World War American painting called Abstract expressionism included artists like Джексон Поллок, Виллем де Кунинг, Аршил Горки, Марк Ротко, Hans Hofmann, Клиффорд Стилл, Франц Клайн, Адольф Готтлиб, Барнетт Ньюман, Марк Тоби, Джеймс Брукс, Филип Густон, Роберт Мазервелл, Конрад Марка-Релли, Джек Творков, Esteban Vicente, Уильям Базиотес, Ричард Пузетт-Дарт, Ад Рейнхардт, Хедда Стерн, Джимми Эрнст, Брэдли Уокер Томлин, и Theodoros Stamos, среди прочего. American Abstract expressionism got its name in 1946 from the art critic Роберт Коутс.[46][47]Abstract expressionism, Живопись действия, и Цветовое поле painting are synonymous with the Нью-Йоркская школа.[48]

Technically Surrealism was an important predecessor for Abstract expressionism with its emphasis on spontaneous, автоматический or subconscious creation. Джексон Поллок's dripping paint onto a canvas laid on the floor is a technique that has its roots in the work of Андре Массон. Another important early manifestation of what came to be abstract expressionism is the work of American Northwest artist Марк Тоби, especially his "white writing" canvases, which, though generally not large in scale, anticipate the "all over" look of Pollock's drip paintings.

Additionally, Abstract expressionism has an image of being rebellious, anarchic, highly idiosyncratic and, some feel, rather nihilistic. In practice, the term is applied to any number of artists working (mostly) in New York who had quite different styles, and even applied to work which is not especially abstract nor expressionist. Pollock's energetic "action paintings", with their "busy" feel, are different both technically and aesthetically, to the violent and grotesque Женщины серия Виллем де Кунинг. Woman V is one of a series of six paintings made by de Kooning between 1950 and 1953 that depict a three-quarter-length female figure. He began the first of these paintings, Woman I, in June 1950, repeatedly changing and painting out the image until January or February 1952, when the painting was abandoned unfinished. Искусствовед Мейер Шапиро saw the painting in de Kooning's studio and encouraged the artist to persist. De Kooning's response was to begin three other paintings on the same theme; Woman II, Woman III, and Woman IV. During the summer of 1952, spent at East Hampton, de Kooning further explored the theme through drawings and pastels. He finished work on Woman I by November 1952, and probably the other three women pictures were concluded at much the same time.[49] В Woman series are decidedly figurative paintings. Another important artist is Франц Клайн, as demonstrated by his painting Главная улица (1950), who was labelled an action painter because of his seemingly spontaneous and intense style, focusing less, or not at all, on figures or imagery, but on the actual brush strokes and use of canvas.

Клиффорд Стилл, Барнетт Ньюман, Адольф Готтлиб, and the serenely shimmering blocks of color in Марк Ротко's work (which is not what would usually be called expressionist and which Rothko denied was abstract), are classified as abstract expressionists, albeit from what Клемент Гринберг назвал Цветовое поле direction of abstract expressionism. Обе Ганс Хофманн и Роберт Мазервелл can be described as practitioners of картина действия and Color field painting.

During the 1950s Живопись цветового поля initially referred to a particular type of абстрактный экспрессионизм, especially the work of Mark Rothko, Clyfford Still, Barnett Newman, Роберт Мазервелл and Adolph Gottlieb. It essentially involved abstract paintings with large, flat expanses of color that expressed the sensual, and visual feelings and properties of large areas of nuanced surface. Art critic Clement Greenberg perceived Color Field painting as related to but different from Action painting. The overall expanse and gestalt of the work of the early color field painters speaks of an almost religious experience, awestruck in the face of an expanding universe of sensuality, color and surface. During the early-to-mid-1960s Живопись цветового поля came to refer to the styles of artists like Жюль Олицки, Кеннет Ноланд, и Хелен Франкенталер, whose works were related to second-generation abstract expressionism, and to younger artists like Ларри Зокс, и Фрэнк Стелла – all moving in a new direction.

Realism, Landscape, Seascape, Figuration, Still-Life, Cityscape

During the 1930s through the 1960s as abstract painting in America and Europe evolved into movements such as абстрактный экспрессионизм, Color Field painting, Пост-живописная абстракция, Оп-арт, жесткая окраска, Минимальное искусство, shaped canvas painting, and Лирическая абстракция. Other artists reacted as a response to the tendency toward abstraction allowing imagery to continue through various new contexts like the Bay Area Figurative Movement in the 1950s and new forms of экспрессионизм from the 1940s through the 1960s. Throughout the 20th century many painters practiced Реализм and used expressive imagery in landscape and figurative painting with contemporary subjects. They include artists as varied as Милтон Эйвери, Джон Д. Грэм, Fairfield Porter, Эдвард Хоппер, Эндрю Уайет, Balthus, Френсис Бэкон, Франк Ауэрбах, Люсьен Фрейд, Леон Коссофф, Филип Перлштейн, Виллем де Кунинг, Аршил Горки, Грейс Хартиган, Роберт Де Ниро, старший, и Элейн де Кунинг.

In Italy during this time, Джорджио Моранди was the foremost still-life painter, exploring a wide variety of approaches to depicting everyday bottles and kitchen implements.[50]

Фрида Кало, 1940, Латиноамериканская Символизм

Arshile Gorky's portrait of Willem de Kooning is an example of the evolution of абстрактный экспрессионизм from the context of figure painting, кубизм и сюрреализм. Along with his friends de Kooning and Джон Д. Грэм Gorky created bio-morphically shaped and abstracted figurative compositions that by the 1940s evolved into totally abstract paintings. Gorky's work seems to be a careful analysis of memory, emotion and shape, using line and color to express feeling and nature.[51][52]

Этюд по портрету Папы Иннокентия X Веласкеса, 1953 is a painting by the Irish-born artist Френсис Бэкон and is an example of Post World War II European Экспрессионизм. The work shows a distorted version of the Портрет Иннокентия X painted by the Spanish artist Диего Веласкес in 1650. The work is one of a series of variants of the Velázquez painting which Bacon executed throughout the 1950s and early 1960s, over a total of forty-five works.[53] When asked why he was compelled to revisit the subject so often, Bacon replied that he had nothing against the Popes, that he merely "wanted an excuse to use these colours, and you can't give ordinary clothes that purple colour without getting into a sort of false fauve манера. "[54] The Pope in this version seethes with anger and aggression, and the dark colors give the image a grotesque and nightmarish appearance.[55] The pleated curtains of the backdrop are rendered transparent, and seem to fall through the Pope's face.[56]

The figurative work of Francis Bacon, Frida Kahlo, Edward Hopper, Lucian Freud, Andrew Wyeth and others served as a kind of alternative to abstract expressionism. Nighthawks (1942) is a realist painting by Edward Hopper that portrays people sitting in a downtown diner поздно ночью. It is not only Hopper's most famous painting, but one of the most recognizable in American art. The urban street is empty outside the diner, and inside none of the three patrons is apparently looking or talking to the others but instead is lost in their own thoughts. This portrayal of modern urban life as empty or lonely is a common theme throughout Hopper's work. One of the most well-known images in 20th-century American art is Wyeth's tempera painting, Мир Кристины, в коллекции музей современного искусства в Нью-Йорк. It depicts a woman lying on the ground in a treeless, mostly tawny field, looking up at and crawling towards a gray house on the horizon; К дому примыкает сарай и другие небольшие хозяйственные постройки.[57]

After World War II the term Школа Парижа often referred to Ташизм, the European equivalent of American Abstract expressionism and those artists are also related to Кобра. Important proponents being Жан Дюбюффе, Пьер Сулаж, Николя де Сталь, Ханс Хартунг, Сергей Поляков, и Жорж Матье, среди нескольких других. During the early 1950s Dubuffet (who was always a figurative artist) and de Staël abandoned abstraction, and returned to imagery via figuration and landscape. De Staël's return to representation (seascapes, footballers, jazz musicians, seagulls) during the early 1950s can be seen as an influential precedent for the American Bay Area Figurative Movement, as many of those abstract painters like Ричард Дибенкорн, Дэвид Парк, Элмер Бишофф, Уэйн Тибо, Натан Оливейра, Джоан Браун and others made a similar move; returning to imagery during the mid-1950s. Much of de Staël's late work – in particular his abstract landscapes of the mid-1950s – predicts Color Field painting and Лирическая абстракция 1960-х и 1970-х годов. Milton Avery as well through his use of color and his interest in seascape and landscape paintings connected with the Color field aspect of Abstract expressionism as manifested by Адольф Готтлиб и Марк Ротко as well as the lessons American painters took from the work of Анри Матисс.[58][59]

Поп-арт

Поп-арт in America was to a large degree initially inspired by the works of Джаспер Джонс, Ларри Риверс, и Роберт Раушенберг, although the paintings of Джеральд Мерфи, Стюарт Дэвис и Чарльз Демут during the 1920s and 1930s foreshadow the style and subject matter of Pop art.

In New York City during the mid-1950s, Rauschenberg and Johns created works of art that at first seemed to be continuations of Абстрактный экспрессионист картина. Actually their works, and the work of Larry Rivers, were radical departures from abstract expressionism especially in the use of banal and literal imagery and the inclusion of mundane materials into their work. Johns' use of various images and objects like chairs, numbers, targets, beer cans and the Американский флаг; Картины рек, изображающие предметы из популярной культуры, такие как Джордж Вашингтон пересекая Делавэр, и его вкрапления изображений из рекламы, например, верблюда из Сигареты Camel; и удивительные конструкции Раушенберга с использованием вкраплений предметов и картинок, взятых из массовой культуры, хозяйственных магазинов, свалок, городских улиц и таксидермия, дала начало радикальному новому движению в американском искусстве. В конце концов, к 1963 году это движение стало известно во всем мире как поп-арт.

Пример поп-арта - художники Энди Уорхол, Клаас Ольденбург, Уэйн Тибо, Джеймс Розенквист, Джим Дайн, Том Вессельманн и Рой Лихтенштейн среди прочего. Лихтенштейн использовал масло и Краска Magna в таких произведениях, как Тонущая девушка (1963; Музей современного искусства, Нью-Йорк), который был заимствован из главной истории в Комиксы DC' Тайные сердца #83.[60]) Толстые очертания, смелые цвета и Бен-Дэй точки воспроизвести внешний вид коммерческой печати. Лихтенштейн сказал бы о своей собственной работе: абстрактные экспрессионисты «разложили вещи на холсте и отреагировали на то, что они сделали, на расположение цветов и размеры. Мой стиль выглядит совершенно иначе, но характер нанесения линий практически такой же. мои просто не выглядят каллиграфически, как у Поллока или Клайна ».[61] Поп-арт объединяет популярную и массовую культуру с изобразительным искусством, привнося в смесь юмор, иронию, узнаваемые образы и содержание. В октябре 1962 г. Сидни Дженис Галерея смонтирована Новые реалисты, первая крупная групповая выставка поп-арта в художественной галерее на окраине Нью-Йорка. Шоу вызвало потрясение в Нью-Йоркская школа и разнесся по всему миру. Банки с супом Кэмпбелла (иногда называемый 32 банки супа Кэмпбелла) - название Энди Уорхол произведение искусства, созданное в 1962 году. Оно состоит из тридцати двух полотен равного размера, каждое из которых представляет собой картину Суп Кэмпбелла может - по одному каждого консервированный суп разнообразие, которое предлагала компания в то время. Отдельные картины создавались полумеханизированным шелкография процесс, используя не-живописно стиль. Они помогли превратить поп-арт в крупное художественное движение, опирающееся на темы из популярная культура.

Ранее в Англии в 1956 году термин Поп-арт использовался Лоуренс Аллоуэй для картин, воспевающих потребительство эпохи после Второй мировой войны. Это движение отвергло абстрактный экспрессионизм и его ориентацию на герменевтический и психологический интерьер, в пользу искусства, которое изображало материальную культуру потребления, рекламу и иконографию эпохи массового производства.[62] Ранние работы английского художника Дэвид Хокни, Такие как Большой всплеск, и произведения Ричард Гамильтон, Питер Блейк, и Эдуардо Паолоцци, считаются основополагающими примерами в движении. Ист-Виллидж Галереи 10-й улицы художники формулировали американскую версию поп-арта. Клаас Ольденбург был его магазин, и Зеленая Галерея на 57-й улице начали показывать Том Вессельманн и Джеймс Розенквист. Существует связь между радикальными работами Дюшана и Ман Рэйбунтующие дадаисты - с чувством юмора; и поп-исполнителям нравится Алекс Кац, Клас Ольденбург, Энди Уорхол, Рой Лихтенштейн и другие.

Art Brut, Новый Реализм, Фигуративное движение Bay Area, Нео-Дада, Фотореализм

В течение 1950-х и 1960-х годов абстрактная живопись в Америке и Европе превратилась в такие движения, как Цветовое поле картина, Пост живописная абстракция, Оп-арт, жесткая окраска, Минимальное искусство, формованный холст картина, Лирическая абстракция, и продолжение абстрактного экспрессионизма. Другие художники отреагировали на тенденцию к абстракции с помощью Арт брют,[63] как показано на Court les rues, 1962 г., автор Жан Дюбюффе, Fluxus, Нео-дада, Новый Реализм, Фотореализм, позволяя изображениям снова появляться в различных новых контекстах, таких как Поп-арт, то Фигуративное движение Bay Area (яркий пример - Дибенкорн Городской пейзаж I, (Пейзаж № 1) (1963), а позже в 1970-х Неоэкспрессионизм. В Фигуративное движение Bay Area из которых Дэвид Парк, Элмер Бишофф, Натан Оливейра и Ричард Дибенкорн чья картина Городской пейзаж 1 (1963) - типичный пример, когда влиятельные члены процветали в 1950-х и 1960-х годах в Калифорнии. Более молодые художники практиковали использование образов новыми и радикальными способами. Ив Кляйн, Арман, Боевой Райс, Christo, Ники де Сен-Фалль, Дэвид Хокни, Алекс Кац, Малькольм Морли, Ральф Гоингс, Одри Флэк, Ричард Эстес, Чак Клоуз, Сьюзан Ротенберг, Эрик Фишль, и Вия Целминс были некоторые из них, которые стали заметными между 1960-ми и 1980-ми годами. Фэрфилд Портер был в основном самоучкой и производил репрезентативные работы в разгар движения абстрактного экспрессионизма. Его предметами были в первую очередь пейзажи, домашние интерьеры и портреты семьи, друзей и коллег-художников.

Также в 1960-х и 1970-х годах была реакция против живописи. Критики, такие как Дуглас Кримп, оценивали работы художников как Ад Рейнхардт, и объявил «смерть живописи». Художники начали практиковать новые способы создания искусства. Известность получили новые движения, некоторые из которых: Fluxus, Происходит, Видео арт, Монтажное искусство Почтовое искусство, то ситуационисты, Концептуальное искусство, Постминимализм, Земное искусство, искусство повера, исполнительское искусство и боди-арт среди прочего.[64][65]

Нео-дада - это также движение, начавшееся в 1950-х и 1960-х годах и связанное с абстрактным экспрессионизмом только с помощью образов. Эта тенденция, в которой произведенные изделия сочетаются с материалами художников, иллюстрируется работой Джаспер Джонс и Роберт Раушенберг. «Комбайны» Раушенберга в 1950-х годах были предшественниками поп-арта и Монтажное искусство, и использовал сборку крупных физических объектов, включая чучела животных, птиц и коммерческую фотографию. Раушенберг, Джонс, Ларри Риверс, Джон Чемберлен, Клаас Ольденбург, Джордж Сигал, Джим Дайн, и Эдвард Кинхольц среди прочего создали новые условности создания искусства; они сделали приемлемым в серьезных кругах современного искусства радикальное включение маловероятных материалов в свои произведения искусства.[66][67]

Геометрическая абстракция, Оп-арт, Hard-Edge, Цветовое поле, Минимальное искусство, Новый реализм

В течение 1960-х и 1970-х годов абстрактная живопись продолжала развиваться в Америке в различных стилях. Геометрическая абстракция, Оп-арт, жесткая окраска, Окраска цветового поля и минимальный живопись, были некоторые взаимосвязанные направления для продвинутой абстрактной живописи, а также некоторые другие новые направления. Моррис Луи был важным пионером в передовых Живопись цветового поля, его работа может служить мостом между Абстрактный экспрессионизм, Colorfield Painting, и Минимальное искусство. Два влиятельных учителя, Йозеф Альберс и Ганс Хофманн, познакомила новое поколение американских художников с их передовыми теориями цвета и пространства. Альберса лучше всего помнят за его работу в качестве Геометрический абстракционист художник и теоретик. Самыми известными из них являются сотни картин и гравюр, из которых состоит серия. Посвящение площади. В этой строгой серии, начатой ​​в 1949 году, Альберс исследовал хроматические взаимодействия с плоскими цветными квадратами, расположенными концентрически на холсте. Теории Альберса об искусстве и образовании стали определяющими для следующего поколения художников. Его собственные картины составляют основу как жесткой живописи, так и оп-арта. Йозеф Альберс, Ганс Хофманн, Илья Болотовский, Бургойн Диллер, Виктор Вазарели, Бриджит Райли, Ричард Анушкевич, Фрэнк Стелла, Моррис Луи, Кеннет Ноланд,[68] Эллсуорт Келли, Джон Маклафлин, Барнетт Ньюман, Ларри Пунс, Рональд Дэвис, Джон Хойланд, Ларри Зокс, Аль-Хельд, Мино Ардженто[69] художники тесно связаны с Геометрическая абстракция, Оп-арт, живопись цветового поля, а в случае с Хофманном и Ньюманом - абстрактный экспрессионизм. Агнес Мартин, Роберт Мангольд, Брайс Марден, Джо Баер, Роберт Райман, Ричард Таттл, Нил Уильямс, Дэвид Новрос, Пол Могенсон - примеры художников, связанных с минимализмом и (за исключением Мартина, Бэра и Мардена) использованием формованный холст также в период с начала 1960-х гг. Много Геометрические абстрактные художники, минималисты и художники с твердыми краями предпочли использовать края изображения для определения формы картины, вместо того, чтобы принимать прямоугольный формат. Фактически, использование формованного холста в первую очередь ассоциируется с картинами 1960-х и 1970-х годов, которые имеют холодный абстрактный, формалистический, геометрический, объективный, рационалистический характер, с четкими линиями, дерзко острыми краями или минималистский характер. В Bykert Галерея, а Галерея Park Place были важными витринами минимализма и фигурной живописи на холсте в Нью-Йорке в 1960-х годах.

Формованный холст, Вашингтонская школа цвета, Абстрактный иллюзионизм, Лирическая абстракция

Ронни Лэндфилд, 1971, Лирическая абстракция

Живопись цветового поля указала на новое направление в американской живописи, вдали от абстрактный экспрессионизм. Относится к Пост-живописная абстракция, Супрематизм, Абстрактный экспрессионизм, Покраска с твердой кромкой и Лирическая абстракция,[70] Живопись Цветового поля стремилась избавить искусство от лишней риторики. Исполнители любят Клиффорд Стилл, Марк Ротко, Ганс Хофманн, Моррис Луи, Жюль Олицки, Кеннет Ноланд, Хелен Франкенталер, Ларри Зокс, и другие, написанные с четко сформулированным и психологическим использованием цвета. В целом эти художники устранили узнаваемые образы. Некоторые художники ссылались на прошлое или настоящее искусство, но в целом живопись цветового поля представляет абстракцию как самоцель. Следуя этому направлению современное искусствоХудожники хотели представить каждую картину как единый цельный монолитный образ. Джин Дэвис вместе с Кеннетом Ноландом, Моррис Луи и несколько других были членом Вашингтонская школа цвета художники, которые начали создавать Картины цветового поля в Вашингтоне, округ Колумбия, в 1950-х и 1960-х годах, Черный, серый, бит это большая картина с вертикальными полосами, типичная для работ Джина Дэвиса.Фрэнк Стелла, Кеннет Ноланд, Эллсуорт Келли, Барнетт Ньюман, Рональд Дэвис, Нил Уильямс, Роберт Мангольд, Чарльз Хинман, Ричард Таттл, Дэвид Новрос и Эл Ловинг - примеры художников, связанных с использованием формованный холст в период с начала 1960-х гг.

С 1960 года Фрэнк Стелла создавал картины из алюминия и меди, а также свои первые работы, используя фигурные холсты (холсты формы, отличной от традиционного прямоугольника или квадрата), часто в L, N, U или T. Позже они превратились в более сложные конструкции, в Неправильный многоугольник серия (1967), например. Позже он начал свой Транспортир серии (1971) картин, в которых дуги, иногда перекрывающиеся, внутри квадратных границ располагаются бок о бок, образуя полукруги и полукруги, окрашенные в концентрические кольца. Харран II, 1967, является примером Транспортир серии.

Галерея Андре Эммериха, Лео Кастелли Галерея, Галерея Ричарда Фейгена и Галерея Park Place были важными витринами для живописи цветового поля, фигурной живописи на холсте и Лирическая абстракция в Нью-Йорке в 1960-е годы. Есть связь с пост-живописная абстракция, который выступил против мистицизма, гипер-субъективности абстрактного экспрессионизма и акцента на том, чтобы сделать сам акт живописи драматически видимым, а также на торжественное принятие плоского прямоугольника как почти ритуальной предпосылки для серьезной живописи. В 1960-х годах живопись Цветового поля и Минимальное искусство часто были тесно связаны друг с другом. На самом деле к началу 1970-х оба движения стали явно разнообразными.

Лирическая абстракция (термин введен Ларри Олдричем, основателем Музей современного искусства Олдрича, Риджфилд, Коннектикут), охватило то, что, по словам Олдрича, он видел в студиях многих художников того времени.[71] Это также название выставки, которая возникла в музее Олдрича и прошла в Музей американского искусства Уитни и другие музеи по всей территории Соединенных Штатов с 1969 по 1971 год.[72] Лирическая абстракция - это тип свободной абстрактной живописи, возникший в середине 1960-х годов, когда абстрактные художники вернулись к различным формам живописного, живописного, экспрессионизма с преобладающим акцентом на процесс, гештальт и повторяющиеся композиционные стратегии в целом.[73][74] В отличие от Action Painting, где акцент делается на мазках и высокой композиционной драме, в Lyrical Abstraction - примером 1971 г. Ронни Лэндфилд картина Сад радости- есть ощущение композиционной случайности, расслабленной композиционной драмы и упора на процесс, повторение и всеобщую чувствительность. Лирическая абстракция конца 1960-х гг. Характеризуется картинами Дэн Кристенсен, Ронни Лэндфилд, Питер Янг и другие, а также Fluxus движение и Постминимализм (термин, впервые введенный Робертом Пинкусом-Виттеном на страницах Artforum в 1969 г.)[75] стремился расширить границы абстрактной живописи и минимализма, сосредоточившись на процессе, новых материалах и новых способах выражения. Постминимализм, часто включающий промышленные материалы, сырье, изготовление, найденные объекты, инсталляцию, серийное повторение, и часто со ссылками на дадаизм и сюрреализм, лучше всего представлен в скульптурах Ева Гессе.[75] Лирическая абстракция, Концептуальное искусство, Постминимализм, Земля Искусство, Видео, Исполнительское искусство, Монтажное искусство, наряду с продолжением Fluxus, абстрактного экспрессионизма, живописи цветового поля, живописи с резкими краями, минимального искусства, оп-арта, поп-арта, Фотореализм и Новый Реализм расширил границы Современное искусство в середине 1960-х - 1970-х гг.[76]

Абстрактный Иллюзионизм, Монохромный, Минимализм, Постминимализм

Рональд Дэвис, Звенеть, 1968, Абстрактный иллюзионизм

Одним из первых художников, непосредственно связанных с минимализмом, был Фрэнк Стелла, чьи ранние «полосатые» картины были отмечены в 1959 году на выставке «16 американцев», организованной Дороти Миллер в Музей современного искусства в Нью-Йорке. Ширина полос на полосатых картинах Стеллы не была полностью субъективной, но определялась размерами пиломатериалов, использованных для создания поддерживающего каркаса, на котором было натянуто полотно. В каталоге выставки Карл Андре отметил: «Искусство исключает ненужное. Фрэнк Стелла счел необходимым рисовать полосы. В его картине нет ничего другого». Эти редуктивные работы резко контрастировали с наполненными энергией и явно эмоционально заряженными картинами Виллем де Кунинг или же Франц Клайн и больше склонялся к менее жестовым колористическим полевым картинам Барнетт Ньюман и Марк Ротко.

Художники, такие как Ларри Пунс- чья работа связана с оп-артом с его акцентом на точки, овалы и остаточные изображения, прыгающие по цветным полям -Кеннет Ноланд, Ральф Хамфри, Роберт Мазервелл и Роберт Райман также начал изучать полосы, монохромный и Жесткий край форматы с конца 1950-х по 1960-е годы.[77]

Из-за тенденции минимализма исключать изобразительное, иллюзионистское и вымышленное в пользу буквального, как показано Роберт Мангольд, которые понимали концепцию формы холста и ее отношение к объектность- было движение от живописи к скульптуре. Дональд Джадд начинал как художник, а закончил как создатель предметов. Его основополагающее эссе «Конкретные объекты» (опубликовано в «Ежегоднике искусств № 8» за 1965 г.) стало пробным камнем теории для формирования эстетики минимализма. В этом эссе Джадд нашел отправную точку для новой территории для американского искусства и одновременный отказ от остаточных унаследованных европейских художественных ценностей. Он указал на свидетельства этого развития в работах множества художников, работавших в то время в Нью-Йорке, включая Джаспера Джонса, Дэна Флавина и Ли Бонтеку. «Предварительное» значение для Джадда имела работа Джордж Эрл Ортман [2], который конкретизировал и преобразовал формы живописи в грубые, жесткие, философски заряженные геометрии. Эти Особые Объекты обитали в пространстве, которое тогда нельзя было классифицировать ни как живопись, ни как скульптуру. То, что категориальная идентичность таких объектов сама по себе ставилась под сомнение и что они избегали легкой ассоциации с изношенными и слишком знакомыми условностями, было частью их ценности для Джадда.

В гораздо более общем смысле можно найти европейские корни минимализма в геометрические абстракции художники в Баухаус, в произведениях Пит Мондриан и другие художники, связанные с движением DeStijl, в Русские конструктивисты и в работе румынского скульптора Константин Брынкуши. Американские художники, такие как Брайс Марден и Сай Твомбли демонстрируют явное европейское влияние в своих чистый абстракция, минималистическая живопись 1960-х гг. Производство полиуретана Рональда Дэвиса конца 1960-х годов отдает дань уважения Разбитое стекло из Марсель Дюшан.Это движение подверглось резкой критике со стороны искусствоведов и историков-формалистов высокого модернизма. Некоторые обеспокоенные критики думали, что минималистское искусство представляет собой неправильное понимание современной диалектики живописи и скульптуры, как ее определили критики. Клемент Гринберг, возможно, главный американский критик живописи в период до 1960-х годов. Наиболее заметную критику минимализма произвел Майкл Фрид, критик Гринберга, возражавший против произведения на основании его "театральности". В Искусство и объектность (опубликовано в Artforum в июне 1967 г.) он заявил, что минималистское произведение искусства, особенно минималистская скульптура, основано на взаимодействии с физическим телом зрителя. Он утверждал, что такие работы, как работа Роберта Морриса, превращают процесс просмотра в вид зрелище, в котором уловка действия наблюдение и участие зрителя в произведении. Фрид видел в этом смещении восприятия зрителя от эстетического вовлечения к событию вне произведения искусства как провал минимального искусства.

Ад Рейнхардт, на самом деле художник Абстрактный экспрессионист поколение, но то, чье редуктивный Полностью черные картины, казалось, предвосхищали минимализм и говорили о ценности редуктивного подхода к искусству: «Чем больше в нем материала, тем труднее произведение искусства, тем оно хуже. Больше значит меньше. Меньше значит больше. Глаза - угроза ясному зрению. Открывать себя непристойно. Искусство начинается с избавления от природы ».[78]

В 1960-е и 1970-е годы такие могущественные и влиятельные художники, как Адольф Готтлиб, Филипп Густон, Ли Краснер, Ричард Дибенкорн, Элмер Бишофф, Агнес Мартин, Сэм Фрэнсис, Джин Дэвис, Джоан Митчелл, Фридель Дзубас, а молодые художники любят Сэм Гиллиам, Шон Скалли, Пэт Стейр, Элизабет Мюррей, Уолтер Дарби Бэннард, Дэн Кристенсен, Джоан Снайдер, Ричард Таттл, Росс Блекнер, Арчи Рэнд, Сьюзан Крайли десятки других создали жизненно важные и влиятельные картины.

Еще другие важные инновации в абстрактной живописи произошли в 1960-х и 1970-х годах. Монохромная живопись и Покраска с твердой кромкой вдохновлен Ад Рейнхардт, Барнетт Ньюман, Милтон Резник, и Эллсуорт Келли. Художники столь же разнообразны, как Аль-Хельд, Ларри Зокс, Фрэнк Стелла, Ларри Пунс, Брайс Марден и другие исследовали силу упрощения. Конвергенция Цветовое поле живопись, минимальное искусство, живопись с резкими краями, лирическая абстракция и постминимализм стерли различия между движениями, которые стали более очевидными в 1980-х и 1990-х годах. В Неоэкспрессионизм движение связано с более ранними разработками в абстрактном экспрессионизме, Нео-дада, Лирическая абстракция и постминимальная живопись.

Неоэкспрессионизм

В конце 1960-х художник-абстрактный экспрессионист Филип Густон помогли осуществить переход от абстрактного экспрессионизма к Неоэкспрессионизм в живописи отказался от так называемой «чистой абстракции» абстрактного экспрессионизма в пользу более мультяшных изображений различных личных символов и предметов. Эти работы вдохновили новое поколение художников, заинтересованных в возрождении выразительного образа.[79] Его картина Живопись, Курение, Еда является примером возвращения Густона к представлению.

В конце 1970-х - начале 1980-х годов также произошло возвращение к живописи, которое произошло почти одновременно в Италии, Германии, Франции и других странах. Британия. Эти движения были названы Трансавангардия, Neue Wilde, Figuration Libre,[80] Неоэкспрессионизм, школа Лондона, а в конце 80-х Застрявшие соответственно. Эти картины отличались большими форматами, свободным выразительным нанесением знаков, фигурацией, мифом и воображением. Все работы в этом жанре получили маркировку неоэкспрессионизм.

Неоэкспрессионизм был стилем современное живопись, которая стала популярной в конце 1970-х и доминировала на рынке искусства до середины 1980-х. Он развился в Европе как реакция на концептуальное и минималистичный искусство 1960-1970-х гг. Неоэкспрессионисты вернулись к изображению узнаваемых объектов, таких как человеческое тело (хотя иногда и в практически абстрактной манере), грубо и эмоционально, используя яркие цвета и банальные цветовые гармонии. Художники-ветераны Филиппа Густона, Франк Ауэрбах, Леон Коссофф, Герхард Рихтер, А. Р. Пенк и Георг Базелицвместе с чуть более молодыми артистами Дэмиен Хёрст, Ансельм Кифер, американцы Эрик Фишль, Сьюзан Ротенберг, Дэвид Салле, Жан-Мишель Баския, Джулиан Шнабель, и Кит Харинг, итальянцы Франческо Клементе, Миммо Паладино, Сандро Чиа, и Энцо Кукки, и многие другие стали известны своей работой в этом интенсивном экспрессионистском стиле живописи. Критическая реакция разделилась. Некоторые критики считали, что это вызвано стремлением крупных коммерческих галерей получить прибыль.[79]

Ансельм Кифер - ведущая фигура европейского неоэкспрессионизма.[81] К 1980-м годам темы Кифера расширились от акцента на роли Германии в цивилизации до судьбы искусства и культуры в целом. Его работы стали более скульптурными и предполагают не только национальную идентичность и коллективная память, но также оккультизм символизм, богословие и мистика.[82] Тема всей работы - травма, которую переживают целые общества, а также постоянное возрождение и обновление жизни.

Живопись по-прежнему занимает почетное место в современное искусство. Искусство - это открытое поле, которое больше не разделяется дихотомией объективного и беспредметного. Художники могут добиться успеха у критиков, независимо от того, являются ли их изображения репрезентативными или абстрактными. Что имеет значение, так это удовлетворение, исследование границ среды и отказ от повторения работ прошлого как конечной цели.[83][84][85]

Дэмиен Хёрст, 2003

Современная живопись в 21 веке

Основные статьи: Современное искусство, Постмодернистское искусство, и Поздний модернизм

На протяжении 20-го века и в 21-м веке с появлением Современное и Постмодерн формы искусства, различия между тем, что обычно считается изобразительное искусство и низкое искусство начали исчезать,[86] поскольку современное высокое искусство продолжает бросать вызов этим концепциям, смешиваясь с популярная культура.[87]

Художники постмодернистской эпохи отвергли мейнстримную живопись в пользу живописи. художественный плюрализм.[88] По мнению искусствоведа Артур Данто существует все идет преобладающее отношение; синдром «все происходит» и, следовательно, «ничего не происходит»; это создает эстетическую пробку без четкого и четкого направления и с каждой полосой художественного супермагистраль заполнен до отказа.[89]

Смотрите также

Рекомендации

  1. ^ Уайлдер, Джесси Брайант (14 февраля 2011 г.). История искусства для чайников, Джесси Брайант Уайлдер, Джон Гартон, стр. 212, проверено 11 ноября 2008 г.. ISBN 9781118051160. Получено 8 августа 2014.
  2. ^ Коул, Брюс Искусство западного мира: от Древней Греции до постмодернизма. Саймон и Шустер, 1981, Simonsays.com доступ 27 октября 2007 г.
  3. ^ "Объясняя модернизм В. Стивен Кродди, извлечено 11 ноября 2008 г.". Bu.edu. 25 октября 1962 г.. Получено 8 августа 2014.
  4. ^ Обсуждение роли меценатов в эпоху Возрождения, получено 11 ноября 2008 г.
  5. ^ История 1450–1789 гг .: художественное покровительство, получено 11 ноября 2008 г.
  6. ^ Britannica.com, получено 11 ноября 2008 г.
  7. ^ Victorianweb.org, Эстеты, декаденты и идея искусства ради искусства; Джордж П. Ландоу, профессор английского языка и истории искусства, Брауновский университет, извлечено 11 ноября 2008 г.
  8. ^ Национальная галерея искусств, проверено 11 ноября 2008 г. В архиве 6 ноября 2007 г. Wayback Machine
  9. ^ "Сезанн Пикассо: Амбруаз Воллар, покровитель авангарда, Чикагский институт искусств, извлечено 11 ноября 2008 г. ". Artic.edu. Архивировано из оригинал 12 октября 2008 г.. Получено 8 августа 2014.
  10. ^ Меггс, Филип Б. История графического дизайна. John Wiley & Sons, Inc. 1998; (стр. 58–69) ISBN 0-471-29198-6
  11. ^ Коул, Брюс и Гелт, Адельхайд М. Искусство западного мира: от Древней Греции до постмодернизма, получено 11 ноября 2008 г.
  12. ^ Warwick Ball (2016), Рим на Востоке: преобразование империи, 2-е издание, Лондон и Нью-Йорк: Рутледж, ISBN 978-0-415-72078-6, п. 153.
  13. ^ «Римская живопись». art-and-archaeology.com.
  14. ^ «Римская настенная живопись». accd.edu. Архивировано из оригинал 19 марта 2007 г.
  15. ^ Putnam A.M., Geo. Убежище. Книги и их создатели в средние века. Vol. 1. Нью-Йорк: Хиллари Хаус, 1962. Печать.
  16. ^ а б c Гарднер, Х., Кляйнер, Ф. С. и Мамия, К. Дж. (2006). Искусство Гарднера сквозь века: западная перспектива. Бельмонт, Калифорния, Томсон Уодсворт: 430–437
  17. ^ Контрреформация, из Энциклопедия Britannica Online, последнее издание, полная статья.
  18. ^ Контрреформация В архиве 11 декабря 2008 г. Wayback Machine, из Колумбийская энциклопедия, Издание шестое. 2001–05.
  19. ^ Хелен Гарднер, Фред С. Кляйнер и Кристин Дж. Мамия, «Искусство Гарднера сквозь века» (Белмонт, Калифорния: Thomson / Wadsworth, 2005)
  20. ^ Эдмонд и Жюль де Гонкур, Французские художники XVIII века. Корнеллские книги в мягкой обложке, 1981, стр. 222–225. ISBN 0-8014-9218-1
  21. ^ Uni-Heidelberg.de[мертвая ссылка]
  22. ^ "Новак, Барбара Американский возвышенный Artforum, 2002, дата обращения 30 октября 2008 г. ". Findarticles.com. Получено 8 августа 2014.
  23. ^ Бомфорд, Дэвид, Джо Кирби, Джон Лейтон, Ашок Рой и Раймонд Уайт (1990). Импрессионизм. Лондон: Национальная галерея. С. 21–27. ISBN 0-300-05035-6.
  24. ^ Дельвай, Бернар, Символическая поэзия: антология, вступление. ISBN 2-221-50161-6
  25. ^ Рассел Т. Клемент. Четыре французских символиста. Гринвуд Пресс, 1996. С. 114.
  26. ^ а б «Кристофер Грин, 2009, кубизм, MoMA, Grove Art Online, Oxford University Press». Moma.org. Получено 8 августа 2014.
  27. ^ Луи Воксель, Le Salon d'Automne, Жиль Блас, 17 октября 1905 г. Экран 5 и 6. Галлика, Национальная библиотека Франции., ISSN 1149-9397
  28. ^ а б Чилвер, Ян (ред.). «Фовизм», Оксфордский словарь искусств, Oxford University Press, 2004. 26 декабря 2007 г.
  29. ^ Смит, Роберта. "Анри Руссо: В воображаемых джунглях таится ужасная красота". Нью-Йорк Таймс, 14 июля 2006 г. Проверено 29 декабря 2007 г.
  30. ^ Элдерфилд, 43 года
  31. ^ Фовизм «Дикие звери» и его сходство, Джон Элдерфилд, Музей современного искусства 1976, ISBN 0-87070-638-1
  32. ^ Пикассо и Брак - пионеры кубизма Уильям Рубин, опубликованный музей современного искусства, Нью-Йорк, авторское право 1989 г., ISBN 0-87070-676-4 п. 348.
  33. ^ «Ассоциация художников« Брюке »», Музей Брюке. Проверено 7 сентября 2007 года.
  34. ^ Der Blaue Reiter, Глоссарий Тейт получено 10 августа 2009 г.
  35. ^ Эйджи и Роуз, 1979, стр. 8.
  36. ^ "Статья New Yorker, доступ в Интернете 11 ноября 2008 г.". Newyorker.com. 6 августа 2007 г.. Получено 8 августа 2014.
  37. ^ Уэйн Крейвен, Американское искусство: история и культура, п. 464.
  38. ^ Jasonkaufman.com В архиве 17 октября 2008 г. Wayback Machine, по состоянию на 28 августа 2007 г.
  39. ^ "Национальная художественная галерея, дата обращения 11 ноября 2008 г.". Nga.gov. Получено 8 августа 2014.
  40. ^ Спектор, Нэнси. "Пашня, 1923–1924 гг. В архиве 25 сентября 2008 г. Wayback Machine". Гуггенхайм отображать заголовок. Проверено 30 мая 2008 года.
  41. ^ "Из галереи Тейт Модерн". Tate.org.uk. Получено 8 августа 2014.
  42. ^ Льюис, Хелена. Дада становится красным. 1990. Издательство Эдинбургского университета. История непростых отношений между сюрреалистами и коммунистами с 1920-х по 1950-е годы.
  43. ^ Брэндон, Лаура (2012). Искусство и война. И. Таврические. ISBN 0857732811.
  44. ^ Файнман, Миа, Самая известная фермерская пара в мире: почему американская готика до сих пор очаровывает., Шифер, 8 июня 2005 г.
  45. ^ Эррера, Хайден. "Фрида Кало". Oxford Art Online. Oxford University Press
  46. ^ Абстрактный экспрессионизм, Нью-Йорк, МоМА
  47. ^ Клемент Гринберг, Искусство и культура Критические очерки, («Живопись американского типа»), Beacon Press, 1961, стр: 208–229, ISBN 978-0807066812
  48. ^ «Пост-живописная абстракция». www.sharecom.ca. Получено 8 апреля 2018.
  49. ^ NGA.gov.au, Национальная галерея Австралии
  50. ^ Дэвид Пайпер, стр. 635
  51. ^ Керр, Мелисса (2009). "Хронология", в: Майкл Р. Тейлор (ред.), Аршил Горки: ретроспектива. Филадельфия, Пенсильвания: Художественный музей Филадельфии. ISBN 9780876332139
  52. ^ Барнс, Рэйчел (2003). Абстрактные экспрессионисты. Чикаго: Библиотека Хайнемана. ISBN 9781588106445
  53. ^ Шмид, Виланд (1996). Фрэнсис Бэкон: приверженность и конфликт. (Мюнхен) Престел. ISBN 3-7913-1664-8, п. 17
  54. ^ Пеппиат, Майкл, Анатомия загадки. Westview Press. ISBN 0-8133-3520-5 (1996), стр. 147
  55. ^ Schmied (1996), стр. 20
  56. ^ Peppiatt (1996), стр. 148
  57. ^ Мир Кристины в МоМА Онлайн-коллекция
  58. ^ Глюк, Грейс (7 января 2005 г.). "NY Times, Грейс Глюк, Art in Review; Милтон Эйвери - Бегущие волны". Нью-Йорк Таймс. Получено 8 августа 2014.
  59. ^ Хилтон Крамер (13 мая 2002 г.). "Хилтон Крамер, обозреватель штата Нью-Йорк, Лето 57-го с Эйвери, Готлибом, Ротко". Observer.com. Получено 8 августа 2014.
  60. ^ Хендриксон 1988, п. 31 год
  61. ^ Киммельман, Майкл (30 сентября 1997 г.). «Рой Лихтенштейн, поп-мэтр, умер в возрасте 73 лет». Нью-Йорк Таймс. Получено 12 ноября 2007.
  62. ^ Темы в американском искусстве с 1945 года, Поп-арт слова, pp. 119–122, автор: Лоуренс Аллоуэй, авторское право 1975 г. W. W. Norton and Company, Нью-Йорк ISBN 0-393-04401-7
  63. ^ Жан Дюбюффе: L’Art brut préféré aux arts culturels [1949] (по-английски) Арт брют. Безумие и маргиналия, спецвыпуск Искусство и текст№ 27, 1987, с. 31–33).
  64. ^ Дуглас Кримп, Конец живописи, Октябрь, т. 16. Весна, 1981, с. 69–86.
  65. ^ Дуглас Кримп, На руинах музея, Кембридж, Массачусетс, 1993.
  66. ^ Екатерина Крафт, Аудитория художников: дадаизм, нео-дада и появление абстрактного экспрессионизма, Чикагский университет, 2012 г.
  67. ^ Сьюзан Хэпгуд, Нео-дада: новое определение искусства, 1958–62, Universe Books и Американская федерация искусств, 1994
  68. ^ Терри Фентон, онлайн-эссе о Кеннет Ноланд, и акриловая краска, Sharecom.ca, по состоянию на 30 апреля 2007 г.
  69. ^ Кертис, Кэти (22 января 1988 г.). "Уилшир-центр". Лос-Анджелес Таймс.
  70. ^ «Архивная копия». Архивировано из оригинал 3 июля 2010 г.. Получено 2 июн 2010.CS1 maint: заархивированная копия как заголовок (связь)
  71. ^ Олдрич, Ларри. Молодые лирические художники, Искусство в Америке, т.57, номер 6, ноябрь – декабрь 1969 г., стр. 104–113.
  72. ^ Лирическая абстракция, каталог выставки, Музей современного искусства Олдрича, Риджфилд, Коннектикут 1970.
  73. ^ Музей современного искусства Олдрича, Лирическая абстракция, выставка: 5 апреля - 7 июня 1970 г.
  74. ^ Лирическая абстракция Музей американского искусства Уитни, Нью-Йорк, 25 мая - 6 июля 1971 г.
  75. ^ а б Movers and Shakers, Нью-Йорк, "Покидая C&M", Сара Дуглас, Искусство и аукцион, март 2007, V.XXXNo7.
  76. ^ Мартин, Энн Рэй и Ховард Юнкер. Новое искусство: это путь, выход, Newsweek 29 июля 1968: стр. 3, 55–63.
  77. ^ Britannica.com, «Минимализм»
  78. ^ Меньше значит лучше: 12 правил чистого искусства Эда Рейнхардта, The Editors of ARTnews, 24 января 2015 г. (на основе доклада, прочитанного на 45-м ежегодном собрании Колледжа художественной ассоциации в Детройтском институте искусств, 26 января 1957 г.)
  79. ^ а б Неоэкспрессионизм, Художественная история
  80. ^ "Интернет-глоссарий Тейт". Tate.org.uk. Получено 8 августа 2014.
  81. ^ Художественная история, художник Ансельм Кифер
  82. ^ Файфер, Тейт
  83. ^ Ян Эсманн, Ф. Скотт Хесс, Фигуративное искусство 21 века: возрождение искусства, BookBaby Print, 5 ноя 2016, ISBN 1483582590
  84. ^ Тимоти Хайман, Новый мир: фигуративная живопись ХХ века, Темза и Гудзон, 2016 г., ISBN 0500239452
  85. ^ Рональд Полсон, Рисунок и абстракция в современной живописи, Rutgers University Press, 1990 г.
  86. ^ Десмонд, Кэтлин К. (2011). Идеи об искусстве. Джон Вили и сыновья. п. 148. ISBN 9781444396003.
  87. ^ Бертенс, Ганс (1997). Международный постмодернизм: теория и литературная практика. Рутледж. п. 236. ISBN 9027234450.
  88. ^ О современном искусстве, Музей Гетти
  89. ^ Данто, Артур Коулман (1998). После конца искусства: современное искусство и черта истории. Издательство Принстонского университета. п. 47. ISBN 0-691-00299-1. Цитируется профессором Дэвидом В. Клоуэни на его сайте. [1] В архиве 27 декабря 2009 г. Wayback Machine

Источники

Об эффектах печати Гутенберга

  • Элизабет Л. Эйзенштейн, Печатный станок как агент перемен, Издательство Кембриджского университета, Сентябрь 1980 г., Мягкая обложка, 832 стр., ISBN 0-521-29955-1
  • Более свежая, сокращенная версия: Элизабет Л. Эйзенштейн, Революция печати в Европе раннего Нового времени, Cambridge University Press, 2-е изд., 12 сентября 2005 г., Мягкая обложка, ISBN 0-521-60774-4
  • Маршалл Маклюэн, Галактика Гутенберга: создание типографского человека (1962) University of Toronto Press (1-е изд.); переиздан Routledge & Kegan Paul ISBN 0-7100-1818-5.
  • Бриггс и Берк, Социальная история СМИ: печатная революция в контексте (2002)

внешняя ссылка